Drama - Genres

Ursprung und Merkmale des Dramas

Das Drama gehört neben der Lyrik und der Epik zu den drei Grundtypen der Literatur. Es entwickelte sich im antiken Griechenland aus den Feierlichkeiten zu Ehren des Gottes Dionysos, zu denen traditionelle Darbietungen gehörten, die hauptsächlich aus Tanz, Chorgesang und Darstellungen verschiedener Szenen aus dem Leben bestanden. Die ständige Verfeinerung dieser Aufführungen führte zur Entstehung eines institutionalisierten Theaters, das auf dramatischen Texten verschiedener Autoren wie Sophokles und Euripides basierte. Für antike Theaterstücke war die Einheit von Ort, Zeit und Raum von entscheidender Bedeutung, und die Schauspieler verwendeten häufig Masken, Kostüme und Requisiten. Die erste dramatische Gattung war die Tragödie, die von der antiken Geschichte und Mythologie inspiriert wurde und deren Geschichten ernst und schicksalhaft waren und oft tragisch endeten. Wenig später erblickte eine Komödie als zweite dramatische Einheit das Licht der Welt, die wiederum sehr lustig und ausgelassen war und dem Publikum ein Happy End bot. Die Theatertradition wurde in der Folge sowohl in der römischen Antike als auch im Mittelalter weiterentwickelt. In der Renaissance wurden die ersten Zimmertheater gebaut, und William Shakespeare wurde zum wichtigsten Dramatiker, dessen Stücke die Form von Tragödien und Komödien nachhaltig beeinflussten.

Im 19. Jahrhundert wurde die Struktur des Dramas durch fünf Säulen definiert - die erste war die "Exposition", die dazu diente, die Figuren vorzustellen und die Handlung einzuleiten, gefolgt von der "Kollision", die ein konfliktträchtiges Element in die Handlung einbrachte, der "Krise", in der das Drama seinen Höhepunkt erreichte, und der "Peripetie", die einen Lösungsvorschlag für die Ausgangssituation enthielt, bis hin zur "Katastrophe", d. h. der Auflösung und endgültigen Katharsis. Das Drama wurde zu einer eigenständigen Gattung, als der Begriff "Drama" zur Beschreibung von Theaterstücken verwendet wurde, die weder Komödie noch Tragödie waren, und er wurde später in ähnlicher Form zur Klassifizierung von Filmwerken verwendet. Im Filmjargon ist das Drama also ein fiktives Genre, mit dem man jeden Film bezeichnen kann, dessen Geschichte in einem überwiegend ernsten Ton erzählt wird. In dieser Hinsicht steht das Drama im Gegensatz zur Komödie, in der die Geschichte in einem überwiegend humoristischen Ton erzählt wird. In Dramen geht es um realistische Figuren, die Situationen erleben, in denen sie entweder mit sich selbst, mit anderen Figuren oder mit den Umwelteinflüssen, die die Situation begleiten, in Konflikt geraten. Neben dem Theater, der Literatur und dem Film ist das Drama auch ein Genre, das häufig mit Fernsehserien oder Hörspielen in Verbindung gebracht wird.

Verschiedene Formen des Dramas

Da der Begriff Drama ursprünglich aus dem Theatermilieu stammt, wo er im Allgemeinen für jede szenische Erzählung einer Geschichte durch Dialoge, Monologe und Schauspielerei verwendet wurde, kann im weiteren Sinne als Filmdrama jeder Film bezeichnet werden, in dem Schauspieler eine ernsthafte fiktive Geschichte darstellen. Folglich kann das Drama als das umfassendste Genre überhaupt angesehen werden, das alle Subgenres umfasst, die auf der Kombination eines Dramas mit anderen Genres beruhen. Nach der Art ihrer Handlung lassen sich also unter anderem Kriegsdramen, historische Dramen, biografische Dramen, Katastrophendramen, Kriminaldramen oder romantische Dramen unterscheiden, die zu verschiedenen Gattungen gehören, denen in diesem Abschnitt eigene Texte gewidmet werden. Je nach Art des Films kann man aber auch von psychologischen, sozialen, politischen oder sogar Coming-of-Age-Dramen sprechen. Die Art des Schauplatzes trägt dazu bei, in z. B. Sport-, Gerichts-, Rechts- oder Familiendramen zu unterteilen. Manche Dramen sollen die Zuschauer bewegen, andere sie begeistern, aber ihr gemeinsames Ziel ist es, ein Gefühl der Sympathie für die Figuren und ihre Handlungen zu wecken.

Viele Dramen befassen sich mit grundlegenden sozialen Missständen und Phänomenen wie Ungleichheit und Ungerechtigkeit, rassistischen, religiösen oder geschlechtsspezifischen Vorurteilen, Armut, Alkoholismus, Drogenabhängigkeit, psychischen Krankheiten, Gewalt gegen bestimmte Gruppen, Korruption, politischen Unruhen, Korruption der Mächtigen und so weiter. Psychologische Dramen befassen sich mit der Psychologie der Figuren, während Sozialdramen die Lebensbedingungen der unteren Gesellschaftsschichten zum Thema haben. In Coming-of-Age-Dramen stehen die jugendlichen Protagonisten an der Schwelle zum Erwachsensein, verlieren ihre Illusionen aus der Kindheit und entdecken ihre erste große Liebe und schließlich ihre Sexualität, während Sportdramen oft mit der Figur eines Sportlers oder sogar einer ganzen Mannschaft arbeiten, die sich allmählich von ganz unten bis zu den Champions hocharbeiten. In Familiendramen sind die Helden Mitglieder einer Familie; in Gerichtsdramen sind die Helden Anwälte und ihre Mandanten. Melodramen betonen gesteigerte Emotionen und Sentimentalität, und ihre Protagonistinnen sind oft aufopferungsvolle, tugendhafte Frauen, die irgendeine Art von Not oder Krise, Krankheit, Verlust oder unerwiderte Liebe durchmachen oder Opfer von Ehebruch, Liebesaffären und Verschwörungen sind, die hinter ihrem Rücken stattfinden. Einige Dramen können auch Fantasy- oder Science-Fiction-Elemente enthalten, ebenso wie Comedy-Dramen eine ernste Handlung wiederum mit humoristischen Elementen anreichern.

 

Das Drama in der Frühzeit des Kinos

Filmgenres haben sich erst viele Jahre nach der Entstehung des Mediums Film herausgebildet. Die Filme waren anfangs von begrenzter Länge, ihre Autoren experimentierten mit der Filmform und verschiedenen Themen, und ihre Arbeit zeigte die Unterschiede zwischen Dokumentarfilm und Fiktion. Ein frühes Drama ist der fünfminütige britische Spielfilm Fire! (1901), in dem mehrere Feuerwehrleute beim Löschen eines Wohnungsbrandes und bei der Rettung der Bewohner helfen (während die amerikanische Variante Life of an American Fireman aus dem Jahr 1903 Spielfilmsequenzen mit dokumentarischen Aufnahmen kombiniert). Der erste französische Regisseur, der mit kompletten Geschichten arbeitete, war Georges Méliès, ein Pionier des Filmtricks und des Science-Fiction- und Fantasy-Genres. Der erste amerikanische Film mit einer vollständigen Geschichte war der Western Der große Eisenbahnraub (1903). Die Entwicklung des Dramas wurde in der Folge durch die Gründung amerikanischer Filmproduktionsgesellschaften gefördert, die konkrete Filmemacher beschäftigten - den größten Einfluss auf die Gestaltung des Films als Kunstform hatte der Regisseur D. W. Griffith, der zwischen 1908 und 1913 über 400 (Kurz-)Filme drehte, von denen viele dramatischer Natur waren und von denen einige sogar als sozialkritische Werke fungierten - zum Beispiel zeigte A Corner in Wheat (1909) die Ungleichheit zwischen hart arbeitenden Bauern und gierigen Kaufleuten auf, während Brutality (1912) häusliche Gewalt thematisierte.

Vor dem Ersten Weltkrieg zogen mehrere Filmproduzenten in die Gegend von Los Angeles, was zur Gründung des amerikanischen Filmproduktionszentrums führte, das ab 1913 Hollywood genannt wurde. Kurz darauf wurde ein System von Filmstudios eingerichtet, das sich auf die Produktion von Filmen in großen Studios konzentrierte. Western und Slapstick-Komödien waren zu dieser Zeit die vorherrschenden Genres, die ersten Filmstars profilierten sich. Das Drama Traffic in Souls (1913), das sich mit dem Thema Zwangsprostitution befasste, war einer der ersten Filme, die das Publikum für das heikle Thema begeisterten. In Frank Powells Drama A Fool There Was (1915), in dem das Leben eines verheirateten Mannes unter dem Einfluss seiner Geliebten zusammenbricht, wurde das Motiv der Femme fatale, der verheerenden Femme fatale, zum ersten Mal verwendet, und das Motiv der Untreue wurde dann in Blinde Ehemänner (1919) verwendet, in dem die Frau eines vergesslichen Bergsteigers zum Objekt des Interesses eines zynischen Verführers wird. Oscar Micheaux' Drama Within Our Gates (1920), der älteste erhaltene Film eines afroamerikanischen Regisseurs, zeichnete sich durch seine überwiegend schwarze Besetzung und seine Kritik an der Behandlung ethnischer Minderheiten aus.

Regisseur D. W. Griffith drehte das biblische Drama Judith of Bethulia (1914), das umstrittene historische Drama Geburt einer Nation (1915) und das dramatische Epos Intolerance (1916) und wandte sich später romantischen Dramen wie Broken Blossoms (1919), True Heart Susie (1919), A Romance of Happy Valley (1919) und Way Down East (1920) zu. Darüber hinaus drehte er auch Kriegsdramen, darunter Hearts of the World (1918), Orphans of the Storm (1921) und America (1924). Auch in Europa wurden einige Dramen produziert wie das französische Historiendrama Queen Elisabeth (1912), das deutsche Drama Madame DuBarry (1919), der dänische Film Der Präsident (1919), die schwedischen Filme Unser täglich Brot (1913) und Herrn Arnes Schatz (1919) sowie das schwedisch-isländische Drama Berg-Eyvind und sein Weib (1918).

 

Das Drama im Hollywood in den 1920er Jahren und Pre-Code-America

Die Filmindustrie wuchs in den 1920er Jahren stetig weiter (Ende des Jahrzehnts gab es allein in den USA rund zwanzig Filmstudios), und damit stieg auch die Zahl der jährlich neu produzierten Filme kontinuierlich an. Die meisten dieser Filme waren Stummfilme und wurden nur von Musik begleitet, die von einem Live-Orchester gespielt wurde. Die ersten Experimente mit aufgezeichnetem Ton wurden mit Don Juan DeMarco (1926) unternommen, bei dem eine autonome Tonspur auf einem speziellen Medium aufgezeichnet wurde. Der Durchbruch gelang mit dem Musikdrama The Jazz Singer (1927), dem ersten Tonfilm, bei dem die Tonspur bereits Teil des Films selbst war. Sein Erfolg führte dann zur Verbreitung des Tonfilms, der ab 1929 die Filmproduktion dominierte. Die Umstellung auf den Tonfilm wirkte sich nicht nur auf die Karrieren einiger Schauspielerinnen und Schauspieler aus, sondern auch auf einige Filme - so blieb beispielsweise das Drama Queen Kelly (1929) unvollendet und wurde mit einem hastig umgeschriebenen Ende in Europa, nicht aber in den USA vertrieben. Davor und danach wurden Filme verschiedener Genres gedreht, am häufigsten Komödien, Western, Abenteuer- und Liebesfilme, Historien- und Kriegsfilme, aber auch Horrorfilme, Kriminalfilme und, nach der Erfindung des Tonfilms, Musicals.

Zu den bedeutendsten Dramen dieser Zeit gehören die biblischen Dramen des Regisseurs Cecil B. DeMills Die Zehn Gebote (1923) und König der Könige (1927), die Kriegsdramen Die vier Reiter der Apokalypse von Rex Ingram (1921) und Die große Parade von King Vidor (1925) sowie die Liebesdramen Camille (1921) und Torrent (1926). Der ursprünglich schwedische Regisseur Victor Sjöström hatte in Hollywood Erfolg mit He Who Gets Slapped (1924), in dem er die Geschichte eines Intellektuellen erzählte, der in eine Zirkuskarriere abrutscht, mit The Scarlet Letter (1926), der auf dem Leben einer Ehebrecherin in einer puritanischen Gesellschaft basiert, und mit The Wind (1928), dessen Protagonistin angesichts der rauen Umgebung, in die sie umziehen musste, verrückt wurde. Der in Deutschland geborene Regisseur F. W. Murnau, der in den USA unter anderem mit Der brennende Acker (1922), Phantom (1922) und Der letzte Mann (1924) erfolgreich war, schaffte den Durchbruch mit Sonnenaufgang - Lied von zwei Menschen (1927), einem romantischen Drama, das mit drei Oscars ausgezeichnet wurde und in dem sich ein verheirateter Landwirt vorübergehend in eine unbekannte Stadtschönheit verliebt, was seine Liebe zu seiner Frau jedoch nur noch verstärkt. Murnau drehte anschließend in den USA die Dramen 4 Devils (1928), Unser täglich Brot (1930) und Tabu (1931).

1929 wurden die ersten Oscars, die Academy of Motion Picture Arts and Sciences Academy Awards verliehen. Der erste Gewinner war das romantische Kriegsdrama Flügel aus Stahl (1927), das das Publikum mit seinen Luftkampfszenen in seinen Bann zog. Erwähnenswert sind auch die Dramen Tol'able David (1921), The Way of All Flesh (1927) und die von Erich von Stroheim inszenierten Filme Foolish Wifes (1922), Gier (1924) und The Wedding March (1928). Unter den europäischen Produktionen ragen vor allem die dramatischen Filme Die Gezeichneten (1922), Mikaël (1924) und Die Passion der Jeanne d'Arc (1928) des dänischen Filmemachers Carl Theodor Dreyer, das französische biografische Drama Napoleon (1927) sowie die sowjetischen Filme Panzerkreuzer Potemkin (1925) und Streik - Oktober (1925) heraus, die britischen Dramen von Alfred Hitchcock Leichtlebig (1927) und The Manxman (1929) und die deutschen Filme von Georg Wilhelm Pabst Der Schatz (1923), Die freudlose Gasse (1925), Die Büchse der Pandora (1929), Tagebuch einer Verlorenen (1929) und Die weiße Hölle vom Piz Palü (1929).

Die 1920er Jahre waren auch der Beginn des Jazz-Zeitalters und eine Zeit des gesellschaftlichen Überschwangs, der lockeren Atmosphäre und der Prohibition. Als Reaktion auf den unkontrollierten Umgang amerikanischer Filmemacher mit der Darstellung unmoralischer Themen in Filmen wurde 1922 die Producers and Distributors of America (MPPDA) gegründet, eine Selbstzensurorganisation unter der Leitung des Vorsitzenden Will H. Hays, die einen Produktionskodex aufstellte, eine Reihe moralischer Regeln und Richtlinien, die Hollywood-Filme befolgen sollten. Der Kodex wurde 1930 geschaffen, aber erst 1934 streng durchgesetzt, als der informelle Name "Hays-Kodex" in Anlehnung an die Gründer der Vereinigung angenommen wurde. Die Regeln des Production Code galten noch bis Ende der 1960er Jahre, bis er 1966 abgeschafft und 1968 durch die heute noch gültige MPAA-Filmklassifizierung ersetzt wurde. Die Zeit des amerikanischen Kinos zwischen der allgemeinen Einführung von Tonfilmen im Jahr 1929 und der Verabschiedung des Production Code im Jahr 1934 wird als Pre-Code-Hollywood bezeichnet, d. h. als Hollywood vor dem Code. Zu den in dieser Zeit produzierten Dramen gehören The Godless Girl (1929), The Single Standard (1929), The Divorcee (1930), The Champ (1931), Possessed (1931), Der Tag an dem die Bank gestürmt wurde (1932), A Bill of Divorcement (1932), Menschen im Hotel (1932), Cavalcade (1933), Morning Glory (1933) und Vier Schwestern (1933).

 

Der Aufstieg des amerikanischen Melodramas nach dem Aufkommen des Tonfilms

Im Gegensatz zu der Fülle von Kriegs- und Abenteuerfilmen und Western begann Hollywood auch, Dramen zu produzieren, die Elemente enthielten, die sowohl ein weibliches als auch ein männliches Publikum ansprechen sollten, und die sich insbesondere auf starke Frauenfiguren und Liebesgeschichten, Partnerbeziehungen und Themen wie Ehe, Untreue und Beziehungskrisen konzentrierten. Diese Filme wurden bereits in den späten 1920er und frühen 1930er Jahren von Regisseuren wie Frank Borzage gedreht, dessen drei oscarprämierte romantische Kriegsfilme Das Glück in der Mansarde (1927) und Engel der Straße (1928) sentimentale Romanzen aus dem Ende der Stummfilmzeit waren, oder John M. Stahl, dessen Melodramen Back Street (1932), Imitation of Life (1934) und Magnificent Obsession (1935) bereits Tonfilme waren. John M. Stahl feierte weitere Erfolge mit When Tomorrow Comes (1939), der die Geschichte der Romanze einer Kellnerin mit einem verheirateten Pianisten erzählte, und Leave Her to Heaven (1945), dessen liebeskranke Protagonistin mit ihrer Eifersucht alle in ihrer Nachbarschaft zerstörte. Aber auch seine Filme Immortal Sergeant (1943), Schlüssel zum Himmelreich (1944) und Forever Amber (1947) enthalten melodramatische Elemente. Regisseur George Cukor besetzte in seiner melodramatischen Komödie Die Frauen (1939) nur Frauen, obwohl sich die Handlung hauptsächlich um Beziehungen zu Männern drehte. Die Filmemacherin Dorothy Arzner, die einzige Regisseurin im Hollywood der 1930er Jahre, arbeitete auch mit melodramatischen Geschichten in Merrily We Go to Hell (1932) und Christopher Strong (1933).

Einige Melodramen der 1930er Jahre profitierten von der Präsenz berühmter Schauspielerinnen in den Hauptrollen, und viele Schauspielerinnen wurden durch ihre Rollen in Melodramen zu Stars. Eine der größten war Barbara Stanwyck, die zunächst in Frank Capras Ladies of Leisure (1930) glänzte und dann die Hauptrollen in den Melodramen Sehnsucht ohne Ende (1932), The Bitter Tea of General Yen (1933), Baby Face (1933), Gambling Lady (1934) und King Vidors Stella Dallas (1937) übernahm. Nicht weniger berühmt war Joan Crawford, die wiederum die Hauptrolle in dem Drama Sadie McKee (1934) und dann in den Filmen Mannequin (1937), The Shining Hour (1938) und Strange Cargo (1940), alle unter der Regie von Frank Borzage, spielte. Bette Davis spielte die Hauptrolle in William Wylers Jezebel - Die boshafte Lady (1938), der mit zwei Oscars ausgezeichnet wurde, dann eine todkranke Rennfahrerin in Edmund Goulding Drama Opfer einer großen Liebe (1939), William Wyler besetzte sie anschließend in The Little Foxes (1941), der für neun Oscars nominiert wurde, und in Reise aus der Vergangenheit (1942) gab Irving Rapper ihr die Rolle einer Frau, die sich gegen ihre herrschsüchtige Mutter auflehnt.

Außerdem gelang der in Deutschland geborenen Schauspielerin Marlene Dietrich der Durchbruch in Hollywood, als sie in Josef von Sternbergs Der blaue Engel (1930) und Marokko (1930) eine Kabarettsängerin spielte. Derselbe Regisseur besetzte sie dann als Kurtisane in Shanghai Express (1932) und als Tänzerin in Der Teufel ist eine Frau (1935). Marlene machte auch als Juwelendiebin in Frank Borzages Desire (1936) und als schäkernde Ehefrau in Ernst Lubitschs Drama Engel (1937) Eindruck. Die schwedische Schauspielerin Greta Garbo, die bereits durch ihre Rollen in den Stummfilmen Es war (1926), Eine schamlose Frau (1928) und The Kiss (1929) bekannt geworden war, hatte einen ähnlichen Erfolg. Danach spielte sie eine Spionin in The Mysterious Lady (1928) und Mata Hari (1931), eine Opernsängerin in Romance (1930), eine ehemalige Prostituierte in Anna Christie (1930), eine untreue Ehefrau in Anna Karenina (1935) und eine Kurtisane in George Cukors Die Kameliendame (1936). Andere Schauspielerinnen, die regelmäßig in melodramatischen Filmen auftraten, waren Jean Harlow (Hold Your Man, 1933), Margaret Sullavan (Next Time We Love, 1936) und Janet Gaynor (das für sieben Oscars nominierte Studio-Melodram Ein Stern geht auf,1937).

 

Andere Dramen aus dem Goldenen Zeitalter Hollywoods in den 1930er Jahren

Der Zeitraum der 1930er und des größten Teils der 1940er Jahre wird oft als das Goldene Zeitalter Hollywoods bezeichnet, in dem eine neue Generation von Stars auf die Leinwand kam und neue populäre Genres wie Musicals und Gangsterfilme voll entwickelt wurden. Die Tonfilmproduktion war bereits in vollem Gange, und es gab erste Farbfilme - der erste Spielfilm, der in Farbe gedreht wurde, und zwar im Drei-Streifen-Technicolor-Verfahren, war das historische Drama Becky Sharp (1935). Dieser Ansatz wurde auch bei anderen Filmen angewandt, insbesondere bei den spektakulären Kostümspektakeln Der Zauberer von Oz (1939) und Vom Winde verweht (1939), der zum teuersten Film des Jahrzehnts und zum längsten Tonfilm seiner Zeit wurde, bei der Verleihung der Academy Awards in rekordverdächtigen acht Kategorien gewann und an den Kinokassen einen noch nie dagewesenen Erfolg erzielte. Andererseits gab es auch sehr billige Filme, die so genannten B-Filme (oder B-Movies), die als wirtschaftliche Folge der Großen Depression entstanden.

Auch andere Dramen schnitten in den 1930er Jahren bei den Oscars gut ab: John Fords Der Verräter (1935) erhielt vier Nominierungen, William Dieterles biografisches Drama Das Leben des Emile Zola (1937) verwandelte drei der zehn Nominierungen und Sidney Franklins The Good Earth (1937) und Norman Taurogs Teufelskerle (1938) zwei der fünf Nominierungen. Noch erfolgreicher als William Wylers Wir drei waren seine romantischen Dramen Dodsworth (1936) und Stürmische Höhen (1939), die beide jeweils einen Oscar erhielten. George Cukor drehte das dreifach oscarnominierte Drama David Copperfield (1935) und das für vier Oscars nominierte romantische Drama Romeo and Juliet (1936), während Regisseur Frank Capra mit seinen Filmen Mr. Deeds geht in die Stadt (1936) und Mr. Smith geht nach Washington (1939) versuchte, einen Oscar zu gewinnen. Die dramatischen Filme A Tale of Two Cities (1935), Stage Door (1937), The Citadel (1938), Of Mice and Men (1939) und Goodbye, Mr. Chips (1939) wurden ebenfalls für Oscars nominiert.

 

Kriegszeit, Nachkriegsdrama und das Ende von Hollywoods goldenem Zeitalter

Mit dem Ausbruch des Zweiten Weltkriegs waren in den USA die wirtschaftlichen Probleme des vorangegangenen Jahrzehnts überwunden, und der Film bot nicht nur Ablenkung in schwierigen Zeiten, sondern wurde auch zu einer Quelle der Information, der moralischen Ermutigung und - aus Sicht des Militärs - zu einem Propagandainstrument. Es entstanden zahlreiche Kriegsfilme, doch auch andere Genre florierten, und während die amerikanische Filmindustrie aufblühte, litt die europäische Produktion unter den Kämpfen. Das Kriegsgeschehen spiegelte sich auch in einer Reihe von Nicht-Kriegsfilmen wider - zum Beispiel in dem mit drei Oscars ausgezeichneten romantischen Drama Casablanca ( 1942), das unter der Regie von Michael Curtiz auf neutralem Boden in einem marokkanischen Nachtclub während des Krieges spielt, oder in dem patriotischen Drama Mrs. Miniver (1942), der sechs der zwölf Oscar-Nominierungen verwandeln konnte. Während des Krieges wurden keine amerikanischen Filme nach Europa exportiert, doch nach Kriegsende kehrte dieser Trend zurück. In der zweiten Hälfte der 1940er Jahre ließ der kreative Enthusiasmus infolge der inszenierten Kommunistenjagd in der Filmindustrie nach, und das Goldene Zeitalter Hollywoods fand 1948 sein endgültiges Ende, als der Oberste Gerichtshof der USA die monopolisierenden Vertriebspraktiken der Filmstudios für illegal erklärte, die den Betrieb der Kinoketten beaufsichtigten und Filme in Großpackungen an diese verkauften. Die Änderung der Vertriebspraktiken ermöglichte es schließlich kleineren Studios und unabhängigen Produzenten, in die Filmindustrie einzusteigen, und die Beschäftigten in der Branche konnten auch für mehrere Studios gleichzeitig arbeiten.

Citizen Kane (1941), ein Drama über einen fiktiven Millionär und Medienmogul von Regisseur Orson Welles, bereicherte das Kino mit einer Reihe fortschrittlicher Film- und Erzähltechniken. Obwohl er nur eine von neun Oscar-Nominierungen erhielt und zur Zeit seiner Entstehung vom Publikum nicht sehr geschätzt wurde, wurde er im Laufe der Zeit zu einer viel gepriesenen Legende, die häufig im Ranking der besten amerikanischen Filme aller Zeiten aufgeführt wird. Orson Welles führte anschließend bei dem für vier Oscars nominierten Drama Der Glanz des Hauses Ambersons (1942), das die Geschichte einer angesehenen Familie erzählt, die ihren gesamten Reichtum und sozialen Status verliert, und später bei der Shakespeare-Verfilmung Macbeth (1948) Regie. John Fords Früchte des Zorns (1940), in dem eine Farmerfamilie durch eine Naturkatastrophe gezwungen wird, ihr Glück im Westen zu suchen, wurde mit zwei Oscars ausgezeichnet, und auch Stolz und Vorurteil (1940), Jane Eyre (1943) und Kleine tapfere Jo (1949) trugen zu einer Reihe bemerkenswerter Verfilmungen von Romandramen bei. John Ford führte anschließend Regie bei Wie grün war mein Tal (1941), einer Familiensaga walisischer Bergarbeiter, die fünf Oscars gewann. Sieben Oscar-Nominierungen erhielt Mervyn LeRoys biografisches Drama Madame Curie (1943), in dem es um die Entdeckung des radioaktiven Elements Radium geht, und eine der sechs Oscar-Nominierungen ging an Michael Curtiz' Noir-Drama Solange ein Herz schlägt (1945), das die Geschichte einer emanzipierten Frau erzählt, die sich auf eigene Faust in die Wirtschaft begibt, um den amerikanischen Traum zu verwirklichen, und dann beschließt, sich für ihre Tochter zu opfern.

Frank Capras Ist das Leben nicht schön? (1946) über einen Mann in einer Depression, aus der er von einem Engel gerettet wird, wurde für fünf Oscars nominiert, und derselbe Regisseur drehte später Der beste Mann (1948), ein Drama über Beziehungsprobleme hinter den Kulissen einer Präsidentschaftskampagne. Sieben Oscars gingen an William Wylers Nachkriegsfilm Die besten Jahre unseres Lebens (1946), der die Bemühungen dreier Männer schildert, sich nach ihrer Rückkehr aus der Armee wieder in die Gesellschaft einzugliedern, und vier Oscars gingen an das romantische Drama Die Erbin (1949) desselben Regisseurs. Vier der zwölf Oscar-Nominierungen gewann Henry Kings Das Lied von Bernadette (1943), ein Drama über eine französische Bäuerin, die eine Marienerscheinung erlebt. Das Drama Schweigende Lippen (1948), das die Geschichte eines vergewaltigten tauben Mädchens behandelt, verwandelte eine der zwölf Nominierungen, während die Hauptfigur von Die Schlangengrube (1948), die in einer psychiatrischen Klinik untersucht wird, mit Gedächtnisverlust zu kämpfen hatte. Der Film Pinky (1949) beispielsweise beschäftigte sich mit dem Thema Rassenvorurteile und zeigte eine schwarze Frau mit ungewöhnlich heller Haut, während Billy Wilders mit vier Oscars ausgezeichnetes Drama Das verlorene Wochenende (1945) den Alkoholismus zum Thema hatte.

Drei Oscars gingen an Tabu der Gerechten (1947), ein Drama, das im Umfeld des investigativen Journalismus über den Antisemitismus in der amerikanischen Gesellschaft angesiedelt ist, und die gleiche Anzahl an Auszeichnungen erhielt Der Mann, der herrschen wollte (1949), ein Drama über einen Politiker, dessen neu erlangte Macht ihn von einem ehrlichen Idealisten zu einem amoralischen Demagogen werden lässt. In der Komödie Ein Brief an drei Frauen (1949) geht es um drei Frauen auf Reisen, die durch eine anonyme Nachricht gezwungen werden, über den Zustand ihrer Ehe nachzudenken. Das mit drei Oscars ausgezeichnete Familiendrama Das Wunder von Manhattan (1947), in dem es um einen Prozess gegen den Weihnachtsmann ging, bot den Zuschauern einen weniger schweren Stoff. Darüber hinaus gab es weitere Familiendramen wie Heimweh (1943) und Die Glocken von St. Marien (1945) sowie Sportdramen wie Der Große Wurf (1942), Kleines Mädchen, großes Herz (1944) und Zwischen Frauen und Seilen (1949).

 

Britische und andere europäische Dramen aus den 1930er und 1940er Jahren

Die europäische Filmproduktion vor und während des Zweiten Weltkriegs war überwiegend propagandistisch geprägt, aber es gab auch viele Ausnahmen und große Filmemacher. Der wichtigste französische Regisseur dieser Zeit war Jean Renoir, der nach seinen Dramen Die Hündin (1931), Madame Bovary (1933), Toni (1935) und Nachtasyl (1936), mit seinem Antikriegsfilm Die Große Illusion (1937), in dem er zwei Jahre vor Kriegsbeginn die Angst Europas vor einem möglichen Konflikt reflektierte, große Bekanntheit erlangte. Der spanische Regisseur Luis Buñuel begann seine Karriere mit den Experimentalfilmen Der andalusische Hund (1929) und Age of Gold (1930). Der deutsche Regisseur Fritz Lang drehte das Drama M - Eine Stadt sucht einen Mörder (1931) über einen Serienmörder und nutzte dann die Gelegenheit, in den USA Karriere zu machen. In der Sowjetunion etablierte sich allmählich eine Bewegung, die sich sozialer Realismus nannte und an die sich Regisseure und andere Künstler anpassen mussten. So entstanden Dramen wie Erde (1930), The Deserteur (1933), Vorstadt (1933), By the Bluest of Seas (1936) und die biografische Trilogie Gorkis Kindheit (1938), Gorky 2: My Apprenticeship (1939) und Gorki 3: My Universities (1940). Erwähnenswert sind jedoch unter anderem die deutschen dramatischen Filme Kameradschaft (1931), Mädchen in Uniform (1931), Liebelei (1933) oder Barcarole (1935), der portugiesische Streifen Marie do Mar (1930), der tschechoslowakische Film Symphonie der Liebe (1932), der schwedische Streifen Walburgisnacht (1935) oder der britische Film A Yank at Oxford (1938).

Nach Kriegsende gehörten die Dickens-Verfilmungen Great Expectations (1946) und Oliver Twist (1948) zu den Höhepunkten des britischen Filmschaffens. Regie führte David Lean, der zuvor auch das romantische Drama Begegnung (1945) über die unerfüllte Liebe eines Arztes und einer verheirateten Frau gedreht hatte, die sich regelmäßig auf Zugreisen treffen. Weitere Höhepunkte waren Carol Reeds The Fallen Idol (1948), Julien Duviviers Anna Karenina (1948), Laurence Oliviers Hamlet (1948) und der anti-melodramatische Streifen Die roten Schuhe des Kreativduos Michael Powell und Emeric Pressburger, das unter anderem für die Romanze Ich weiß wohin ich gehe (1945), hinter dem psychologischen Drama Die schwarze Narzisse (1947) oder dem Kriegsdrama mit Fantasyelementen Irrtum im Jenseits (1946), der Schwarz-Weiß-Film mit in Farbe gedrehten Traumsequenzen kombiniert, steht. Unter den französischen Filmen ragen Robert Bressons Drama Das Hohelied der Liebe (1943), Marcel Carnés Kinder des Olymp (1945) sowie Jean Renoirs The Southerner (1945) und The Diary of a Chambermaid (1946) heraus. Bemerkenswert sind aber auch die romantischen Dramen Der ewige Bann (1943) und Die Kartause von Parma ( 1948) sowie Monsieur Vincent (1947), die das Leben eines Priesters schildern, der während einer Pestepidemie versucht, die Solidarität unter der Bevölkerung zu wecken.

Das italienische Kino wurde stark vom aufkommenden Neorealismus beeinflusst, der die soziale Realität Nachkriegsitaliens widerspiegelte und sich auf authentische Schauplätze und Geschichten aus dem Leben der Armen und der Arbeiterklasse konzentrierte. Diese Tendenz zeigte sich zuerst in Luchino Viscontis Ossessione - Besessenheit (1943) und dann in Vittorio De Sicas Drama The Children Are Watching Us (1944). Nach Kriegsende fand der italienische Neorealismus Eingang in das Werk von Roberto Rossellini, vor allem in sein Drama Rom, offene Stadt (1945) über das Schicksal der einfachen Leute im deutsch besetzten Rom, und später in seine Filme Deutschland im Jahre Null (1948) und Stromboli (1950). Vittorio De Sica drehte anschließend Schuhputzer (1946) und wurde mit seinen Dramen Fahrraddiebe (1948), der Geschichte eines Vater-Sohn-Gespanns auf der Suche nach einem gestohlenen Fahrrad, und Umberto D. (1952) bekannt, der vom harten Leben eines alternden Beamten im Ruhestand handelt. Luchino Viscontis Die Erde bebt (1948) schildert die Lebensbedingungen armer, ausgebeuteter Fischer. Weitere bemerkenswerte europäische Dramen der 1940er Jahre sind der dänische Film Day o Wrath (1943), der deutsche Streifen Die Mörder sind unter uns (1946), der ungarische Film Somewhere in Europe (1948), der polnische Film The Last Stop (1947), die tschechoslowakischen Psychodramen Happy Journey (1943), Distant Journey (1948) und Conscience (1948) sowie der sowjetische Zweiteiler Iwan der Schreckliche (1945). In Schweden begann Ingmar Bergman seine Filmkarriere mit den Dramen Krise (1946), Es regnet auf unsere Liebe (1946), Hafenstadt (1948), Gefängnis (1949) und Thirst (1949), nachdem er bereits mit Die Hörige (1944) sein Debüt als Drehbuchautor gegeben hatte.

 

Epische Monumentalfilme und andere Formen des amerikanischen Dramas in den 1950er Jahren

In den frühen 1950er Jahren war der Kampf gegen den Kommunismus in den USA auf dem Höhepunkt, als eine Reihe von Führungskräften der Unterhaltungsindustrie aufgrund des von dem gefürchteten Senator Joseph McCarthy geführten Vorgehens gegen Filmemacher auf die schwarze Liste gesetzt wurde. Das Fernsehen wurde zu einer großen Konkurrenz für die Filmstudios, dessen Anteil in den amerikanischen Haushalten rapide anstieg, was zu einem Rückgang der Kinobesucher führte. Was die Produzenten vom Fernsehen hielten, zeigte sich zum Beispiel in dem satirischen Drama Ein Gesicht in der Menge (1957), das die Tendenz des Fernsehens zur Manipulation der Menschen kritisierte. Der Wunsch, das Publikum in den Sälen zu halten, zwang die Filmemacher zu einer Reihe von Innovationen, von denen sich die meisten als kurzlebige Attraktionen erwiesen, wie z. B. interaktive Horrorfilme, stereoskopische Filme, die mit Polaroid-3D-Brillen angesehen werden mussten, oder Panoramafilme mit Cinerama-Technologie auf einer breiten, gebogenen Leinwand, die das periphere Sehen des Publikums nutzte. Der Autocine-Boom war ein großes Ereignis, ebenso wie die Geburt des CinemaScope-Systems, mit dem Filme im Breitbildformat gedreht wurden, doch beides blieb nur bis in die 1960er Jahre populär. Die nachhaltigste Strategie, um das Publikum ins Kino zu locken, bestand also darin, das Farbbild und den Ton des Films weiter zu verbessern, mit kontroversen und gewagten Themen zu arbeiten, die im Fernsehen nicht vorkamen, und die Jugendlichen sowohl thematisch als auch durch neue Stars anzusprechen.

Ein weiterer Teil der Strategie bestand darin, epische und teure Big-Budget-Filme mit epischen Themen zu drehen. Einer der ersten war der Zirkusfilm Die größte Schau der Welt (1952) unter der Regie von Cecil B. DeMille, der danach das für sieben Oscars nominierte Bibeldrama Die zehn Gebote (1958), ein Remake seines eigenen Films von 1923, drehte. Es folgten weitere biblische oder abenteuerliche historische Epen wie Das Gewand von Henry Koster (1953), der mit elf Oscars ausgezeichnete Rekordfilm Ben Hur von William Wyler (1959) oder der mit vier Oscars ausgezeichnete Spartacus von Stanley Kubrick (1960). Weitere große monumentale Filme waren die historischen Dramen Quo Vadis von Mervyn LeRoy (1951), Julius Cäsar (1953) von Joseph L. Mankiewicz, Sinuhe, der Ägyptervon Michael Curtiz (1954), Land der Pharaonen von Howard Hawks (1955) und Krieg und Frieden von King Vidor (1956). Die jüngere Geschichte wurde beispielsweise in George Stevens' spektakulärer, für zehn Oscars nominierter Familiensaga Giant (1956) oder David Leans mit sieben Oscars ausgezeichnetem Kriegsdrama Die Brücke am Kwai (1957) aufgegriffen.

Zu den größten Erfolgen von Elia Kazan gehörten das psychologische Drama Endstation Sehnsucht (1951), das bei zwölf Nominierungen vier Oscars gewann, und dann der oscarprämiert Streifen Jenseits von Eden (1955), in dessen Mittelpunkt ein unsicherer junger Mann und sein Kampf um die Gunst seines strengen Vaters und seines ihm vorgezogenen Bruders stehen. Nicholas Rays Drama ... denn sie wissen nicht, was sie tun (1955) konzentrierte sich ebenfalls auf die Welt der zerrissenen Jugendlichen, während Der Wilde (1953) einen jugendlichen Motorradbandenführer zeigt, der sich in die Tochter eines verfeindeten Polizisten verliebt, und Die Saat der Gewalt (1955) den Kampf zwischen Lehrern und straffälligen Schülern thematisiert. Joseph L. Mankiewicz' mit sechs Oscars ausgezeichnetes Drama Alles über Eva (1950) spielt in einer Theaterkulisse, während Robert Aldrichs Hollywood-Story (1955) einen erschütternden Blick hinter die Kulissen des Filmemachens wirft.

Billy Wilders berühmtes Drama Sunset Boulevard - Boulevard der Dämmerung (1950) war ein satirisches Porträt Hollywoods, der Oberflächlichkeit des Ruhms und verblichener Filmstars, das drei von elf Oscar-Nominierungen erhielt. Derselbe Regisseur drehte dann das Drama Reporter des Satans (1951), in dem sich die Geschichte um einen pragmatischen Journalisten dreht, der auf der Suche nach einer Sensation vor nichts zurückschreckt. Richard Brooks' Die Katze auf dem heißen Blechdach (1958), ein Drama über die komplizierten Beziehungen einer Familie von Südstaaten-Baumwollplantagenbesitzern, erhielt sechs Oscar-Nominierungen, während Fred Zinnemanns Geschichte einer Nonne (1959), inspiriert von der wahren Geschichte einer belgischen Ordensschwester, achtmal nominiert wurde. Die zwölf Geschworenen von Sidney Lumet (1957) schildert die dramatischen Beratungen eines Geschworenengerichts über einen scheinbar einfachen Mordfall, während der Protagonist von Eva mit den drei Gesichtern (1957) an einer seltenen Persönlichkeitsstörung leidet. Die Filme Der Hass ist blind (1950), Sayonara (1957) und Flucht in Ketten (1958) behandelten das Thema Rassenvorurteile, und die Dramen Der Mann mit dem goldenen Arm (1955) und Bigger Than Life (1956) wiederum thematisierten Drogensucht.

Zu den Höhepunkten des Melodrams in den 1950er Jahren gehörten die Filme des Regisseurs Douglas Sirk, dessen Magnificent Obsession (1954), Interlude (1957) und Solange es Menschen gibt (1959) Remakes früherer Melodramen unter der Regie von John M. Stahl waren. Zu seinen bekanntesten Werken gehören All I Desire (1953), in dem die Protagonistin zu ihrem Mann und ihren drei Kindern zurückkehrt, von denen sie Jahre zuvor weggelaufen war, und Was der Himmel erlaubt (1955), dessen verwitwete Heldin von ihren Kindern und Freunden dafür kritisiert wurde, dass sie einen viel jüngeren Mann aus einer niedrigeren Gesellschaftsschicht heiraten wollte, und In den Wind geschrieben (1956), die Geschichte zweier Männer und ihrer problematischen Beziehungen zu einer Frau, in der Eifersucht, Impotenz und Alkoholismus eine Rolle spielen. Weitere bemerkenswerte romantische Dramen sind George Stevens' mit sechs Oscars ausgezeichneter Streifen Ein Platz an der Sonne (1951) und Vincent Minnellis mit fünf Oscars prämierter Stadt der Illusionen (1952), John Fords mit zwei Oscars ausgezeichneter Der Sieger (1952), George Cukors für sechs Oscars nominiertes Musical-Drama Ein neuer Stern am Himmel (1954), Delbert Manns viermal ausgezeichneter Film Marty (1955) und Leo McCareys viermal nominierter Streifen Die Große Liebe meines Lebens (1957). Später jedoch wurde das produktive Genre des Melodrams durch realistischere Dramen anderer Art ersetzt.

 

Das Drama der 1960er Jahre und das Ende des klassischen Hollywood

In Amerika waren die 1960er Jahre eine Zeit der Proteste für die Menschenrechte und gegen den Vietnamkrieg, der Ermordung von Präsident Kennedy und Martin Luther King, des Weltraumrennens, der Rockmusik, der Hippiebewegung und der sexuellen Revolution. Im Bereich des Kinos kam es zur Verbreitung des Farbfernsehens, die ersten Multiplex-Kinos mit mehreren Leinwänden wurden zusätzlich zu den regulären Kinos eingerichtet, und vor allem gingen die Filmstudios schrittweise aufgrund finanzieller Probleme, die u. a. auf den kontinuierlichen Rückgang der Zuschauerzahlen zurückzuführen waren, in den Besitz multinationaler Unternehmen über. Dies führte in der zweiten Hälfte des Jahrzehnts zum Zusammenbruch des Studiosystems und öffnete die Tür zur Ära des New Hollywood, die durch das Auftauchen einer neuen Generation von Filmemachern geprägt war, die das Kino mit einer Welle kreativer Energie und einer Leidenschaft für die künstlerischen Werte des Films neu belebten. Auch unabhängigen Regisseuren und Produzenten wurde mehr Raum gegeben, ebenso wie ausländischen Filmen, die einen erheblichen Einfluss auf die Gestaltung des amerikanischen Kinos in jener Zeit hatten. Die Filmemacher erforschten neue Genres und stilistische Ansätze, und die Abschaffung des Production Code ermöglichte es ihnen, einen höheren Grad an Realismus zu erreichen, indem sie Gewalt und Sexualität offener darstellten. Darüber hinaus erweiterte sich das Spektrum der Filmthemen deutlich. Viele der in der zweiten Hälfte der 1960er Jahre gedrehten Filme vermittelten einen Vorgeschmack auf die Entwicklung des amerikanischen Kinos in den kommenden Jahrzehnten.

Dem Trend zu Hollywood-Epen folgend ging es weiter mit Filmen wie König der Könige (1961) von Nicholas Ray, Lawrence von Arabien (1962) von David Lean, der mit sieben Oscars ausgezeichnet wurde, und Doktor Schiwago (1965), der mit fünf Oscars ausgezeichnet wurde, sowie Joseph L. Mankiewicz' Cleopatra (1963), der seinerzeit der teuerste Kinofilm aller Zeiten war - doch enorme Probleme bei der Produktion und Verfilmung verhinderten für viele Jahre die Verwirklichung ähnlich größenwahnsinniger Projekte. Nach dem großen finanziellen Misserfolg des Historiendramas Der Untergang des Römischen Reiches (1964) war das letzte dieser Reihe teurer Epen das Bibeldrama über das Leben Jesu Christi, Die größte Geschichte aller Zeiten (1965). Zu den weiteren bahnbrechenden Dramen der 1960er Jahre gehörten Filme wie Robert Mulligans mit drei Oscars ausgezeichnetes Gerichtsdrama Wer die Nachtigall stört (1962), das aus der Perspektive eines Kindes erzählt wird und Themen wie Vergewaltigung und Rassenintoleranz behandelt, Stanley Kubricks romantischer Film Lolita (1962), der sich mit dem Thema Pädophilie auseinandersetzt, und Mike Nichols' mit fünf Oscars ausgezeichnetes psychologisches Drama Wer hat Angst vor Virginia Woolf? (1966), der auf den erbitterten Streitigkeiten eines Ehepaars basiert. Nicht zu vergessen sind Robert Rossens mit neun Oscars nominiertes Billard-Drama Haie der Großstadt (1961), William Wylers mit fünf Oscars nominierter Infam (1961), Otto Premingers Sturm über Washington (1962) und Der Kardinal (1963), Martin Ritts mit drei Oscars nominiertes Drei-Generationen-Drama Der Wildeste unter Tausend (1963) und Stuart Rosenbergs Gefängnisdrama Der Unbeugsame (1967).

Eine bedeutender Regisseur der 1960er Jahre war auch Sidney Lumet: Sein romantisches Drama Der Mann in der Schlangenhaut (1960) handelt von den Liebesbeziehungen eines charismatischen Landstreichers im amerikanischen Süden, während sein psychologisches Drama Long Day's Journey into Night (1962) einen Tag im Leben einer Familie schildert, die in Schwierigkeiten steckt, Der Pfandleiher (1964) erzählte die Geschichte eines traumatisierten Ladenbesitzers, der den Holocaust überlebte; Angriffsziel Moskau (1964) warnte vor der Gefahr eines nuklearen Konflikts; und Ein Haufen toller Hunde (1965), ein britischer Antikriegsfilm, kritisierte die skrupellosen Methoden von Militärkommandanten, die ihre Position missbrauchten. Ähnlich einflussreich war Regisseur Stanley Kramer, dessen zwei Gerichtsdramen, der mit vier Oscars nominierte Wer den Wind sät (1960) und der mit elf Oscars nominierte Streifen Urteil von Nürnberg (1961), sich im ersten Fall mit den Ursprüngen der menschlichen Existenz und im zweiten mit den Kriegsverbrechen der Nazis befassten, während sein zehnmal nominierter Film Rate mal, wer zum Essen kommt (1967) wiederum ein komödiantisches Konversationsdrama war, in dem ein weißes Ehepaar mit dem schwarzen Freund seiner Tochter zurechtkommen musste. Regisseur Elia Kazan setzte seine dramatische Arbeit fort und fügte seiner Filmografie Wilder Strom (1960), Fieber im Blut (1961), Die Unbezwingbaren (1963) und Das Arrangement (1969) hinzu.

Einer der wichtigsten Filme aus den Anfängen von New Hollywood war Dennis Hoppers zweimal für einen Oscar nominierter Film Easy Rider (1969), der mit seiner Geschichte über die freilaufende, drogengetränkte und von Rocksongs getragene Reise eines rebellischen Biker-Paares auch als Eckpfeiler des Roadmovie-Genres in die Geschichte einging. John Schlesingers mit drei Oscars ausgezeichneter Film Asphalt-Cowboy (1969) über zwei Männer, die am Rande der Gesellschaft leben, fängt die Atmosphäre der damaligen Zeit mit ähnlicher Eloquenz ein. Ebenfalls bahnbrechend war Mike Nichols' Komödiendrama Die Reifeprüfung von 1967, das für sieben Oscars nominiert wurde und die Geschichte eines College-Studenten erzählt, der eine heimliche Liebesbeziehung mit einer älteren, verheirateten Frau beginnt und sich dann in deren Tochter verliebt. Darüber hinaus traten andere wichtige neue Regisseure in den Vordergrund, darunter Robert Altman (Ein kalter Tag im Park, 1969), William Friedkin (Die Harten und die Zarten, 1970), Arthur Penn (der mit zwei Oscars ausgezeichnete Licht im Dunkel, 1962), John Cassavetes (Gesichter von 1968, Ehemänner von 1970), John Frankenheimer (der mit drei Oscars ausgezeichnete Film Grand Prix, 1966) und Sydney Pollack (das für neun Oscars nominierte Drama Nur Pferden gibt man den Gnadenschuss, 1969).

 

Das britische Sozialdrama und die französische Neue Welle

Im Vereinigten Königreich wurde die linke literarische Bewegung der "jungen wütenden Männer" in den späten 1950er und frühen 1960er Jahren auf das Kino übertragen, und es entstanden sozialrealistische Filme über das Leben von Menschen aus der Arbeiterklasse. Führende Vertreter dieser Bewegung waren z. B. die Filmemacher Tony Richardson und Lindsay Anderson. In dem Drama Look Back in Anger (1958) war der Protagonist ein ständig unzufriedener Straßenverkäufer von einem Süßwarenstand, in Samstagnacht bis Sonntagmorgen (1960) und The Angry Silence (1960) waren die Protagonisten Fabrikarbeiter, und in Der Komödiant (1960) war der Protagonist ein eitler, bankrotter Theaterunternehmer. Die Protagonisten von A Taste of Honey (1961), Die Einsamkeit des Langstreckenläufers (1962) und If... (1968) waren Teenager. Zu den bemerkenswerten Dramen von Regisseur John Schlesinger gehören A Kind of Loving (1962), Darling (1965) und Die Herrin von Thornhill (1967). Ken Loach gab sein Regiedebüt mit dem Sozialdrama Kes (1969). Auch viele historische Dramen über europäische Monarchen waren beliebt und wurden geschätzt - so erhielt Becket (1964) zwölf Oscar-Nominierungen, Der Löwe im Winter (1968) wurde mit drei Oscars ausgezeichnet und Ein Mann zu jeder Jahreszeit (1966) gewann sechs Oscars. Weitere erwähnenswerte britische Spielfilme sind Der Weg nach oben (1959), This Sporting Life (1963), Der Diener (1963), Othello (1965), Accident - Zwischenfall in Oxford (1967), Herausgefordert (1967) und Die besten Jahre der Miss Jean Brodie (1969).

In Frankreich rebellierten mehrere Filmemacher gegen das damals etablierte einheimische Kino und die konventionellen Filmmethoden. Sie wendeten sich allmählich an ein junges, intellektuelles Publikum, griffen auf die Atmosphäre der späten 1950er und frühen 1960er Jahre sowie auf ausländische Filmtrends zurück, entdeckten neue Ansätze des Filmemachens und experimentierten mit Form und Stil des Erzählens. Als allererster Film der französischen Neuen Welle wird oft das Drama Le Beau Serge von Regisseur Claude Chabrol (1958) bezeichnet, der in der Folge Filme wie Schrei, wenn du kannst (1959), Der Frauenmörder von Paris (1963) und Champagner Mörder (1967) drehte. Die prominentesten Vertreter dieser Bewegung waren jedoch die Regisseure François Truffaut, der mit Sie küßten und sie schlugen ihn (1959) debütierte und sich anschließend mit Jules und Jim (1962), Die süße Haut (1964) und Geraubte Küsse (1968) einen Namen machte, und Jean-Luc Godard, der mit dem Kriminaldrama Außer Atem (1960) Erfolg hatte und sich danach unter anderem mit Die Geschichte der Nana S. (1962), Die Verachtung (1963), The Married Woman (1964) und Elf Uhr nachts (1965) einen Namen machte. Andere waren Alain Resnais (Hiroshima mon amour, 1959, Letztes Jahr in Marienbad, 1961), Jacques Rivette (Die Nonne, 1966, Mad Love, 1969), Eric Rohmer (Sign of the Lion, 1962) und Louis Malle (Das Irrlicht, 1963). Außerdem drehten Regisseure wie Jacques Demy (Die blonde Sünderin, 1963) und Agnès Varda (Cléo - Mittwoch zwischen 5 und 7, 1962, und Happiness, 1965) zur gleichen Zeit Filme in Frankreich.

 

Andere europäische und außereuropäische Dramen aus den 1950er und 1960er Jahren

Das polnische Kino erholte sich von den Schrecken des Krieges erst in den späten 1950er Jahren, einer seiner prominentesten Vertreter war der Regisseur Andrzej Wajda, der mit der Kriegstrilogie Eine Generation (1954), Der Kanal (1956) und Asche und Diamant (1958) auf den Plan trat. Später drehte er unter anderem das historische Epos The Ashes (1965) und das Drama Everything for Sale (1969). Weitere Vertreter des polnischen Films waren Jerzy Kawalerowicz (Mother Joan of the Angels, 1961) und Roman Polanski (Das Messer im Wasser, 1961). In Ungarn machte eine andere Gruppe von Filmemachern auf sich aufmerksam, darunter Miklós Jancsó (Die Hoffnungslosen, 1966), István Szabó (Father, 1966) und István Gaál (The Falcons, 1970).

In der Sowjetunion vollzog sich nach dem Tod Stalins 1953 ein grundlegender Wandel in der Filmindustrie, als sich das Filmschaffen endlich von dem einengenden volkstümlichen und patriotischen sozialistischen Realismus lösen konnte. Ab der zweiten Hälfte der 1950er Jahre konnten Werke entstehen, die den Krieg kritisierten und seine negativen Auswirkungen auf die Landschaft, die Gesellschaft und das individuelle Schicksal der Menschen reflektierten. In diesem Zusammenhang sind die dramatischen Filme Die Kraniche ziehen (1957) von Michail Kalatosow, Ein Menschenschicksal von Sergej Bondartschuk (1959), Ballade vom Soldaten von Grigori Chukhray (1959) oder Iwans Kindheit (1962), das Regiedebüt von Andrei Tarkowski, der später durch sein historisches Drama Andrej Rubljow (1966) berühmt wurde, zu nennen. Bemerkenswert sind jedoch auch The Lady with the Dog (1960), Hamlet (1964) und Shadows of Forgotten Ancestros (1964) sowie das mehr als siebenstündige Epos Krieg und Frieden (1966).

In Schweden verteidigte Regisseur Ingmar Bergman, der nach seinen romantischen Dramen An die Freude (1950), Einen Sommer lang (1951) und Die Zeit mit Monika (1953) seine bekanntesten Werke Wilde Erdbeeren (1957) und Das siebente Siegel (1957) drehte, seine Stellung als international anerkannter Filmemacher. Es folgten u.a. die Dramen Nahe dem Leben (1958) und Die Jungfrauenquelle (1960) sowie eine intime Trilogie über Ängste und Gespräche mit Gott, bestehend aus Wie in einem Spiegel (1961), Licht im Winter (1963) und Das Schweigen (1963), in denen er sich vor allem mit der menschlichen Existenz und der Psyche auseinandersetzt. Auch in dem Drama Persona (1966) beschäftigte er sich speziell mit der Psychologie der Frau. Seine nächsten drei Filme, die so genannte Inseltrilogie, waren die Dramen Die Stunde des Wolfs (1968), Schande (1968) und Passion (1969), in denen es um Partnerbeziehungen ging.

Der spanische Regisseur Luis Buñuel drehte in Mexiko eine Reihe von Dramen, darunter The Young and the Damned (1950), Er (1953), Der Fluß und der Tod (1955), Nazarin (1959) und Das junge Mädchen (1960). Sein wichtigstes Werk war jedoch Viridiana (1961), das die Mentalität und Heuchelei der Kirche anhand der Geschichte einer Novizin, die ihren Onkel besucht, persifliert. Buñuel drehte mehrere Filme in französisch-italienischer Koproduktion (Tagebuch einer Kammerzofe, 1964, Belle de jour - Schöne des Tages, 1967) und kehrte erst mit dem Drama Tristana (1970) in seine spanische Heimat zurück. Unter den anderen europäischen dramatischen Werken sind die französischen romantischen Dramen Madame de... (1953) und Gefährliche Liebschaften (1959), der dänische Film The Word (1955) von Carl Theodor Dreyer, der spanisch-italienische Streifen Death of a Cyclist (1955), Alexis Sorbas (1964) und Franco Zeffirellis Romeo und Julia (1968), eine britisch-italienische Koproduktion, besonders hervorzuheben.

In der Zeit der amerikanischen Besatzung etablierten sich in Japan mehrere vom amerikanischen Kino beeinflusste Regisseure, allen voran Akira Kurosawa, der bereits in den 1940er Jahren mehrere Dramen gedreht hatte und dessen Filme dem japanischen Kino den Weg in den Westen ebneten. Obwohl er vor allem für seine Samurai-Filme bekannt ist, verdienen auch seine zahlreichen Dramen Beachtung, insbesondere Scandal (1950), Der Idiot (1951), Ikiru - Einmal wirklich leben (1952), Bilanz eines Lebens (1955), Nachtasyl (1957) und der spätere Film Akahige (1965). Zu Yasujirô Ozus Werk gehören Dramen wie Weizenherbst (1951) und Early Spring (1956), doch sein bekanntestes Werk ist Die Reise nach Tokio (1953), in dem die Probleme der damaligen Zeit durch eine Geschichte über den Zusammenprall mehrerer Generationen eingefangen werden. Erwähnenswert sind beispielsweise Kaneto Shindōs Die nackte Insel (1960), der das zyklische Leben einer Familie auf einer kleinen Insel beschreibt, oder die melodramatischen Filme von Regisseur Kenji Mizoguchi Saikaku: Life of a Woman (1952) oder Sansho Dayu - Ein Leben ohne Freiheit (1954).

 

Das italienische Schaffen in den 1960er Jahren und die Tschechoslowakische Neue Welle

1960 war ein außergewöhnliches Jahr für das italienische Filmschaffen, in dem Federico Fellinis Das süße Leben, Michelangelo Antonionis Die mit der Liebe spielen und Luchino Viscontis Rocco und seine Brüder in die Kinos kamen. Fellini, der bereits in den 1950er Jahren mit Die Müßiggänger (1953), La Strada: Das Lied der Straße (1954) und Die Nächte der Cabiria (1957) berühmt geworden war, schilderte in Das süße Leben den moralischen Verfall der italienischen Oberschicht und legte damit den Grundstein für das moderne italienische Kino. Danach war er auch mit seinem Drama Achteinhalb (1963) sehr erfolgreich, in dem er anhand der Geschichte eines ausgebrannten Filmemachers eine Schaffenskrise thematisierte. Antonionis formal bemerkenswerter und bewusst irreführender Die mit der Liebe spielen war auch eine Kritik an der gesellschaftlichen Elite, und sein Film wurde der erste einer thematischen Tetralogie, die auch Die Nacht (1961), Liebe (1962) und Die rote Wüste (1964) umfasste. Der internationale Durchbruch gelang Antonioni mit Blow-Up (1966), in dem er die Atmosphäre der 1960er Jahre vor dem Hintergrund einer Geschichte über einen Vergnügungsfotografen einfing, der möglicherweise versehentlich einen Mordversuch fotografierte. Ebenfalls bemerkenswert sind die Dramen von Pier Paolo Pasolini (Das Evangelium nach Matthäus, 1964), Bernardo Bertolucci (Before the Revolution, 1964, Der große Irrtum, 1970), Marco Bellocchio (Mit der Faust in der Tasche, 1965) und Ermanno Olmi (Der Job, 1961, The Fiances, 1963).

In den 1960er Jahren begann in der Tschechoslowakei eine Generation von Filmemachern, die als Tschechoslowakische Neue Welle bekannt wurde, mit der Produktion von Filmen mit internationalem Format, deren Schaffen durch den Einmarsch der sowjetischen Truppen 1968 vorzeitig beendet wurde. Diese Filmemacher nahmen die modernen Tendenzen des europäischen Kinos auf und trugen dann selbst dazu bei, sie als unverwechselbare Autorenpersönlichkeiten zu formen, indem sie sich oft mit der Moral in der Gesellschaft auseinandersetzten, auf verschiedene Experimente zurückgriffen, oft Nicht-Schauspieler besetzten und einen spezifischen Stil von Humor entwickelten. Beim Drama waren die führenden Vertreter dieser Bewegung zum Beispiel Štefan Uher (Sonne im Netz, 1962), Ján Kadár und Elmar Klos (Das Geschäft in der Hauptstraße, 1965), Jiří Menzel (Liebe Nach Fahrplan, 1966), Věra Chytilová (Tausendschönchen, 1966), Jan Němec (Vom Fest und den Gästen, 1966), Juraj Herz (Der Leichenverbrenner, 1968) oder Pavel Juráček (Ein Fall für einen Henkerslehrling, 1969). Darüber hinaus drehten Regisseure wie Jiří Krejčík (Das höhere Prinzip, 1960), Karel Kachyňa (Wagen nach Wien, 1966), František Vláčil (Marketa Lazarová and Das Tal der Bienen, 1967), Vojtěch Jasný (Alle guten Landsleute, 1968), Otakar Vávra (Die Hexenjagd, 1969) und Zdenek Sirový (Wut und Trauer, 1969) in dieser Zeit ebenfalls bedeutende dramatische Filme.

 

Die Dramen von New Hollywood in den 1970er Jahren

Die Paranoia des Kalten Krieges und die Watergate-Affäre kulminierten im Hollywood-Kino in einer Reihe von Verschwörungsthrillern, Kassenschlagern in Form von Genre-Hits und Sommer-Blockbustern, und zum ersten Mal wurde der Vietnamkrieg in amerikanischen Filmen berücksichtigt. Im selben Jahr gewann Michael Ciminos psychologisches Kriegsdrama The Deer Hunter - Die durch die Hölle gehen (1978), das die Geschichte mehrerer durch die Schrecken des Krieges traumatisierter Männer erzählt, fünf Oscars, und Hal Ashbys romantisches Antikriegsdrama Coming Home - Sie kehren heim (1978), in dem sich eine Heldin in einen behinderten Kriegsveteranen verliebt, nachdem ihr Mann in den Vietnamkrieg zieht, wurde für acht Oscars nominiert. Die junge Generation der New-Hollywood-Filmemacher, zu der unter anderem Bob Rafelson (Ein Mann sucht sich selbst, 1970), Mike Nichols (Die Kunst zu lieben, 1971), Peter Bogdanovich (der für acht Oscars nominierte Streifen Die letzte Vorstellung, 1971), Jerry Schatzberg (Panik im Needle Park, 1971) und George Lucas (American Graffiti), Sydney Pollack (das für sechs Oscars nominierte romantische Drama So wie wir waren, 1973), John Cassavetes (Eine Frau unter Einfluß, 1974), John Schlesinger (Der Tag der Heuschrecke, 1975), Sidney Lumet (das für vier Oscars nominierte Werk Network, 1976), Terrence Malick (In der Glut des Südens, 1978), Woody Allen (Innenleben, 1978) und Paul Schrader (Hardcore, 1979) gehörten, hatte die Richtung des Kinos bereits vollständig vorgegeben.

Das Mafia-Drama-Epos Der Pate (1972) unter der Regie von Francis Ford Coppola war ein großer Publikums- und Kritikererfolg. Es erzählt die Geschichte der Praktiken eines mächtigen Verbrecherclans, schildert das komplexe Geflecht von Beziehungen und internen Ritualen zwischen den Mitgliedern dieser geschlossenen Gangster-"Familie" und verwandelte drei der elf Oscar-Nominierungen. Es folgte Der Pate II (1974), der mit sechs seiner elf Oscar-Nominierungen zu einer der erfolgreichsten Fortsetzungen aller Zeiten wurde. Fünf der neun Oscarnominierungen verwandelte Einer flog über das Kuckucksnest (1975), ein Drama des tschechoslowakischen Regisseurs Miloš Forman, in dem die Fehlanpassung eines seltsamen Tyrannen, der in eine psychiatrische Anstalt eingewiesen wird, mit den totalitären Praktiken der Stationsschwester kollidiert. Ähnlich erfolgreich war Robert Bentons Kramer gegen Kramer (1979), ein Film über die gerichtlichen Auseinandersetzungen von geschiedenen Eheleuten um das Sorgerecht für ihr Kind. Robert Altmans für fünf Oscars nominiertes Musikdrama Nashville (1975) ist eine komplexe Satire auf das amerikanische Leben in der zweiten Hälfte der 1970er Jahre, die Themen wie Rassismus, Gewalt, Sexualität, Politik, Medien und Besessenheit vom Ruhm berührt. Die Atmosphäre und die schwerwiegenden sozialen Probleme der späten 1960er und frühen 1970er Jahre spiegeln sich in Arthur Hillers romantischem Drama Love Story (1970) wider, in dem die Liebesgeschichte zweier junger Menschen aus unterschiedlichen Schichten dargestellt wird.

Alan J. Pakulas Die Unbestechlichen (1976) errang vier Oscars für seinen realistischen Blick hinter die Kulissen einer Zeitungsredaktion anhand der Geschichte zweier investigativer Journalisten, die nach und nach die von der Regierung verborgene Wahrheit hinter der Watergate-Affäre aufdeckten. Drei der zehn Oscar-Nominierungen gingen an das Sportdrama Rocky (1976), einen Boxfilm über einen Außenseiter, der um den Weltmeistertitel im Schwergewicht kämpft, während Martin Scorseses Taxi Driver (1976) für vier Oscars nominiert war, er betrachtete das moralisch dekadente Umfeld von New York City mit den Augen eines zurückgezogen lebenden Kriegsveteranen, und in Hal Ashbys Komödiendrama Willkommen Mr. Chance (1979) macht ein einfacher Gärtner als Protagonist durch eine Reihe von Zufällen politische Karriere. Erwähnenswert sind auch das romantische Drama Der große Gatsby (1974) und das romantische Musicaldrama A Star Is Born (1976) sowie der Musicalfilm Saturday Night Fever (1977), der die Mode der Diskotheken aufgriff.

 

Das Kino des moralischen Aufruhrs und andere europäische Filme der 1970er Jahre

In Deutschland wurde in den 1960er Jahren ein Manifest verfasst, in dem die Einrichtung einer Filmhochschule gefordert wurde. Dies führte zu einer neuen Welle von Regisseuren wie Werner Herzog (Lebenszeichen, 1968), Wim Wenders (Summer in the City, 1971, Alice in den Städten, 1974 und Im Lauf der Zeit, 1976), Volker Schlöndorff (Strohfeuer, 1972, Die Blechtrommel, 1979) und Rainer Werner Fassbinder (Angst essen Seele auf, 1974, Die Ehe der Maria Braun, 1979). In Polen entstand in der zweiten Hälfte der 1970er Jahre das "Kino des moralischen Aufruhrs", eine künstlerische Bewegung, die die Unzufriedenheit der Filmemacher mit den von der kommunistischen Regierung auferlegten Zuständen zum Ausdruck brachte, die die Darstellung bestimmter sozialer Themen durch die Einschränkung der kreativen Freiheit verhinderten. Der gemeinsame Nenner dieser Bewegung waren soziale Themen und ethische Probleme, das Verhältnis zwischen Mensch und Staat, die Reflexion über den Verlust von Idealen und die Betonung der moralischen Verantwortung. Ihre wichtigsten Vertreter waren Andrzej Wajda (Der Mann aus Marmor, 1977), Feliks Falk (Top Dog, 1977), Krzysztof Kieślowski (Der Filmamateur, 1979), Agnieszka Holland (Provinzschauspieler, 1979) und Krzysztof Zanussi (Ein Mann bleibt sich treu, 1980).

Die größere Offenheit der Filme gegenüber sexuellen Themen spiegelte sich treffend in Bernardo Bertoluccis umstrittenem italienisch-französischen Liebesdrama Der letzte Tango in Paris (1972) wider, während die Explosion der Gewalt in Stanley Kubricks britisch-amerikanischem Uhrwerk Orange (1971) zum Ausdruck kam, einer satirischen Kritik am Totalitarismus, erzählt aus der Sicht eines gewalttätigen Anführers einer Bande jugendlicher Unruhestifter. Seinem früheren Werk folgten bedeutende italienische Filmemacher wie Luchino Visconti (Tod in Venedig von 1971, Gewalt und Leidenschaft von 1974) und Federico Fellini (Amarcord von 1973, Orchestra Rehearsal von 1978) sowie der große schwedische Regisseur Ingmar Bergman, der nach den psychologischen Dramen Schreie und Flüstern (1972), Szenen einer Ehe (1973) und Herbstsonate (1978), Fanny und Alexander (1982) als seinen letzten Spielfilm ankündigte, obwohl er danach noch mehrere Fernsehfilme drehte. Sein von der Kindheit und der kindlichen Fantasie inspiriertes Familienfresko, das die Krönung seines Schaffens darstellt, wurde sogar mit vier Oscars ausgezeichnet. Weitere bemerkenswerte europäische Werke sind die britischen Liebesdramen Der Mittler (1971) und Ryans Tochter (1970) sowie der spanische Film Der Geist des Bienenstocks (1973), der den Zustand der spanischen Landschaft nach dem Bürgerkrieg aus der Sicht eines Kindes schildert.

 

Die Wiederauferstehung des Hollywood-Systems und das amerikanische Drama in den 1980er Jahren

Im amerikanischen Kino der 1980er Jahre nahm die Experimentierfreudigkeit der Filmemacher im Vergleich zum vorangegangenen Jahrzehnt erheblich ab, da das Hollywood-System zu seiner früheren Stärke zurückkehrte, was zur Folge hatte, dass Regisseure allmählich an Einfluss verloren, während Filmstudios und Produzenten wieder an Stärke gewannen. Der Filmmarkt wandte sich den Blockbustern zu, die das Publikum mit massiven Marketingkampagnen anlockten und vor allem Teenager ansprachen. Actionfilme wurden zu einem Phänomen, aber auch Komödien, Horror- und Science-Fiction-Filme florierten. Außerdem begann die Ära der Filmfortsetzungen, wobei viele erfolgreiche Filme zu mehrteiligen Serien wurden. Die Ästhetik der Musikvideos im Kabelfernsehen MTV beeinflusste die Formalität der Filme, ganz zu schweigen davon, dass viele neue Regisseure von Musikvideos oder Werbespots zum Film wechselten. Die Popularisierung von Videokassetten war ebenfalls eine Revolution, denn 1985 wurde die erste Videothek eröffnet. Zeitgleich nahm die Zahl der Kinos in Form von Multiplex-Kinos mit vielen Sälen, die vor allem in städtischen Einkaufszentren gebaut wurden, ständig zu.

Zwei von neun Oscar-Nominierungen konnte Martin Scorsese mit Wie ein wilder Stier (1980) verwandeln, einem biografischen Sportdrama, das die Geschichte eines Boxchampions im Mittelgewicht erzählt. Martin Scorsese ließ dem Billiard-Drama Haie der Großstadt (1961) die Fortsetzung Die Farbe des Geldes (1986) folgen und sorgte später mit dem Bibeldrama Die letzte Versuchung Christi (1988) für Aufsehen. Miloš Formans Ragtime (1981) wurde für acht Oscars nominiert und schildert anhand mehrerer Geschichten den Übergang vom 19. zum 20. Jahrhundert. Seinen größten Erfolg feierte Miloš Forman mit dem Drama Amadeus (1984), das für die Geschichte der Rivalität zwischen dem genialen Komponisten Wolfgang Amadeus Mozart und seinem eifersüchtigen Rivalen Antonio Salieri mit acht Oscars ausgezeichnet wurde. Formans nächstes dramatisches Projekt war ein Historienfilm über die verführerischen Affären eines überforderten Vicomte namens Valmont (1989), während Stephen Frears' Gefährliche Liebschaften (1988) der gleichen Figur und der gleichen Geschichte gewidmet war. Zu den großen biografischen Dramen der 1980er Jahre gehörten Warren Beattys Reds (1981), der bei zwölf Nominierungen drei Oscars erhielt, und Richard Attenboroughs Gandhi (1982), ein großartiges Porträt des berühmten indischen Pazifisten sowie politischen und geistigen Führers. Sozialdrama und Musik- und Tanzfilm wurden in Flashdance (1983) kombiniert, der für vier Oscars nominiert wurde und dessen Regisseur Adrian Lyne später für sein romantisches Drama 9 ½ Wochen (1986) berühmt wurde.

Regisseur Steven Spielberg wagte sich mit Die Farbe Lila (1985), einem Historienfilm, der das schwierige Leben einer afroamerikanischen Frau im amerikanischen Süden schildert und elf Oscar-Nominierungen erhielt, an ein ernstes Drama. Sechs weitere Nominierungen erhielt Spielberg mit dem Kriegsdrama Das Reich der Sonne (1987), in dem er die Ereignisse in einem japanischen Gefangenenlager aus der Sicht eines 11-jährigen Jungen schildert. Der letzte Film von Regisseur Sergio Leone war das Mafia-Drama Es war einmal in Amerika (1984), ein monumentales Fresko über das Leben eines New Yorker Gangsters. David Lynchs für sieben Oscars nominierter Film Der Elefantenmensch (1980) erzählte die Geschichte eines entstellten Mannes, während sich sein Krimi-Drama Blue Velvet (1986) auf die scheinbare Idylle einer amerikanischen Kleinstadt konzentrierte, unter deren Oberfläche jedoch eine Welt voller Gewalt, Psychopathen und sexueller Perversionen lag. Vier Oscars gingen an Barry Levinsons Rain Man (1988), ein Roadmovie über zwei Männer, einen jungen intriganten Geschäftsmann und seinen autistischen älteren Bruder, die sich erst im Erwachsenenalter kennenlernen. Robert Redfords Eine ganz normale Familie (1980), ein intimes psychologisches Drama über die Mitglieder einer Familie, Bruce Beresfords Miss Daisy und ihr Chauffeur (1989), eine Geschichte über die freundschaftliche Beziehung zwischen einer wohlhabenden Witwe und ihrem schwarzen Chauffeur, und Hugh Hudsons Sportdrama Die Stunde des Siegers (1981), in dem es um zwei Olympioniken geht, erhielten ebenfalls die gleiche Anzahl an Oscars. Weitere Sportdramen sind Der Unbeugsame (1984) und Feld der Träume (1989), die mit Fantasyelementen angereichert wurden.

Ein Oscar von sechs Nominierungen ging an Alan J. Pakulas Drama Sophies Entscheidung (1982), das anhand der Geschichte seiner polnischen Protagonistin die zersetzende Wirkung des Nationalsozialismus auf das Leben der Menschen aufzeigt. Andere Filme, die im Kampf um die Oscars erfolgreich waren, waren Zeit der Zärtlichkeit (1983) von James L. Brooks, in dem es um eine Mutter-Tochter-Partnerschaft geht, Yentl (1983), ein Musikdrama von Barbra Streisand, dessen Hauptfigur in ihrem Wunsch, Religion zu studieren, sich für einen Mann ausgibt, und Jenseits von Afrika (1985) von Sydney Pollack, der eine Romanze zwischen einer Kaffeeplantagenbesitzerin und einem charismatischen Jäger darstellt. Regisseur Peter Weir erhielt für seinen Film über einen besonderen Lehrer, Der Club der toten Dichter (1989), ein begeistertes Echo, Filmemacher Steven Soderbergh feierte mit Sex, Lügen und Video (1989) ein erfolgreiches Debüt, und Woody Allen hatte mit seinen komödiantischen Dramen Hannah und ihre Schwestern (1986) und Verbrechen und andere Kleinigkeiten (1989) neben seinen ernsten psychologischen Dramen September (1987) und Eine andere Frau (1988) Erfolg. Weitere bemerkenswerte Dramen wurden von Regisseuren wie Mark Rydell (Am Goldenen See, 1981), Sidney Lumet (The Verdict - Die Wahrheit und nichts als die Wahrheit, 1982), Francis Ford Coppola (Rumble Fish, 1983) und Philip Kaufman (Der Stoff, aus dem die Helden sind, 1983, Die unerträgliche Leichtigkeit des Seins, 1988), Hector Babenco (Kuss der Spinnenfrau, 1985, Wolfsmilch, 1987), Tom Moore (Nacht, Mutter, 1986), Oliver Stone (Wall Street, 1987), Jonathan Kaplan (Angeklagt, 1988) und Spike Lee (Do the Right Thing, 1989) gedreht.

 

Das europäische Dramenschaffen der 1980er Jahre

In den 1980er Jahren erfuhr das französische Kino eine grundlegende Erneuerung durch Regisseure wie Leos Carax (Boy Meets Girls, 1984), Jean-Jacques Beineix (Betty Blue - 37,2 Grad am Morgen, 1986) und Luc Besson (Im Rausch der Tiefe - The Big Blue, 1988), deren Filme sich durch einen unverwechselbaren visuellen Stil auszeichneten. In Deutschland gehörten zu den besten Dramatikern Regisseure, die sich in den 1970er Jahren erfolgreich etabliert hatten, darunter Rainer Werner Fassbinder (Lola von 1981, Die Sehnsucht der Veronika Voss von 1982), Volker Schlöndorff (Eine Liebe von Swann, 1984), Wim Wenders (Koproduktion Paris, Texas von 1984 und das Drama über einen verliebten Engel Der Himmel über Berlin von 1987) und Werner Herzog (Woyzeck von 1979). In Polen waren zwei der bekanntesten Regisseure Andrzej Wajda (Der Mann aus Eisen, 1981) und Krzysztof Kieślowski, der nach Blind Chance (1981) und Ohne Ende (1985) die beiden Dramen Ein kurzer Film über das Töten (1987) und Ein kurzer Film über die Liebe (1988) drehte, die auf seiner Fernsehserie Dekalog (1989-1990) basierten, die sich in zehn Episoden mit den Zehn Geboten befasste.

In Italien war eines der größten Talente der Regisseur Giuseppe Tornatore, der seinen autobiografischen, mit einem Oscar ausgezeichneten Film Cinema Paradiso (1988) als nostalgische Hommage an das Kino und seinen früheren Ruhm konzipierte. In Dänemark machte sich der Regisseur Lars von Trier mit seiner Filmtrilogie Spuren eines Verbrechens (1984), Epidemic (1987) und Europa (1991) einen Namen, in der er die spirituelle Dimension des von uns bewohnten Raums erforschte. In Spanien wurde eines der bemerkenswertesten Dramen von Carlos Saura inszeniert, der bereits in den 1970er Jahren mit Filmen wie Anna und die Wölfe (1973), Cousine Angélica (1974), Züchte Raben und sie kratzen dir die Augen aus (1976) und Elisa, mein Leben (1977) eine starke kreative Position eingenommen hatte. In den 1980er Jahren folgten unter anderem seine Musical- und Musikdramen Bluthochzeit (1981), Carmen (1983) und Liebeszauber (1986). Erwähnenswert ist auch das spanische Drama Die heiligen Narren (1984) von Mario Camus. Aus anderen europäischen Ländern konnten britische Filme wie Caravaggio (1986) und Killing Fields Schreiendes Land (1984) oder die romantischen Dramen Zimmer mit Aussicht (1985) und Maurice (1987) von James Ivory, das jugoslawische Drama Papa ist auf Dienstreise (1985) von Emir Kusturica oder die ungarischen Filme The Prefab People (1982), Almanac of Fall (1985) und Damnation (1988) von Béla Tarr große Aufmerksamkeit erregen.

 

Der Beginn des digitalen Zeitalters und das amerikanische Drama der 1990er Jahre

In den 1990er Jahren legte Hollywood noch mehr Wert auf die Produktion großer Kassenschlager als im Jahrzehnt zuvor und gab riesige Summen für Marketingkampagnen, berühmte Schauspieler und digitale Gimmicks aus. Zur gleichen Zeit hielten Digitalkameras Einzug in die Filmindustrie und machten es für mehr Regisseure billiger, einfacher und erschwinglicher, Filme zu drehen, wobei sie sich zunächst bei unabhängigen Filmemachern durchsetzten. Dadurch wurden die Unterschiede zwischen Filmen von Hollywood-Studios und unabhängigen Filmemachern noch deutlicher, wobei einige Filmemacher ihre unabhängigen Projekte (so genannte Indie-Movies) mit der Zusammenarbeit mit Studios vermischten (z. B. Gus Van Sant, Regisseur des unabhängigen Dramas My Private Idaho - Das Ende der Unschuld von 1991 und des mit einem Oscar ausgezeichneten Studiodramas Good Will Hunting von 1997), während andere es schafften, völlig unabhängig zu sein (z. B. Jim Jarmusch, Regisseur des Anti-Western-Dramas Dead Man von 1995). Der Markt für Videokassetten war weiterhin sehr erfolgreich (viele Filme wurden sogar direkt auf Video veröffentlicht, ohne vorher in den Kinos gezeigt worden zu sein), doch 1997 kam erstmals das Medium DVD auf den Markt, das haltbarer war als Tonbandkassetten und oft weiteres Videomaterial als Bonus enthielt. 1996 fanden die ersten hochauflösenden HDTV-Übertragungen statt, die auch zur Entwicklung neuer Fernsehgeräte und Heimkinos führten. In den 1990er Jahren entstand außerdem das Internet, ein Computersystem für den Datenaustausch und damit ein weiteres potenzielles Mittel zur Förderung und Verbreitung von Filmen.

Der erfolgreichste Film der 1990er Jahre war James Camerons mit elf Oscars ausgezeichneter Film Titanic (1997), der neben dem Untergang des berühmten Schiffes die Geschichte der Liebe zwischen zwei jungen Menschen aus unterschiedlichen sozialen Schichten erzählte und zum umsatzstärksten Film aller Zeiten wurde. Sechs der dreizehn Oscar-Nominierungen gingen an Robert Zemeckis' Forrest Gump (1994), der den Vietnamkrieg aus der Sicht eines Einfaltspinsels schildert, der auf seinem Lebensweg bei den wichtigsten Ereignissen der amerikanischen Geschichte von den 1950er bis zu den 1980er Jahren stets persönlich anwesend war. Regisseur Steven Spielberg hatte seinen ersten Erfolg mit Schindlers Liste (1993), einem mit sieben Oscars ausgezeichneten Drama über einen deutschen Geschäftsmann, der Hunderte von Juden aus Konzentrationslagern rettet, gefolgt von Amistad - Das Sklavenschiff (1997), ein für vier Oscars nominiertes Historiendrama über eine Schiffsmeuterei schwarzer Sklaven, und schließlich mit dem Kriegsdrama Der Soldat James Ryan (1998), das für seine Geschichte einer Rettungsmission, die mit der Landung in der Normandie begann, fünf von elf Nominierungen verwandeln konnte. Insgesamt elf Oscar-Nominierungen teilten sich zwei Gefängnisfilme unter der Regie von Frank Darabont - Die Verurteilten (1994), in dem es um das Schicksal und die Flucht eines zu Unrecht verurteilten Bankangestellten aus dem Gefängnis geht, und The Green Mile (1999), in dem ein ehemaliger Gefängnisdirektor seine Erfahrungen mit Häftlingen und Kollegen Revue passieren lässt, untereinander auf.

Zwei Oscars gingen an Jonathan Demmes Gerichtsdrama Philadelphia (1993), das sich mit Vorurteilen gegen AIDS-Kranke auseinandersetzt. Die gleiche Anzahl von Auszeichnungen erhielt Ron Howards Apollo 13 (1995), der den Verlauf des gescheiterten bemannten Fluges zum Mond nachzeichnet, bei neun Nominierungen. Jeweils ein Oscar ging an Der Duft der Frauen (1992), in dem ein Blinder durch die Freundschaft mit einem jungen Vormund vor dem Selbstmord bewahrt wird, an Leaving Las Vegas - Liebe bis in den Tod (1995) über einen alkoholabhängigen Drehbuchautor und an Dead Man Walking - Sein letzter Gang (1995) über die Beziehung zwischen einem Mann in der Todeszelle und einem Sozialarbeiter, der ihm im Gefängnis Gesellschaft leistet. Neun Preise gingen an Anthony Minghellas Der englische Patient (1996), ein romantisches Drama über einen verwundeten Soldaten, der seiner Pflegerin von seinen Erinnerungen an den Zweiten Weltkrieg erzählt, und Sam Mendes' American Beauty (1999), ein schwarzhumoriges, satirisches Drama über das Leben und die Desillusionierung von Vorstadtbewohnern der Mittelschicht, erhielt fünf Auszeichnungen. Regisseur Paul Thomas Anderson machte sich zunächst mit Boogie Nights (1997), einem in der Pornoindustrie angesiedelten Drama, und dann mit Magnolia (1999) einen Namen, in dem er die verbundenen Geschichten mehrerer Figuren miteinander verknüpfte.

Joel Schumachers Drama Falling Down (1993) erzählte die Geschichte eines plötzlichen Aggressionsausbruchs eines Mannes, der mit seiner aufgestauten Frustration und seinem Stress nicht zurechtkam; David Finchers Fight Club (1999) bot eine anarchische und nihilistische Kritik am System und an der kommerziellen Welt; und Stanley Kubricks Eyes Wide Shut (1999) erzählte die Geschichte eines Ehepaars, das eine sexuelle Erneuerung durchlebt. Regisseur Robert Redford ließ seinem Erfolg mit Aus der Mitte entspringt ein Fluss (1992) ein Drama über die faulen Machenschaften hinter den Kulissen des TV-Wissenschaftswettbewerbs mit dem Titel Quiz Show - Der Skandal (1994) und dann Der Pferdeflüsterer (1998), ein romantisches Drama über einen Viehtreiber, der traumatisierte Tiere heilen kann, folgen. Weitere erwähnenswerte romantische Dramen sind Barbra Streisands Herr der Gezeiten (1991), Spike Lees Jungle Fever (1991), Gillian Armstrongs Betty und ihre Schwestern (1994), Ang Lees Sinn und Sinnlichkeit (1995), Roman Polanskis Bitter Moon (1992), Clint Eastwoods Die Brücken am Fluss (1995), Adrian Lynes Lolita (1997) und Lasse Hallströms Gottes Werk und Teufels Beitrag (1999). Wichtige Dramen waren außerdem Glengarry Glen Ross (1992), Short Cuts (1993), Der Eissturm (1997), Sling Blade (1996), Der Regenmacher (1997), October Sky (1999), Der talentierte Mr. Ripley (1999) oder Summer of Sam (1999).

 

Dogma 95 und andere internationale Dramen der 1990er Jahre

In Dänemark wurde als Reaktion auf den oberflächlichen Mainstream der internationalen Kinematografie die avantgardistische Kunstbewegung Dogma 95 gegründet, deren Gründer sich verpflichteten, Realismus durch Einhaltung von zehn Regeln zu erreichen, darunter das Drehen an authentischen Orten und mit authentischen Requisiten, das Drehen mit einer Handkamera, das Verbot von Actionszenen, heruntergekommenen Genres und historischen Themen sowie das Verbot von zusätzlicher Musik und spezieller Beleuchtung. Die wichtigsten Vertreter dieser Bewegung waren Thomas Vinterberg (Das Fest, 1998) und Lars von Trier (Idioten, 1998). Weitere bemerkenswerte Vertreter des dänischen Kinos sind Von Triers Drama Breaking the Waves (1996) und Susanne Biers Family Matters (1994). In Belgien avancierten die Brüder Jean-Pierre und Luc Dardenne, die sich mit Ich denk' an euch (1992), Das Versprechen (1996) und Rosetta (1999) einen Namen gemacht haben, zu preisgekrönten Vertretern des europäischen Dramas. Die romantischen Dramen von Kar-wai Wong aus Hongkong zeigten ebenfalls international starke Wirkung, vor allem Chungking Express (1994), Fallen Angels - Gefallene Engel (1995), Happy Together (1997) und In the Mood for Love - Der Klang der Liebe (2000).

Zu weiteren bahnbrechenden Werken des britischen Dramas gehören James Ivorys Was vom Tage übrigblieb (1993), die mit acht Oscars ausgezeichnete Geschichte eines distanzierten Butlers, Mike Leighs mit fünf Oscars ausgezeichneter Film Lügen und Geheimnisse (1996) über eine Mutter und ihre Tochter, die nach vielen Jahren wieder zusammenfinden, und Danny Boyles Trainspotting - Neue Helden (1996), ein Generationenmanifest, das wegen seiner Drogenthematik bekannt wurde. Unter den französischen Filmen sind das mit einem Oscar ausgezeichnete romantische Drama Indochine (1992), das in den Kautschukplantagen Vietnams zur Kolonialzeit spielt, und Mathieu Kassovitz' Streifen Hass (1995), der das Leben dreier jugendlicher Straftäter auf den Straßen von Paris verfolgt, besonders erwähnenswert. In Italien gewann der oscarprämierte Film Das Leben ist schön (1997), eine Drama-Komödie über einen jüdischen Kellner, der seinem kleinen Sohn zuliebe den Aufenthalt in einem Konzentrationslager als Teil eines Geburtstagsspiels behandelt, drei der begehrten Statuen. Dem italienischen Regisseur Giuseppe Tornatore gelang dies mit Die Legende vom Ozeanpianisten (1998), einem Drama, dessen Hauptfigur ein Pianist ist, der an Bord eines Überseeschiffes geboren wurde und es nie verlassen hat. Der spanische Regisseur Pedro Almodóvar wurde durch seine melodramatischen Filme Mein blühendes Geheimnis (1995), Live Flesh - Mit Haut und Haar (1997) und Alles über meine Mutter (1999) bekannt, mit denen er sich vor allem mit Gedankengängen von Frauenfiguren befasste, auch Alejandro Amenábar (Öffne die Augen, 1997), Fernando Trueba (Das Mädchen deiner Träume, 1998) und Julio Medem (Das rote Eichhörnchen, 1993, Earth, 1996 und Die Liebenden des Polarkreises, 1998) haben sich als Autoren einen Namen gemacht.

Der polnische Regisseur Krzysztof Kieślowski verstärkte seinen Bekanntheitsgrad mit Die Zwei Leben der Veronika (1991), einer in Frankreich gedrehten Geschichte über die verschlungenen Schicksale zweier identischer Mädchen, und der Drei-Farben-Trilogie, einer Filmtrilogie, die sich nacheinander mit den Themen "Freiheit, Gleichheit, Brüderlichkeit" befasst und aus Filmen besteht, die nach den Farben der französischen Trikolore benannt sind - Blau (1993), Rot (1994) und Weiß (1994). Dank Regisseuren wie Pawel Tschuchraj (Der Dieb, 1997) und Nikita Michalkow dessen poetisch-melancholisches, mit einem Oscar ausgezeichnetes Drama Die Sonne, die uns täuscht (1994) zur Zeit der stalinistischen Säuberungen spielt, erlebte der russische Film eine Blütezeit. Der ungarische Regisseur Béla Tarr erweiterte seine Filmografie mit dem mehr als siebenstündigen Epos Satanstango (1994) und Die werckmeisterschen Harmonien (2000), die beide für ihre langen, fesselnden Einstellungen und reichhaltigen Interpretationsebenen bekannt sind. Im Iran bildete sich eine neue Generation von Filmemachern heraus: Jafar Panahi (Der weiße Ballon, 1995), Abbas Kiarostami (Der Geschmack der Kirsche, 1997), Majid Majidi (Kinder des Himmels, 1997) und Samira Makhmalbaf (Star Rock, 1998) sind die führenden Vertreter des iranischen Films. Weitere erwähnenswerte Filme sind die deutsche Koproduktion Hitlerjunge Salomon (1990) der polnischen Regisseurin Agnieszka Holland, das mit drei Oscars ausgezeichnete australische Koproduktionsdrama Das Piano (1993) der neuseeländischen Regisseurin Jane Campion, Himmlische Kreaturen (1994) von Peter Jackson, der tschechische Oscar-Gewinner Kolya (1996) von Jan Svěrák und der brasilianische Streifen Central Station (1998) von Walter Salles.

 

Das amerikanische Drama nach 2000

Der Beginn des neuen Jahrtausends war unter anderem durch den Kampf gegen den Terrorismus, die rasante Entwicklung der Technologie, die Verbreitung des Internets und der sozialen Netzwerke sowie die Sorge um die globale Erwärmung geprägt. Die Digitaltechnik setzte sich im Kino noch stärker durch als im vorangegangenen Jahrzehnt: Die größten Kassenschlager (meist Big-Budget-Trickfilme) wurden in vielen Fällen zu mehrteiligen Filmserien, die DVD verdrängte den Videokassettenmarkt vollständig (mit dem neuen Aufkommen der Blu-Ray-Disc und den ersten Online-Anbietern von Filmen und Serien), und die Filmgesellschaften begannen, gegen das illegale Herunterladen von Filmen im Internet vorzugehen. Das Thema Terrorismus zieht sich durch viele Filme, so wurden beispielsweise Paul Greengrass' Drama Flug 93 (2006) und Oliver Stones World Trade Center (2006) von den Ereignissen rund um den Anschlag auf das World Trade Center in New York 2001 inspiriert, Kathryn Bigelows mit sechs Oscars ausgezeichneter Film Tödliches Kommando - The Hurt Locker (2008) erzählt die Geschichte einer Gruppe von Soldaten, die auf die Entschärfung von Bomben spezialisiert sind, und das spätere Drama Zero Dark Thirty - Die Jagd auf Osama bin Laden (2012) derselben Regisseurin dreht sich um die Jagd des Militärs auf den Terroristen Osama bin Laden. Weitere wichtige Themen waren Paul Haggis' mit drei Oscars ausgezeichneter Film Crash (2004), ein Film über verschiedene Formen des Rassismus, und Ang Lees Brokeback Mountain (2005), ein Drama über eine homosexuelle Romanze zwischen zwei Cowboys.

Darren Aronofskys Requiem for a Dream (2000), der die verschiedenen Formen der Drogenabhängigkeit anhand mehrerer Geschichten schildert, war ein starker Film, während derselbe Regisseur später auch mit dem romantischen Drama The Fountain - Quell des Lebens (2006) und dem Sportdrama The Wrestler - Ruhm, Liebe, Schmerz (2008) auf sich aufmerksam machte. Regisseur Clint Eastwood war bei den Oscars mit Million Dollar Baby (2004) erfolgreich, einem Sportdrama über einen entschlossenen Boxer, das in vier Kategorien glänzte, und erntete auch mit seinen späteren Dramen Der fremde Sohn (2008) und Gran Torino (2008) viel Beifall. Zu den weiteren Oscar-Preisträgern gehören Steven Soderberghs vierfach mit dem Oscar ausgezeichnetes Drama Traffic - Macht des Kartells (2000) über den Kampf gegen die Drogenmafia, Paul Thomas Andersons zweifach mit dem Oscar ausgezeichnetes Drama There Will Be Blood (2007), ein Epos über den Aufstieg eines aufstrebenden Ölmagnaten, und Lee Daniels' zweifach mit dem Oscar ausgezeichnetes Drama Precious - Das Leben ist kostbar (2009) über das schwierige Erwachsenwerden eines schwarzen Teenagers aus einem sozial benachteiligten Milieu.

Drei der dreizehn Oscar-Nominierungen gingen an David Finchers Der seltsame Fall des Benjamin Button (2008), ein romantisches Drama über einen Mann, dessen Körper sich aufgrund einer seltenen Krankheit im Laufe der Zeit verjüngt, und acht Oscars errang Danny Boyles Slumdog Millionär (2008), ein Drama über das Leben eines indischen Teilnehmers an einem Wissenschaftswettbewerb. Jeweils ein Oscar ging an Marc Forsters Monster's Ball (2001), einen Film über die Beziehung zwischen einer schwarzen Witwe und einem rassistischen Gefängniswärter, der bei der Hinrichtung ihres verurteilten Mannes half, Stephen Daldrys The Hours (2002), der drei miteinander verbundene Geschichten dreier Frauen aus drei verschiedenen Epochen erzählt, und Sofia Coppolas Lost in Translation - Zwischen den Welten (2003), ein Film über Einsamkeit in einer fremden Umgebung. Ebenfalls erwähnenswert sind Todd Haynes' Melodram Dem Himmel so fern (2002), Woody Allens Dramen Match Point (2005) und Vicky Cristina Barcelona (2008), Sam Mendes' Drama über eine Ehekrise Revolutionary Road (2008), ein Gerichtsdrama über eine alte Leidenschaft und Kriegsverbrecherprozesse Der Vorleser (2008) und das Familiendrama Hachiko - Eine wunderbare Freundschaft (2009) und die Sportdramen Gegen jede Regel (2000), Rocky Balboa (2006) und Blind Side - Die große Chance (2009).

 

Europäische und außereuropäische Dramen des neuen Jahrtausends

In Lateinamerika wurde mit dem brasilianischen Regisseur Fernando Meirelles (City of God, 2002) und den mexikanischen Regisseuren Alfonso Cuarón (Y Tu Mama Tambien - Lust for Life, 2001) sowie Alejandro González Iñárritu, der nach dem Mosaikfilm Amores perros - Was ist Liebe? (2000) in den USA die ähnlich strukturierten Dramen 21 Gramm (2003) und Babel (2006) drehte, eine neue Strömung des Kinos geweckt. In Rumänien entstand nach mehreren Jahren des filmischen Fastens eine neue Generation von Filmemachern, die so genannte rumänische Neue Welle, deren Schwerpunkt auf minimalistischen realistischen Geschichten lag, die reich an starken dramatischen Situationen waren und sich an sozialen und gesellschaftlich ernsten Themen orientierten. Die wichtigsten Regisseure in dieser Hinsicht sind Cristi Puiu (Der Tod des Herrn Lazarescu, 2005), Corneliu Porumboiu (12:08 - Jenseits von Bukarest, 2006), Cristian Mungiu (4 Monate, 3 Wochen und 2 Tage, 2007) und Radu Jude (The Happiest Girl in the World, 2009). In Frankreich sind François Ozon (Swimming Pool von 2003, 5x2 - Fünf mal Zwei von 2004), Laurent Cantet (Die Klasse von 2008) und Gaspar Noé, dessen Filme Irreversibel (2002) und Enter the Void (2009) kontrovers diskutiert wurden, zu wichtigen Figuren des lokalen dramatischen Kinos geworden.

Unter den dänischen Filmemachern sind Lars von Trier, der nach den stilvoll minimalistischen Dramen Dogville (2003) und Manderlay (2005) den umstrittenen Film Antichrist (2009) drehte, und die Regisseurin Susanne Bier hervorzuheben, deren Filme Zwischen Brüdern (2004) und Nach der Hochzeit (2006) zu Vorlagen für spätere amerikanische Remakes wurden. Unter den russischen Regisseuren sind Andrei Kontschalowski (House of Fools, 2002), Andrei Swjaginzew (Die Rückkehr, 2003, Die Verbannung, 2007), Nikita Michalkow (12, 2007) und Alexander Sokurow, dessen Russian Ark (2002) in der Eremitage in St. Petersburg gedreht wurde. Der österreichische Regisseur Michael Haneke erhielt viel Anerkennung für seine Dramen Die Klavierspielerin (2001) und Caché (2005) sowie für Das weiße Band (2009), in dem er die Geschichte des Bösen im Menschen, der pathologischen Beziehungen in der Gesellschaft und der Geburt des Nationalsozialismus vor dem Hintergrund der Bewohner eines deutschen Dorfes erzählte. Die belgischen Brüder Jean-Pierre und Luc Dardenne waren mit ihren Dramen Der Sohn (2002), Das Kind (2005) und Lornas Schweigen (2008) erfolgreich, der spanische Regisseur Julio Medem schaffte mit Lucía und der Sex (2001) und Caótica Ana (2007) den Durchbruch, und Pedro Almodóvar erweiterte seine Filmografie um Sprich mit ihr (2002), Schlechte Erziehung (2004), Volver (2006) und Zerrissene Umarmungen (2009).

In Deutschland hatte der Regisseur Florian Henckel von Donnersmarck mit seinem oscarprämierten Film Das Leben der Anderen (2006) Erfolg. Er erzählte die Geschichte eines Dramatikers, der vom Regime überwacht wird, und des Geheimpolizisten, der ihn aushorchen soll. Aber auch Fatih Akin, dessen Gegen die Wand (2004) und Auf der anderen Seite (2007) im türkischen Einwanderermilieu spielen, ist zu einer wichtigen Figur des deutschen Kinos geworden, während Die Welle (2008) von Dennis Gansel von einem Schulexperiment handelt, das außer Kontrolle gerät. Die britischen Sozialdramen Billy Elliot - I Will Dance (2000) und Vera Drake (2004) behandeln im ersten Fall die Geschichte eines elfjährigen Jungen, der Ballettunterricht nimmt, im zweiten Fall die gut gemeinten Taten einer illegalen Engelmacherin im Nachkriegs-England. Weitere bemerkenswerte Filme sind der umstrittene Film Die Träumer des italienischen Regisseurs Bernardo Bertolucci, das schwedische Drama Evil (2003) und die tschechischen Filme Wir müssen zusammenhalten (2000), Die Jahreszeit des Glücks (2005) und Die Karamazows (2008).

 

Amerikanisches und britisches Dramenschaffen nach 2010

Die Filmindustrie und das Verleihsystem wurden durch die Verbreitung und Zunahme von Streaming-Plattformen wie VoD (Video on Demand), Online-Anbietern von Filmen und Serien, die es den Zuschauern ermöglichen, audiovisuelle Inhalte ihrer Wahl aus einer breiten Palette von Angeboten anzusehen, stark beeinflusst. Das Fernsehen, das über ein festes Programm verfügte, ging noch weiter, indem es eine Wiederholungsfunktion und eine einfache Aufzeichnung anbot, was auch durch Smart-TVs unterstützt wurde. Blu-Ray-Discs sind zu würdigen Konkurrenten älterer DVDs geworden, und im Laufe des Jahrzehnts wurden auch Ultra HD-Filme in 4K veröffentlicht, obwohl der Verkauf physischer Medien aufgrund der zunehmenden Beliebtheit von Streaming-Diensten im Durchschnitt insgesamt zurückgegangen ist. Um die Jahrtausendwende, ab 2007, kamen 3D-Filme in Mode, doch handelte es sich dabei hauptsächlich um Big-Budget-Blockbuster und Animationsfilme. Die Popularität bestimmter Filme hat zur Produktion zahlreicher Fortsetzungen, Remakes, Reboots und Prequels geführt, und Filmreihen, die miteinander verbundene fiktive Welten schaffen, sind zu einem neuen Trend geworden. Dramen sind in der Publikumsgunst in den Hintergrund getreten, dennoch werden sie bei den Oscars und anderen Filmpreisen weitaus häufiger ausgezeichnet als jedes andere Genre.

Das Schicksal schwarzer Sklaven (12 Years a Slave von 2013, Harriet - Der Weg in die Freiheit, 2019), die Alzheimer-Erkrankung (Still Alice - Mein Leben ohne Gestern von 2014, The Father, 2020) oder homosexuelle Romanzen (Carol, 2015, Call Me By Your Name, 2017) sind zu großen Themen in vielen Dramen geworden. The Help (2011) befasste sich mit Rassendiskriminierung, der mit drei Oscars ausgezeichnete Dallas Buyers Club (2013) schilderte das Leben von Menschen, die mit AIDS leben, der mit zwei Oscars ausgezeichnete Spotlight (2015) erzählte die Geschichte von Journalisten, die Fälle von Priestern aufdeckten, die kleine Jungen sexuell belästigten, und Marriage Story (2019) warf einen prozeduralen Blick auf das Scheitern einer Ehe. Danny Boyles sechsmal für den Oscar nominierter Film 127 Hours (2010) war ein Survival-Drama, dessen Protagonist in einem Felsabgrund gefangen war, Steven Soderberghs Magic Mike - Die ganze Nacht (2012) spielte im Strippermilieu, und in Hidden Figures - Unerkannte Heldinnen (2016) waren Frauen bei der NASA beschäftigt, Lenny Abrahamsons Raum - Liebe kennt keine Grenzen (2015) erzählte die Geschichte einer entführten Frau, die gezwungen war, ihren Sohn in einem einzigen Zimmer aufzuziehen, und Andrea Arnolds Sozialdrama American Honey (2016) wiederum besuchte eine Drückerkolonne. Der britische Regisseur Ken Loach hat mit seinen Sozialdramen Ich, Daniel Blake (2016) und Sorry We Missed You (2019), in denen er die Randbedingungen auf dem Arbeitsmarkt kritisiert, internationale Erfolge erzielt.

Richard Linklaters Drama Boyhood (2014) war ein außergewöhnliches Ereignis, das über zwölf Jahre hinweg mit denselben Schauspielern gedreht wurde, die natürlich mit ihren Figuren älter wurden. David Finchers mit drei Oscars ausgezeichnetes Drama The Social Network (2010) befasste sich mit der Gründung von Facebook, Darren Aronofskys Black Swan (2010) erzählte die Geschichte des psychischen Zerfalls einer ehrgeizigen Ballerina, und Ben Afflecks mit drei Oscars ausgezeichneter Film Argo (2012) konzentrierte sich auf eine eigentümliche Rettungsaktion von Dutzenden von Geiseln während der islamischen Revolution im Iran. Barry Jenkins' Moonlight (2016) gewann ebenfalls mehrere Oscars, ebenso wie Kenneth Lonergans Manchester by the Sea (2016), Quentin Tarantinos Once Upon a Time in Hollywood (2019) und Chloé Zhaos Nomadland (2020). Woody Allens Blue Jasmine (2013), Paul Thomas Andersons Der seidene Faden (2017), der auch mit seinem Psychodrama The Master (2012) beeindruckte, und Greta Gerwigs Little Women (2019), aus deren Schaffen auch Lady Bird (2017) erwähnenswert ist, erhielten jeweils einen Oscar. Weitere Oscar-Erfolge sind die Sportdramen The Fighter (2010) und Die Kunst zu gewinnen - Moneyball (2011) sowie die Musical-Dramen Whiplash (2014) und A Star Is Born (2018). Nicht zu vergessen sind beispielsweise der britische Film Shame von Steve McQueen (2011) oder der amerikanische Film The Tree of Life von Terrence Malick (2011), Im August in Osage County von John Wells (2013), The Wolf of Wall Street von Martin Scorsese (2013) oder The Trial of the Chicago 7 von Aaron Sorkin (2020).

 

Europäische und außereuropäische Spielfilme nach 2010

Eine Reihe berühmter europäischer Regisseure hat ihr Portfolio weiter ausgebaut - Béla Tarr drehte mit Das Turiner Pferd (2011) seinen letzten Film, Lars von Trier setzte sich in Melancholia (2011) mit dem Ende der Welt auseinander und sorgte dann zunächst mit dem Zweiteiler Nymphomaniac (2013) und dann mit The House That Jack Built (2018) für Aufsehen, Gaspar Noé schockierte ebenfalls mit dem Erotikdrama Love (2015) und Michael Haneke inszenierte zwei eng miteinander verbundene Dramen, den oscarprämierten Streifen Liebe (2012) und Happy End (2017). Thomas Vinterberg zeigte sich mit Die Jagd (2012) und dem oscarprämierten Film Der Rausch (2020) in herausragender Form, Fatih Akin war mit dem Drama Aus dem Nichts (2017) erfolgreich, während Andrei Kontschalowski mit Die weißen Nächte des Postboten (2014) und Andrei Swjaginzew mit Elena (2011), Leviathan (2014) und Loveless (2017) die erfolgreichsten russischen Regisseure waren. Leos Carax mischte das Wasser mit Holy Motors (2012) auf, die Dardenne-Brüder ergänzten ihre Filmografie um Der Junge mit dem Fahrrad (2011) und Zwei Tage, eine Nacht (2014), François Ozon fügte Jung & schön (2013), Gelobt sei Gott (2018) und Sommer of 85 (2020) hinzu, und Pedro Almodóvar führte Regie bei den hoch gelobten Streifen Julieta (2016) und Leid & Herrlichkeit (2019).

In Rumänien setzten die rumänischen New-Wave-Regisseure Cristian Mungiu (Graduation, 2016), Cristi Puiu (Sieranevada - Die Trauerfeier, 2016) und Radu Jude ("Mir ist es egal, wenn wir als Barbaren in die Geschichte eingehen", 2018) ihre Arbeit fort. In Griechenland entstand parallel zur Wirtschaftskrise eine Reihe von international gefeierten Filmen, die absurde und bizarre satirische Bilder einer verdrehten menschlichen Gesellschaft zeichnen und für die sich der Name "Bizarre griechische Welle" durchgesetzt hat. Den Anfang dieser Welle machten Attenberg von Athina Rachel Tsangari (2010) und Dogtooth von Yorgos Lanthimos (2009), der mit seinen nachfolgenden Filmen Alpen (2011), The Lobster - Hummer sind auch nur Menschen (2015) und The Killing of a Sacred Deer (2017) zum gefragtesten griechischen Regisseur wurde. Der philippinische Filmemacher Lav Diaz ist bekannt für seine extrem langen und langsamen Filme From What Is Before (2014) und The Woman Who Left (2016), und der türkische Regisseur Nuri Bilge Ceylan ist bekannt für seine Dramen Once Upon a Time in Anatolia (2012), Winterschlaf (2014) und The Wild Pear Tree (2018). Unter den chinesischen Dramen sind der berauschende und verträumte Long Day's Journey Into Night (2018) mit einer einstündigen 3D-Szene, die in einer einzigen Einstellung gedreht wurde, und die sozial ernste Familiensaga Bis dann, mein Sohn (2019) hervorzuheben, die die Schattenseiten der chinesischen Kulturrevolution und der Ein-Kind-Politik beleuchtet. Die renommiertesten japanischen Dramen stammen von Hirokazu Koreeda, der in Vater und Sohn (2013), Unsere kleine Schwester (2015), After the Storm (2016) und Shoplifters - Familienbande (2018) die Geschichten verschiedener Familien porträtiert hat.

Die erfolgreichsten Filme des polnischen Kinos waren die oscarprämierten Streifen Ida (2013) und Cold War - Der Breitengrad der Liebe (2018) von Paweł Pawlikowski sowie das Drama Corpus Christi (2019) von Jan Komasa. Zwei diametral entgegengesetzte Filmemacher fanden in Italien die größte Anerkennung - Paolo Sorrentino, dessen oscargekrönter Film La granze bellezza - Die große Schönheit (2013) und Ewige Jugend (2015) sich mit dem Leben der Elite befasste, und Alice Rohrwacher, deren Sozialdramen Land der Wunder (2014) und Glücklich wie Lazzaro (2018) sich auf Menschen aus der Unterschicht konzentrierten. In Schweden wurden Ruben Östlund und seine preisgekrönten Filme Play - Nur ein Spiel (2011), Höhere Gewalt (2014) und The Square (2017) entdeckt, während in France Xavier Dolan und seine Dramen Herzensbrecher (2010), Laurence Anyways (2012), Mommy (2014), Einfach das Ende der Welt (2016) und Matthias & Maxime (2019) eine Offenbarung waren. Darüber hinaus erzielten französische Filme wie Blau ist eine warme Farbe (2013), 120 BPM (2017) und Porträt einer jungen Frau in Flammen (2019) ebenfalls eine große Wirkung.

Zu den besten iranischen Filmemachern gehören Asghar Farhadi (der 2011 mit einem Oscar ausgezeichnete Film Nader und Simin - Eine Trennung und der 2016 mit einem Oscar ausgezeichnete Streifen The Salesman - Forushande) und Jafar Panahi (Taxi Teheran, 2015, Drei Gesichter, 2018). Die erfolgreichsten mexikanischen Filmemacher sind Alfonso Cuarón (Oscar-Preisträger 2018: Roma) und Carlos Reygadas (Post Tenebras Lux von 2012 und Unsere Zeit von 2018). Unter den deutschen Filmen sind das Komödiendrama Toni Erdmann (2016) und die Filme Kreuzweg (2014), Werk ohne Autor (2018) und Systemsprenger (2019) besonders erwähnenswert, während zu den ungarischen Filmen das oscarprämierte Holocaust-Drama Son of Saul (2015) und das romantische Drama Körper und Seele (2017) gehören. Nicht zu vergessen sind der georgische Film Die Maisinsel (2014), der bulgarische Streifen Glory (2016), der norwegische Film Thelma (2017), der südkoreanische Streifen Burning (2018), der chilenische Oscar-Gewinner Eine fantastische Frau (2017), der kanadische Film Genesis (2018), der isländische Streifen Weißer weißer Tag (2019), der tschechische Film The Painted Bird (2019), das dänisch-schwedische Movie Königin (2019) und der norwegisch-schwedische Film Hope (2019).

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