Dokumentation - Genres

Allgemeine Merkmale von Dokumentarfilmen

Dokumentarfilme sind Filme, die die Realität einfangen und kreativ verarbeiten. Sie unterscheiden sich von Live-Action-Filmen oder sogar Animationsfilmen dadurch, dass sie die Realität abbilden. Der Dokumentarfilm ist also ein Genre der Sachliteratur, dessen Ursprung auf die gleiche Zeit wie die Entstehung des Kinos als solches zurückgeht, nämlich auf das Ende des 19. Jahrhunderts. Im Laufe der Jahre hat sich der Dokumentarfilm ständig weiterentwickelt und an die Entwicklung der Technologie und der Filmtechniken angepasst, wobei er stets die Gegenwart widerspiegelt, so dass die Geschichte des Dokumentarfilms auch eine Geschichte der Veränderungen in der menschlichen Gesellschaft ist. Darüber hinaus haben Dokumentarfilme eine erzieherische Funktion, da sie den Zuschauern Informationen über verschiedene Themen, Ereignisse und Ideen vermitteln und so ihren Horizont erweitern, und eine erzieherische Funktion, da sie den Zuschauern ermöglichen, Sensibilität und Empathie für die dargestellten Themen oder Menschenleben zu entwickeln. Die wichtige Aufgabe von Dokumentarfilmen besteht auch darin, dass sie wichtige Fragen aufwerfen und für künftige Generationen bewahren, Probleme der Welt aufzeigen, spezifische Aspekte der dokumentierten Fragen beleuchten und auch als eine Form von Zeugnis, Verkündigung oder Untersuchung dienen können.

Dokumentarfilme beruhen auf der Abbildung realer Ereignisse, die aus der Sicht des Autors des Dokumentarfilms dargestellt und gegebenenfalls durch authentische Zeugenaussagen oder erläuternde oder informative Kommentare ergänzt werden, die die das erfasste Geschehen nicht falsch interpretieren dürfen. Dokumentarfilme haben die Macht, die Ansichten der Menschen über bestimmte Themen und ihre Wahrnehmung der Welt zu beeinflussen, und die Dokumentarfilmer sind ethisch für den Inhalt ihrer Arbeit verantwortlich, die manipulativ oder propagandistisch werden kann, wenn ihre Objektivität gefährdet ist. Eine gewisse Verzerrung der Realität kann jedoch auch unbeabsichtigt auftreten, z. B. durch redaktionelle Bearbeitung, durch Herausreißen aus dem Kontext, durch unzureichende Berücksichtigung kultureller oder zeitgeschichtlicher Unterschiede oder durch das Vorhandensein einer Reihe unbeabsichtigter Interpretationen. Die Sicht des Filmemachers wird durch die Kamera repräsentiert, die nicht nur die Fähigkeit hat zu beobachten, sondern auch zu kommunizieren. Darüber hinaus kann das Bild von authentischen Geräuschen begleitet werden (bei Dokumentarfilmen wird der Ton in der Regel durch Berührung aufgenommen), was die Erfahrung des Gesehenen vertieft.

Arten und Untergattungen von Dokumentarfilmen

Die häufigste Form des Dokumentarfilms ist der so genannte erläuternde Dokumentarfilm, der dem Zuschauer Informationen und die Realität direkt vor Augen führt, indem er neben dem Bild auch die Stimme eines Erzählers verwendet. Häufig handelt es sich um Dokumentarfilme Themen aus der Geschichte, einem Krieg oder der Naturkunde. Bei einigen realen historischen Ereignissen (z. B. solchen, die im Nachhinein von der Gesellschaft verurteilt werden) enthält der Dokumentarfilm oft einen Hinweis auf die Position des Verfassers zu diesem Thema, wie z. B. bei Dokumentarfilmen, die sich mit dringenden Umweltfragen befassen. Bei der Beschreibung von Ereignissen, für die es kein zeitgenössisches Filmmaterial gibt, kann es durch eine fiktive dokumentarische Rekonstruktion ersetzt werden. In biografischen Dokumentarfilmen, die traditionell die Geschichte von Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens entschlüsseln, spielen zeitgenössische Aufzeichnungen eine wichtige Rolle, und der erzählende Kommentar kann auch durch Zeugenaussagen ersetzt oder ergänzt werden. Im Gegensatz dazu verzichten so genannte beobachtende Dokumentarfilme, bei denen das aufgenommene audiovisuelle Material als hinreichend aussagekräftig und selbsterklärend angesehen wird, um nicht von einer weiteren interpretierenden Stimme begleitet zu werden, die die Wahrnehmung des Films durch den Zuschauer unnötig stören würde, in der Regel auf einen narrativen Kommentar.

In den 1950er und 1960er Jahren erlebte die dokumentarische Archivierung eine Blütezeit. Amerikanische Filmemacher entwickelten die Methode des "Direct Cinema", die auf der Aufzeichnung eines laufenden Ereignisses einschließlich authentischer Zeugenaussagen mit minimalem Eingriff des Regisseurs beruhte, während sich in Europa die Bewegung des "Cinéma vérité" durchsetzte, die sich durch den Grad des Eingreifens des Dokumentarfilmers unterschied, der die Kamera und seinen eigenen Einfluss nutzte, um Diskussionssituationen anzuregen. In dieser Hinsicht liegt diese Art des Dokumentarfilms an der Grenze zum partizipatorischen Dokumentarfilm, bei dem der Autor des Dokumentarfilms sogar selbst in das festgehaltene Ereignis eingreifen und so zu dessen Hauptakteur werden kann - aber in einem solchen Fall geht es ihm in der Regel nicht mehr darum, die Realität objektiv zu erfassen, sondern sie emotional und nach seinen eigenen Überzeugungen abzubilden. Dazu gehören Dokumentarfilme, die aus der eigenen Perspektive gedreht wurden und in denen die Autoren zumeist persönlichere Themen behandeln, oder selbstreflexive Dokumentarfilme, in denen neben der Darstellung eines bestimmten Themas auch der Prozess des Drehens festgehalten wird. Zeitrafferdokumentationen hingegen konzentrieren sich meist auf die Beobachtung einer bestimmten Person (oder mehrerer Personen), deren reale Schicksale und Lebensveränderungen dann über einen längeren Zeitraum, in dem die Dreharbeiten stattfanden, dargestellt werden.

Aufnahmen von Sportereignissen, Musikkonzerten oder Filmaufnahmen, so genannte Filme über Filme, gelten ebenfalls als Dokumentarfilme. Naturgeschichtliche, soziale und kulturelle Themen werden in Reiseberichten kombiniert, die Einblicke in verschiedene exotische oder attraktive Reiseziele geben sollen. Einige der Dokumentarfilme haben eine ansprechende Funktion, andere dienen dem Protest oder der Meinungsäußerung, wieder andere decken verschiedene politische Vorgänge auf und dienen somit der Darstellung der schwierigen Ermittlungsarbeit einer Person. Manche Filmemacher betrachten Dokumentarfilme als poetisches Mittel, das eine neue Sicht auf die Welt vermittelt, und zwar nicht durch Haltungen und Meinungen, sondern durch ihre ästhetisch außergewöhnliche Aufbereitung, was sie zum Beispiel durch Kameraführung, Schnitt oder Animation erreichen. Im Gegensatz dazu betonen vor allem Fernsehdokumentationen eher den Informationsgehalt als die künstlerische Form und ähneln damit eher Reportagen und anderen journalistischen Arbeiten.

Darüber hinaus haben sich im Laufe der Jahre verschiedene hybride Formen des Dokumentarfilms entwickelt, deren Vertreter Fakten und Fiktion vermischen. Am häufigsten sind in dieser Hinsicht Doku-Filme, d. h. Dokumentarfilme, die gespielte oder inszenierte Passagen enthalten, und Doku-Dramen, die aus fiktiven Rekonstruktionen realer Ereignisse bestehen und mit dokumentarischen Techniken gedreht wurden. Eine besondere Kategorie sind die so genannten Mockumentaries (oder Doku-Komödien), die ebenfalls wie normale Dokumentarfilme gedreht werden, deren Inhalt aber völlig fiktiv, also erfunden ist. Auch die so genannten Pseudo-Dokumentarfilme basieren nicht auf der Realität, doch im Gegensatz zu den Mockumentaries sind sie in der Regel nicht zu komödiantischen Zwecken gemacht. Neben Pseudo-Dokumentarfilmen gibt es auch Mondo-Filme, ausbeuterische Dokumentarfilme, die sich mit verschiedenen schockierenden, tabuisierten und kontroversen Themen befassen, für die sich auch der Begriff "Schockumentarfilm" durchgesetzt hat. Der Begriff "Found Footage" wird für Spielfilme verwendet, die als echte Aufzeichnungen von Ereignissen präsentiert werden, die oft als Aufnahmen von Amateurfilmern oder Überwachungskameras ausgegeben und als solche gefilmt werden. Ihr Gegenstück sind die "Fake-Fiction"-Filme, die im Gegensatz dazu echtes dokumentarisches Material in Form eines Spielfilms präsentieren und dadurch authentisch wirken.

 

Die Brüder Lumière und andere frühe Dokumentarfilme der Stummfilmzeit

Fotografien waren der Vorläufer des Dokumentarfilms, und noch ältere Mittel zur Erfassung der Realität waren Gemälde, Skulpturen und andere Kunstwerke. Das Kinetoskop, ein Gerät, das die Betrachtung bewegter Bilder ermöglicht, wurde von Thomas Edison patentiert, dessen Erfindung der Filmkamera die Brüder Louis und Auguste Lumière, die ersten Filmregisseure, zur Entwicklung des Kinematographen inspirierte. Außerdem hatte ihre Filmausrüstung gegenüber Edisons Kamera den großen Vorteil, dass sie viel kleiner und leichter zu transportieren war. Zeitgleich mit der Erfindung des Kinematographen im Jahr 1895 wurde der Film, wie wir ihn heute kennen, geboren. Beide Brüder drehten auch Spielfilme, aber Dokumentarfilme dominierten eindeutig ihre Arbeit. Sie und ihre Kameraleute haben Dokumentarfilme in der ganzen Welt gedreht. All diese Dokumentarfilme waren etwa eine Minute lang und bestanden aus einer einzigen Einstellung. Die häufigsten Themen waren natürlich gewöhnliche Alltagstätigkeiten und verschiedene alltägliche und ungewöhnliche Situationen und Ereignisse - siehe zum Beispiel Ankunft eines Eisenbahnzuges (1895), Employees Leaving the Lumière Factory (1896) oder Demolition of a Wall (1896). Aber auch Dokumentarfilme, die in exotischen Ländern gedreht wurden, waren sehr beliebt, da sie von der dortigen Lebensweise Zeugnis ablegten.

Der allererste Spielfilm in der Geschichte des Kinos war zufällig ein Dokumentarfilm, ein Sportfilm mit dem Titel The Corbett-Fitzsimmons Fight (1897), der eine Aufzeichnung eines Boxkampfes war. Um die Jahrhundertwende wurde der Film nicht nur aus wissenschaftlichen Gründen eingesetzt, sondern auch, um echte chirurgische Eingriffe zu filmen. Dokumentarfilme haben das Kino von Anfang an mehr als ein Jahrzehnt lang dominiert, bevor sie von Spielfilmen anderer Genres mit fiktiven Plots überrollt wurden. Vor allem einfache Reiseberichte, die an verschiedenen Orten der Welt aufgenommen wurden, erfreuten sich großer Beliebtheit, und es entstanden die ersten biografischen Dokumentarfilme. Der Dokumentarfilm In the Land of the Head Hunters (1914), der bei den Ureinwohnern Nordamerikas spielt, und der Dokumentarfilm South (1919), der die damals erfolglose britische königliche Expedition durch die Antarktis zum Thema hat, ragen über das Niveau herkömmlicher Reiseberichte hinaus.

 

Die sowjetische Montageschule und andere Dokumentarfilme aus den 1920er Jahren

Einer der berühmtesten Dokumentarfilme der 1920er Jahre war der abendfüllende halbfiktive Dokumentarfilm Nanuk, der Eskimo (1922), dessen Regisseur, der Amerikaner Robert J. Flaherty, die Methode der Inszenierung vor der Kamera nutzte, um das dramatische Leben einer Inuit-Familie einschließlich des Baus von Iglus und der Walrossjagd darzustellen. Ähnlich exotisch waren die Filme Gras (1925), der das Schicksal eines persischen Stammes während seiner Wanderung schildert, Chang (1927), der das Schicksal einer thailändischen Eingeborenenfamilie erzählt, die im Dschungel lebt und gegen wilde Tiere kämpft, und ein weiteres Werk von Flaherty, Moana (1926), der wiederum das Schicksal von Eingeborenen im Pazifik zeigt. Flahertys Dokumentarfilme inspirierten in der Folge den schottischen Filmemacher und Produzenten John Grierson, der die Idee förderte, mit Hilfe von Dokumentarfilmen auf soziale Missstände hinzuweisen und der in den 1930er Jahren die britische Dokumentarfilm-Bewegung ins Leben rief, obwohl er selbst nur bei einem Film Regie führte - Drifters (1929), einem Dokumentarfilm über verschiedene Aspekte der Nordseefischerei. Der französische Regisseur Jean Epstein begann seine Dokumentationsreihe über die Bretagne mit Finis terrae (1929).

In der Sowjetunion dienten die Dokumentarfilme vor allem propagandistischen und didaktischen Zwecken, indem sie die Ereignisse der Russischen Revolution rekapitulierten, die menschliche Gesellschaft in ihren alltäglichen Abläufen darstellten und kommunistisches Gedankengut vermittelten. Die wichtigste Strömung des Filmemachens war damals die sowjetische Montageschule, die die Methode des Schneidens von Filmmaterial etablierte. So wurde beispielsweise der Dokumentarfilm Der Fall der Dynastie Romanow (1927) durch das Zusammenschneiden von Filmmaterial aus dem persönlichen Filmarchiv des russischen Zaren Nikolaus II. gedreht, und auch die Agitationsfilmreihe von Dziga Wertow mit dem Titel Kino-Pravda (1922-1925), die auf kreativ geschnittenem Material für Wochenschauen basierte, war in dieser Hinsicht von Bedeutung.

Berühmt wurde Wertow später durch seinen experimentellen Dokumentarfilm Der Mann mit der Kamera (1929), in dem er das Leben einer Stadt authentisch einfing, indem er die Methode des "Ertappens des Lebens auf frischer Tat" anwandte, die neue Möglichkeiten der Realitätswahrnehmung eröffnete, wobei die Kamera die Rolle eines "Kinoauges", einer Art dynamisch beweglichen mechanischen Auges, übernahm. Darüber hinaus wandte Wertow in seinem Kunstwerk eine Reihe technischer Tricks an, indem er Szenen aus dem Straßenverkehr mit Aufnahmen des Kameramanns bei der Arbeit vermischte und so die Entstehung des Films selbst thematisierte. Auch der deutsche Dokumentarfilmer Walter Ruttmann war in seinem Avantgardefilm Berlin: Die Sinfonie der Großstadt (1927) äußerst kreativ; er filmte ahnungslose Menschen mit einer versteckten Kamera. Thematisch ähnliche "Stadtsinfonien" entstanden jedoch zur gleichen Zeit auch anderswo in der Welt, z. B. in den USA (Manhatta, 1921), in Frankreich (Nothing But Time, 1926, Études sur Paris, 1928) oder in Brasilien (São Paulo, Sinfonia da Metrópole, 1929).

 

Propaganda und andere Dokumentarfilme in den 1930er und 1940er Jahren

Obwohl das Herannahen des Zweiten Weltkriegs in den 1930er Jahren wesentlich zur Entwicklung des Dokumentarfilms beitrug, entfernten sich die Dokumentarfilme auch von dem Konzept der objektiven Erfassung der Realität und wurden zu einem Instrument der Kriegspropaganda. Einer der berühmtesten Dokumentarfilme dieser Art war Leni Riefenstahls Der Sieg des Glaubens (1933) und vor allem Triumph des Willens (1935), der sich mit dem 6. Reichskongress der NSDAP befasste und Hitler und seine Naziführer als Helden darstellte und nach dem Krieg in vielen Ländern zur Zielscheibe der Kritik wurde. Noch umstrittener und kritisierter war der antisemitische Pseudodokumentarfilm Der ewige Jude (1940), der im Grunde eine Vorbereitung auf den Holocaust war, da er darauf abzielte, Angehörige des jüdischen Volkes zu verunglimpfen. Der Streifen Feldzug in Polen (1940) schildert den Verlauf des nationalsozialistischen Feldzugs in Polen und stellt die Polen als Aggressoren und Unterdrücker dar.

Auf der anderen Seite des Konflikts wurde in den USA während des Zweiten Weltkriegs eine Reihe von Kriegsdokumentationen unter der Regie von Frank Capra gedreht, beginnend mit Vorspiel zum Krieg (1942), der von der örtlichen Regierung finanziert und auch zu Propagandazwecken eingesetzt wurde. Regisseur William Wyler drehte den preisgekrönten Dokumentarfilm The Memphis Belle: A Story of a Flying Fortress (1944), in dem es um den berühmten Bomber mit dem Spitznamen "Die Schöne aus Memphis" geht, der 1942 und 1943 über Deutschland flog. John Hustons Anti-Kriegs-Dokumentarfilm Let There Be Light (1946) über Soldaten, die an einer posttraumatischen Belastungsstörung leiden, wurde dagegen wegen seines Inhalts vom Militär beschlagnahmt und erst in den 1980er Jahren freigegeben.

Im Vereinigten Königreich kam es in den 1930er Jahren zur Gründung der Royal Film Society und zur Entstehung der britischen Dokumentarfilm-Bewegung, die sich mit sozialen Fragen befasste und dafür eintrat, dass Dokumentarfilme einen sozialen Auftrag erfüllen sollten. Neben dem bereits erwähnten John Grierson gehörten zu seinen Hauptdarstellern Filmemacher wie Basil Wright (Night Mail, 1936), Alberto Cavalcanti (Mastery of the Sea, 1940), Harry Watt (Target for Tonight, 1941) und Humphrey Jennings (Fires Were Started, 1943). Der Streifen Coal Face (1935) gab einen Einblick in das Leben der Bergleute und die Struktur der britischen Bergbauindustrie, Housing Problems (1935) war ein Dokumentarfilm über die entsetzlichen Lebensbedingungen der Menschen in den Londoner Slums, und Filme wie London Can Take It! (1940) oder Listen to Britain (1942) erzählten von den Folgen des Krieges für die einfachen Menschen. Der oscarprämierte Dokumentarfilm Desert Victory (1943) befasste sich mit den Kriegshandlungen in Nordafrika, und Calling Mr. Smith (1943) wiederum war einer der ersten Anti-Nazi-Propaganda-Filme.

In den USA haben viele Dokumentarfilme das Leben während der Großen Weltwirtschaftskrise, Umweltprobleme und andere soziale Phänomene zum Thema. Besonders erwähnenswert sind in diesem Zusammenhang Der Pflug (1936), in dem die Veränderung der Landschaft durch die landwirtschaftliche Tätigkeit des Menschen aufgezeigt wurde, The River (1938), in dem die Auswirkungen der Bodenerosion im Einzugsgebiet des Mississippi thematisiert wurden, und The City (1939), in dem es um die Entwicklung der amerikanischen Städte ging. Der belgische Dokumentarfilm Misery in the Borinage (1933) schildert die Ausbeutung von Arbeitern in einem belgischen Kohlebergwerk, während der amerikanische Film The Spanish Earth (1937) den laufenden spanischen Bürgerkrieg zum Thema hat. Regisseur Robert J. Flaherty kehrte mit Die Männer von Aran (1934), der Fischer bei der Arbeit vor der irischen Küste zeigt, und Louisiana-Legende (1948), der im ländlichen Louisiana spielt, zu seiner inszenierten dokumentarischen Methode zurück. Der spanische Regisseur Luis Buñuel beendete seine frühe Schaffensperiode mit Land Without Bread (1933), einem surrealen Dokumentarfilm über eine verarmte Region Spaniens, und Leni Riefenstahl feierte einen Erfolg mit der zweiteiligen Dokumentarfilmserie bestehend aus Olympia 1. Teil - Fest der Völker (1938) und Olympia 2. Teil: Fest der Schönheit (1938), in der sie die Olympischen Spiele 1936 in Berlin einfing. Nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs verstummte das Dokumentarfilmschaffen im Westen jedoch für eine Weile, weil es zu eng mit der Propaganda verbunden war, außerdem bekam es allmählich durch TV-Dokumentationen Konkurrenz.

 

Cinéma verité und andere dokumentarische Bewegungen

Die Produktion von Dokumentarfilmen wurde durch den technischen Fortschritt in den 1950er Jahren erheblich erleichtert: Die Verwendung von tragbaren Tonbandgeräten ermöglichte es, den Ton gleichzeitig mit dem Bild aufzunehmen, und leichtere Kameras machten es möglich, mit einem viel kleineren Team zu filmen. Darüber hinaus wurden ab den 1950er Jahren vermehrt Fernsehdokumentationen produziert, was zur Entwicklung verschiedener dokumentarischer Subgenres beitrug, vor allem naturkundlicher, historischer und biografischer Dokumentationen, die keine allzu hohen Anforderungen an die künstlerische Bearbeitung stellten. Die Veränderungen in den Prozessen des Dokumentarfilms führten auch zu dem Wunsch, neue Bereiche des filmischen Realismus zu erforschen, was zur Gründung verschiedener Dokumentarfilm-Bewegungen in der ganzen Welt führte. In Frankreich war es das Cinéma vérité, in den USA das Direct Cinema und im Vereinigten Königreich das Free Cinema oder auch die "Freie Kinematografie". Die letztgenannte Richtung bestand hauptsächlich in der Produktion von kurzen Dokumentarfilmen, die sich mit dem Leben von Arbeitern und den Bewohnern von Arbeitervierteln befassten. Die wichtigsten Vertreter dieser Strömung waren unter anderem die Regisseure Karel Reisz (We Are the Lambeth Boys, 1959) und Lindsay Anderson (die oscarprämierten Filme Thursday's Children, 1955 und Täglich, außer Weihnachten, 1957).

In Frankreich machte sich Regisseur Alain Resnais mit mehreren kurzen Dokumentarfilmen einen Namen, darunter den biografischen Filmen Van Gogh (1948) und Paul Gauguin (1950), Guernica (1950) und Alles Gedächtnis der Welt (1956) sowie Nacht und Nebel (1956), einer Dokumentation über die Konzentrationslager der Nazis. Ein weiterer bemerkenswerter Kurzdokumentarfilm ist Das Blut der Tiere (1949) von Georges Franju, der das Thema des Schlachtens von Tieren in Schlachthöfen mit Aufnahmen aus dem Pariser Alltag verband. Die Begründer der Methode des Cinéma vérité waren jedoch die Dokumentarfilmer Edgar Morin und Jean Rouch, die versuchten, in die Fußstapfen von Dziga Wertow und seinem "Kino der Wahrheit" zu treten. Ihr Dokumentarfilm Chronicle of a Summer (1961), in dem sie im Rahmen einer soziologischen Untersuchung Menschen auf der Straße ansprachen, wurde zu einem Manifest des Cinéma vérité und war der erste französische Spielfilm mit Kontaktton überhaupt. Andere Regisseure, die mit dieser Bewegung in Verbindung gebracht werden, sind Chris Marker (Der schöne Mai, 1963), Mario Ruspoli (Strangers of the Earth, 1961) und Marcel Ophüls (Zorn und Mitleid, ein vierstündiger Dokumentarfilm über Frankreich während der Besetzung durch die Nationalsozialisten, 1969).

In den frühen 1960er Jahren entstand auch die amerikanische Direct-Cinema-Bewegung, die sich vom Cinéma vérité dadurch unterscheidet, dass die Filmemacher nicht in den Filmprozess eingreifen. Zu den Gründern gehörten die Regisseure Robert Drew (Primary, 1960), Richard Leacock (Happy Mother's Day, 1963) und die Brüder Albert und David Maysles (Salesman, 1969). Zu den weiteren Hauptvertretern gehören die Dokumentarfilmer D.A. Pennebaker, dessen Film über den Backstage-Bereich von Bob Dylans britischer Konzerttournee Dont look back (1967) die Popularität von Musikdokumentationen begründete, und Frederick Wiseman, der mehrere seiner Filme in staatlichen Einrichtungen drehte, unter anderem in einer Nervenheilanstalt (Titicut Follies, 1967), einer High School (High School, 1968), einem New Yorker Krankenhaus (Hospital, 1970), einem Jugendgericht (Juvenile Court, 1973) und einer Wohlfahrtseinrichtung (Welfare, 1975). Die Methode des Direct Cinema wurde auch von einigen kanadischen Dokumentarfilmemachern wie Michel Brault (The Snowshoers, 1958), Pierre Perrault (For Those Who Will Follow, 1962) und Allan King (A Married Couple, 1969) verwendet.

 

Weitere bemerkenswerte Dokumentarfilme aus den 50er und 60er Jahren

Der Dokumentarfilm Four Days in November (1964) schildert anhand zahlreicher Nachrichten- und anderer Videomaterialien detailliert die Umstände der Ermordung von Präsident John F. Kennedy, während der oscarprämierte Dokumentarfilm The Eleanor Roosevelt Story (1965) sich mit der Persönlichkeit der Frau von Präsident Roosevelt befasste. Der sowjetische Dokumentarfilm Der gewöhnliche Faschismus (1965) zeigte am Beispiel des faschistischen Regimes die Gefahren des Entstehens totalitärer Ideologien auf. Völlig außergewöhnlich wirkte ein soziologisches Experiment des britischen Fernsehens namens Seven Up! (1964), dessen Ziel es war, vierzehn siebenjährige Kinder aus unterschiedlichen sozioökonomischen Verhältnissen zu beobachten und dann alle sieben Jahre auf ihr Schicksal zurückzukommen. Der erste Film dieser Zeitraffer-Dokumentationsreihe wurde von dem Filmemacher Paul Almond in Zusammenarbeit mit dem aufstrebenden Filmemacher Michael Apted gedreht, der selbst weitere Episoden in den Jahren 1970 (Seven Plus Seven), 1977 (21 Up), 1985 (28 Up), 1991 (35 Up), 1998 (42 Up), 2005 (49 Up), 2012 (56 Up) und 2019 (63 Up) drehte.

Mehrere naturkundliche Filme waren erfolgreich, zunächst der amerikanische Dokumentarfilm Die Wüste lebt (1953), der für seine Darstellung der Tierwelt in den Wüstenregionen des amerikanischen Südwestens einen Oscar erhielt, und dann der mit einem Oscar ausgezeichnete französische Film Die schweigende Welt (1956), der unter der Regie des berühmten Ozeanographen Jacques-Yves Cousteau entstand und das vielfältige Leben im Meer zum Thema hatte. Darüber hinaus versuchten Dokumentarfilme wie Abenteuer im roten Meer (1951) und Unternehmen Xarifa (1954) des österreichischen Filmemachers Hans Hass, die Unterwasserwelt zu kartieren. Die Sportdokumentation The Endless Summer (1966) wurde zu einem Phänomen, denn sie verfolgte die Abenteuer zweier Surfer und veränderte de facto den Blick der Gesellschaft auf die bis dahin missverstandene Gemeinschaft der Surfer.

In Italien entstand in den 1960er Jahren der Begriff "Mondo film" für Exploitation-Dokumentarfilme mit schockierendem, tabuisierendem und generell kontroversem Inhalt. Mit der Absicht zu schocken war Mondo Cane (1962) der erste Film, der dem Subgenre seinen Namen gab, gefolgt von Filmen wie Alle Frauen dieser Welt (1963), Taboos of the World (1963), Africa Addio (1966), dem amerikanischen Film Mondo Topless (1966) und dem späteren deutschen Streifen Shocking Asia - Sünde, Sex und Sukiyaki (1976). Ein heikles Thema wählte auch der Regisseur Pier Paolo Pasolini für seinen Dokumentarfilm Pasolinis Gastmahl der Liebe (1964), in dem er auf einer Reise durch Italien die menschliche Intimität und Sexualität untersuchte.

 

Dokumentarfilme über Musik und Politik an der Wende der 60er und 70er Jahre

Nach dem Film Dont Look Back von Regisseur D.A. Pennebakers wurden Musikdokumentationen zu einem Phänomen, das Pennebaker selbst mit seinem nachfolgenden Film Monterey Pop (1968), einem Querschnitt durch ein dreitägiges internationales Musikfestival, das 1967 in Kalifornien stattfand, anheizte. 1970 war ein außergewöhnliches Jahr für Musikdokumentationen: Gimme Shelter, gedreht während des tragischen Konzerts der Rolling Stones, bei dem ein Fan erstochen wurde, und Let It Be wurden gedreht, über die Beatles am Ende ihrer Existenz, Elvis, über Elvis Presleys vierwöchigen Aufenthalt in einem Hotel in Las Vegas, und der dreistündige Oscar-Gewinner Woodstock, der für die Dokumentation eines der größten Rock-Events der Geschichte ausgezeichnet wurde. Jean-Luc Godards Musical The Rolling Stones - Sympathy for the Devil (1968), bewegt sich an der Grenze zwischen Dokumentation und Fiktion, der Dokumentarfilm Elvis Presley: On Tour (1972) begleitete den King of Rock 'n' Roll auf seiner Konzerttournee und Imagine - Der Film (1972) wurde von John Lennon und Yoko Ono über sich selbst und ihre Songs gedreht. Das musikalische Doku-Drama Jimi Hendrix - Rainbow Bridge (1972) analysierte den Lebensstil der Hippies vor dem Hintergrund von Hendrix' Konzert auf Hawaii, Janis - The Way She Was (1974) kombinierte verschiedene musikalische Darbietungen von Janis Joplin mit authentischen Berichten über ihr Leben, und der spätere Film The Last Waltz (1978) unter der Regie von Martin Scorsese wurde nicht nur zu einer Aufzeichnung des letzten Konzerts von The Band, sondern auch zu einem Porträt der Rockszene der 1970er Jahre.

Gleichzeitig haben sich seit der zweiten Hälfte der 1960er Jahre viele Dokumentarfilme mit kontroversen politischen Themen befasst, indem sie grundlegende soziale Phänomene untersuchten und so zu kritischen Instrumenten wurden, um bestimmte Ansichten und Meinungen zu vertreten. An der Produktion von Far from Vietnam (1967), einem Dokumentarfilm, der gegen die amerikanische Intervention im Vietnamkrieg protestiert, waren mehrere berühmte Regisseure beteiligt, und auch In the Year of the Pig (1968) und Hearts and Minds (1974) befassten sich mit demselben Thema. Viele Dokumentarfilmer wurden von Die Stunde der Hochöfen (1968) beeinflusst, einem argentinischen Film in drei Teilen und mit insgesamt mehr als vier Stunden Länge, der Kapitalismus, Neokolonialismus und das damalige argentinische Militärregime kritisierte und zu Freiheit und Revolution aufrief. Der japanische Dokumentarfilm Minamata: The Victims and Their World (1972) befasste sich mit der Affäre um ein Industrieunternehmen, das durch die Einleitung von Abfällen in die umliegenden Gewässer eine Umweltkatastrophe, zahlreiche Krankheiten und den Tod Dutzender Menschen verursachte.

 

Weitere wichtige Dokumentarfilme aus den 1970er Jahren

Im Rahmen der Direct-Cinema-Bewegung drehten die Brüder Albert und David Maysles in Zusammenarbeit mit anderen Filmemachern Grey Gardens (1975), einen Dokumentarfilm über die enge Beziehung zwischen zwei Frauen, Mutter und Tochter, aus der Familie von Jackie Kennedy. Die Regisseurin Barbara Kopple verwendete dieselbe Beobachtungsmethode in ihrem oscarprämierten Dokumentarfilm Harlan County, U.S.A. (1976), in dem es um einen mehr als ein Jahr dauernden Bergarbeiterstreik in Kentucky ging. Der deutsche Regisseur Werner Herzog beschäftigte sich in Land des Schweigens und der Dunkelheit (1971) mit dem Leben von Taubblinden, Martin Scorsese erzählte in Italianamerican (1974) die Geschichte seiner Familie und der italienischen Gemeinschaft in New York, und Orson Welles beschäftigte sich in F wie Fälschung (1974) mit Betrug und Fälschungen in der Kunst. Der Dokumentarfilm The California Reich (1975) befasste sich mit neonazistischen Gruppen, die in verschiedenen kalifornischen Städten operierten, während Deutschland im Herbst (1978) die Atmosphäre in Westdeutschland nach den RAF-Anschlägen schilderte. Biografische Dokumentarfilme haben sich auch mit kontroversen Persönlichkeiten wie dem ugandischen Präsidenten Idi Amin Dada (Idi Amin Dada, 1974) und Adolf Hitler (Hitler - eine Karriere, 1977) auseinandergesetzt.

Sportdokumentationen fanden zum Beispiel bei den Olympischen Spielen 1972 in München (Olympiade München 1972, 1973), im Bodybuilding, angeführt von dem mehrfachen Champion und aufstrebenden Schauspieler Arnold Schwarzenegger (Pumping Iron, 1977) oder im Formel-Rennsport mit seinen Risiken für die Fahrer (Speed Fever, 1978) geeignete Themen. Die britische Kompilationsdokumentation Bruder, hast Du 'nen Groschen für mich? (1975) bestand aus historischem Filmmaterial, das die Große Wirtschaftskrise der 1930er Jahre zeigt, die geschnittene Dokumentation Das gibt's nie wieder (1974) und ihre Fortsetzung That's Entertainment, Part II (1976) wiederum dienten als Wegweiser durch die Welt der Hollywood-Musicals. Die lustige Welt der Tiere (1974), ein komödiantischer südafrikanischer Naturdokumentarfilm, zeichnete sich durch die Darstellung von Tieren bei unkonventionellen Aktivitäten und den Vergleich ihres Verhaltens mit dem des Menschen aus.

 

Errol Morris, Godfrey Reggio und Dokumentarfilme aus den 80er Jahren

Errol Morris, der sein Regiedebüt mit Pforten des Himmels (1978) gab, einem Dokumentarfilm über die Verlegung eines stillgelegten Tierfriedhofs an einen neuen Ort, wurde zu einer wichtigen Figur in der Dokumentarfilmszene der 1980er Jahre. Sein nächster Film, Vernon, Florida (1981), war ein Porträt der schrulligen Bewohner einer Kleinstadt in Florida. Sein berühmtestes Werk war jedoch der Enthüllungsfilm Der Fall Randall Adams (1988), der in der Praxis die Macht und die Auswirkungen des Dokumentarfilms auf das reale menschliche Leben demonstrierte. Darin ging es um eine Untersuchung des Mordes an einem Polizeibeamten im Jahr 1976, bei der Morris eine Kombination aus Interviews und fiktiven Rekonstruktionen einsetzte, um eine Reihe von Unklarheiten in dem Fall aufzuzeigen und schließlich dazu beizutragen, einen zu Unrecht verurteilten Mann vor der Todesstrafe zu bewahren und ihn anschließend aus dem Gefängnis zu befreien. Ein großes soziokulturelles Phänomen war der mehr als neunstündige Dokumentarfilmkoloss Shoah (1985) von Regisseur Claude Lanzmann, der einen einzigartigen und umfassenden Einblick in den Holocaust bot und ausschließlich aus Aussagen von Augenzeugen und Überlebenden von Konzentrationslagern bestand. Ein weiterer wichtiger Dokumentarfilm war Atomic Café (1982), der die Auswirkungen der Atombombe auf die menschliche Gesellschaft untersuchte, beginnend mit dem ersten Atomtest im Jahr 1945.

Auch der Dokumentarfilmer Godfrey Reggio etablierte seinen unverwechselbaren Stil, zunächst in seiner meditativen Bildcollage Koyaanisqatsi (1982), in der er sich wortlos zur menschlichen Existenz in einer technokratischen Gesellschaft äußerte, und später in Powaqqatsi (1988), der das Leben in Entwicklungsländern und die Überreste indigener Kulturen zum Thema hatte. Später schloss er seine Zivilisationstrilogie mit Naqoyqatsi (2002) ab, in dem er die grundlegenden Probleme der modernen Welt aufzeigte, in der der Mensch zunehmend auf seine eigene Auslöschung zusteuert. Auch sein kurzer Dokumentarfilm Anima Mundi (1992), in dem er die Schönheit der vom Menschen bedrohten Natur erkundet, verdient Beachtung.

Der Musikdokumentarfilm The Decline of Western Civilization (1981) befasste sich mit der Punk-Szene in Los Angeles, während Stop Making Sense (1984) ein Konzertfilm über einen Auftritt der Band Talking Heads war, und der Film 101 - Depeche Mode (1989) hielt Depeche Mode auf dem Höhepunkt ihrer Karriere fest. Der Dokumentarfilm Burden of Dreams (1982) handelt von den Dreharbeiten zum Werner Herzogs Film Fitzcarraldo. Der biografische Dokumentarfilm Wer war Harvey Milk? (1984) über den ersten offen schwulen Politiker in der Geschichte Kaliforniens errang einen Oscar, ebenso wie der Dokumentarfilm Hotel Terminus: Leben und Zeit von Klaus Barbie (1988), dieser war ein Porträt des Nazi-Kriegsverbrechers Klaus Barbie, der als "Schlächter von Lyon" bekannt wurde, und Let's Get Lost (1988) befasste sich mit dem Jazz-Trompeter Chat Baker. Darüber hinaus wurden zahlreiche weitere biografische Dokumentarfilme gedreht, darunter Bruce Lee - die Legende (1984), Antonio Gaudí (1984), Marilyn Monroe: Jenseits der Legende (1987), Imagine - John Lennon (1988) oder Directed by Andrei Tarkowsky (1988). Erwähnenswert sind auch zwei bemerkenswerte Mockumentaries - ein biografischer Dokumentarfilm über den fiktiven Mann Zelig (1983) und ein Musikdokumentarfilm über die nicht existierende Hard-Rock-Band This Is Spinal Tap (1984). Der umstrittene italienische Horrorfilm Nackt und zerfleischt (1980), in dem sich eine Gruppe von Filmemachern in den Amazonas begab, um einen Stamm kannibalischer Eingeborener zu filmen, wurde ebenfalls als Dokumentarfilm ausgegeben; die Filmemacher sollen am Ende des Films von Mitgliedern des Stammes getötet und verspeist worden sein.

 

Werner Herzog, Ulrich Seidl und der Dokumentarfilm der 90er Jahre

Die Regisseurin Barbara Kopple, deren Filmdebüt American Dream (1990) mit einem Oscar ausgezeichnet wurde, kehrte nach vielen Jahren zum Dokumentarfilm und zum Thema streikende Arbeiter zurück. Unter ihren anderen Filmen ist der Dokumentarfilm Wild Man Blues (1997) über die Europatournee der Jazzband von Woody Allen zu erwähnen, der einige Jahre zuvor eine schwierige Phase in seinem Leben durchgemacht hatte. Auch Wim Wenders' Buena Vista Social Club (1999) ist ein Musikdokumentarfilm, dessen Protagonisten kubanische Musiker sind. Jennie Livingstons Dokumentarfilm Paris brennt (1990) war eine Untersuchung der Partys in der LGBTQ-Gemeinschaft, während Gefangen in der Traumfabrik – The Celluloid Closet (1995) von der Geschichte der Darstellung von Homosexualität in Hollywood erzählte. Der Streifen Waco: The Rules of Engagement (1997) enthüllte eine Untersuchung der Affäre um das Vorgehen der US-Strafverfolgungsbehörden gegen Mitglieder einer religiösen Sekte, bei der mehrere Dutzend Menschen während einer fast zweimonatigen Belagerung ihres Hauptquartiers getötet wurden. Der Dokumentarfilm Die Kommandozentrale (1993) drehte sich um Bill Clintons Präsidentschaftswahlkampf, Spike Lees Vier kleine Mädchen (1997) bezog sich auf den Bombenanschlag auf eine Kirche für Afroamerikaner in Alabama im Jahr 1963, bei dem vier Mädchen getötet wurden, und der mit einem Oscar ausgezeichnete Dokumentarfilm Ein Tag im September (1999) thematisierte die Aktionen einer palästinensischen Terrorgruppe während der Olympischen Spiele in München.

Der deutsche Filmemacher Werner Herzog setzte sein dokumentarisches Werk unter anderem mit Lektionen in Finsternis (1992) fort, einem filmischen Essay über das Thema der Zerstörung im Menschen und in der Welt, Flucht aus Laos (1997), der Geschichte eines deutschen Fliegers der US-Armee, dem während des Vietnamkriegs die Flucht aus feindlicher Gefangenschaft gelingt, und Mein liebster Feind - Klaus Kinski (1999), einer Reflexion über seine eigene komplizierte Arbeitsbeziehung mit seinem Hofschauspieler Klaus Kinski. Der österreichische Dokumentarfilmer Ulrich Seidl inszenierte das Dokudrama über eine grenzwertige Liebe Mit Verlust ist zu rechnen (1992) und fand dann mit dem Dokumentarfilm Tierische Liebe (1996), dessen Protagonisten echte Tierliebhaber waren, zur Methode, besondere Menschen mit besonderen Vorlieben zu filmen. Dušan Hanáks Schnittdokumentarfilm Paper Heads (1995) behandelte die politische Situation in der Tschechoslowakei zwischen 1945 und 1989, während die Atmosphäre kurz nach der Samtenen Revolution und anschließend nach dem Zusammenbruch der Tschechoslowakei von dem Dokumentarfilmer Karel Vachek in seinen philosophisch-soziologischen Essays New Hyperion or Liberty, Equality, Brotherhood (1992) und What Is To Be Done (1996) eingefangen wurde. In Frankreich waren Naturdokumentationen erfolgreich - Regisseur Luc Besson begeisterte mit seinem Abtauchen in die Unterwasserwelt in Atlantis (1991), danach kam der erfolgreiche Dokumentarfilm Mikrokosmos - Das Volk der Gräser (1996), dessen Autoren Marie Pérennou und Claude Nuridsany eine Spezialkamera für Nahaufnahmen von Insekten und Kleintieren entwickelten.

Biografische Dokumentarfilme befassten sich mit Persönlichkeiten wie u. a. der Sängerin Madonna (In Bed with Madonna, 1991), dem Wissenschaftler Stephen Hawking (Eine kurze Geschichte der Zeit, 1991), dem Schauspieler Bruce Lee (Bruce Lee - Der Fluch des Drachens, 1993), dem Comiczeichner Robert Crumb (Crumb, 1994) und dem Boxer Muhammad Ali (oscarprämiert When We Were Kings - Einst waren wir Könige, 1996). Der ausgesprochen visuelle Dokumentarfilm Baraka (1992) war eine wortlose Pilgerreise durch verschiedene Kulturen und Zivilisationen, der Sportdokumentarfilm Hoop Dreams (1994) begleitete zwei afroamerikanische High-School-Schüler über sechs Jahre hinweg bis zu ihrer steilen Karriere in der berühmten Basketball-Liga, und der kanadische Film Grass (1999) erforschte die Geschichte des Marihuana-Konsums in den USA und die Bemühungen der Regierung, ihn zu regulieren. Der Dokumentarfilm Ins Herz der Finsternis (1991) zeichnete die problematischen Dreharbeiten zu Francis Ford Coppolas Kriegsfilm Apocalypse Now und Beyond 'JFK': The Question of Conspiracy (1992) wiederum konzentrierte sich auf die Entstehung von Oliver Stones Drama JFK.

In dem vierstündigen Dokumentarfilm Scorseses Reise durch den amerikanischen Film (1995) bot der berühmte Regisseur einen kommentierten Querschnitt durch ikonische Werke des Hollywood-Kinos. Der Dokumentarfilm Trekkies (1997) gab einen Einblick in die Star-Trek-Fangemeinde, und auch der Dokumentarfilm American Movie (1999) über einen Filmliebhaber, der versucht, seinen Amateur-Horrorfilm fertigzustellen und den Durchbruch als unabhängiger Filmemacher zu schaffen, war ein Erfolg. Erwähnenswert ist auch die belgische Mockumentary Mann beißt Hund (1992), in der ein Dokumentarfilmteam einen Serienmörder bei seinem blutigen Amoklauf beobachtet und filmt. Der Film Blair Witch Project (1999) wurde ebenfalls als Dokumentarfilm gedreht und zum Zeitpunkt seiner Veröffentlichung als authentische Kameraaufnahmen mehrerer Studenten dargestellt, die sich unter seltsamen Umständen in den Wäldern verirrt hatten.

Das Ende der 1990er Jahre und der Beginn des neuen Jahrtausends wurden für das Dokumentarfilmschaffen (oder das Filmemachen im Allgemeinen) von drei wichtigen Aspekten begleitet: der weit verbreiteten Nutzung des Internets, dem Einzug digitaler Technologien in die Filmwelt und den sinkenden Preisen für Handkameras. Dank dieser drei Faktoren wurden die Möglichkeiten, Filme und insbesondere Dokumentarfilme zu drehen, einer viel größeren Anzahl von Filmemachern eröffnet, die ihre eigenen Filme mit ihrer eigenen Ausrüstung drehen und bearbeiten konnten. Die Zahl der Dokumentarfilme mit persönlichen Geschichten, in denen die Autoren sich selbst oder ihre Angehörigen porträtieren, nahm zu. Außerdem gab es nach der Jahrtausendwende einen sprunghaften Anstieg bei der Anzahl der Dokumentarfilme, die in den Kinos einen noch nie dagewesenen Kassenerfolg erzielten und deren Einnahmen in vielen Fällen durch die Veröffentlichung auf DVD noch gesteigert wurden.

 

Michael Moore und andere Dokumentarfilmemacher des neuen Jahrtausends

Michael Moore, ein unabhängiger Filmemacher, der sich mit den Unzulänglichkeiten der amerikanischen Wirtschaft, der Politik und sozialen Missständen auseinandersetzte, wurde gleich zu Beginn des neuen Jahrtausends zu einem bekannten Gesicht des amerikanischen Dokumentarfilms. In seinen Dokumentarfilmen spielte er oft die Rolle des Protagonisten und eine Art engagierten Anführers, der nicht zögerte, eine Reihe von Manipulationen und Irreführungen vorzunehmen, wenn er seine Ansichten zum Ausdruck brachte und versuche, die öffentliche Meinung auch durch Humor und unterschwellige Botschaften auf seine Seite zu ziehen. Sein Debüt hatte er bereits 1989 mit dem sehr erfolgreichen Film Roger & Me (1989) gegeben, in dem er die Massenentlassungen in einer Autofabrik verarbeitete, die den wirtschaftlichen Zusammenbruch seiner Heimatstadt verursachten. Auch in dem Dokumentarfilm Der grosse Macher (1997) und in dem späteren Streifen Kapitalismus: Eine Liebesgeschichte (2009) ging er auf die Misshandlung von Arbeitnehmern in multinationalen Unternehmen ein.

Michael Moore erzielte einen beachtlichen Erfolg, als er einen Oscar für Bowling for Columbine (2002) gewann, dessen Titel sich auf das Massaker an der Columbine High School bezog und in dem Moore den amerikanischen Waffenmarkt aufs Korn nahm. Sein Film Fahrenheit 9/11 (2004), der zum umsatzstärksten Dokumentarfilm der Kinogeschichte avancierte, war umstritten und wurde gedreht, um US-Präsident George W. Bush im Vorfeld der Wahlen zu diskreditieren und ihm eine Reihe von Vergehen zur Last zu legen, die er vor und nach dem 11. September 2001 begangen haben sollte. Danach arbeitete Moore mit der öffentlichen Meinung vor der Wahl und während der Dreharbeiten zu dem Dokumentarfilm Captain Mike Across America (2007). Moores nächster Film, Sicko (2007), befasste sich mit Fragen des amerikanischen Gesundheitswesens; in Where to Invade Next (2015) verglich Moore die USA mit verschiedenen europäischen Ländern; und in Fahrenheit 11/9 (2018) lehnte er sich erneut an die Präsidentschaftswahlen an, dieses Mal mit dem Kandidaten Donald Trump an der Spitze.

Ein weiterer bemerkenswerter Sportdokumentarfilmer war Stacy Peralta, der mit Dogtown and Z-Boys (2001), einem Dokumentarfilm über Skateboarder, und Riding Giants (2004) auf sich aufmerksam machte, bevor er mit Bones Brigade: Eine Autobiographie (2012) zum Thema Skateboard zurückkehrte. In Crips und Bloods: Made in America (2008) konzentrierte er sich auf zwei schwarze Gangs in Los Angeles. Als Dokumentarfilmer populär wurde auch Morgan Spurlock, dessen Filmexperiment Super Size Me (2004), in dem er die Fettleibigkeit in den USA aufs Korn nahm und einen Monat lang ausschließlich in Fastfood-Restaurants aß, zu einem gesellschaftlichen Phänomen wurde. Spurlock trat dann auch in seinen anderen Dokumentarfilmen Where in the World Is Osama Bin Laden? (2008), The Greatest Movie Ever Sold (2011), Mansome (2012) und später in Super Size Me 2: Heiliges Kanonenrohr! (2017) auf.

Der berühmte Dokumentarfilmer Errol Morris, der für The Fog of War (2003) einen Oscar gewann, erlebte ebenfalls einen Karrieresprung : Dieser Film wurde als Bekenntnis eines ehemaligen US-Verteidigungsministers konzipiert, der dieses Amt während des Vietnamkriegs innehatte. Morris wiederholte dieses Modell später in dem Dokumentarfilm The Unknown Known - Die Agenda des Donald Rumsfeld (2013), dessen Protagonist wiederum der ehemalige Verteidigungsminister war, als die US-Militäroperationen in Afghanistan und im Irak begannen. Zuvor hatte Morris jedoch einen Dokumentarfilm über die unmenschlichen Praktiken in Bagdads Gefängnis für politische Gefangene gedreht, Standard Vorgehensweise (2008), und dann Tabloid (2010), in dem er den kuriosen Fall einer ehemaligen Schönheitskönigin behandelte, die in den 1970er Jahren zur Entführerin wurde. Regisseur Werner Herzog erweiterte sein Portfolio mit Grizzly Man (2005), der Geschichte eines Umweltschützers, der jahrelang unter Bären lebte, und Begegnungen am Ende der Welt (2007), der sich auf das Leben von Forschern konzentriert, die in der rauen Umgebung der Antarktis arbeiten.

Die tschechische Regisseurin Helena Třeštíková wurde zur Agitatorin für den Zeitraffer-Dokumentarfilm und filmte im Rahmen ihrer Methode über mehrere Jahre hinweg kontinuierlich die Schicksale verschiedener Menschen, woraus die Dokumentarfilme Marcela (2006), René (2008) und Katka (2009), später auch Mallory (2015) und The Strnads (2017) entstanden. In seiner vierteiligen Dokumentarserie Zapomenuté transporty (2007-2010) erforschte der Historiker Lukáš Přibyl die weniger bekannten Transfers deportierter Juden in Konzentrationslager und Ghettos in Lettland, Estland, Belarus und Polen. Der slowakische Dokumentarfilmer Pavol Barabáš hat sich mit seinen Filmen Mysterious Mamberano (2000), OMO - A Journey to the Primaeval Age (2002), Amazonia Vertical (2004) und Dutzenden von anderen Filmen einen Namen auf dem Gebiet der Reiseberichte gemacht.

 

Andere wichtige Dokumentarfilme nach 2000

Die Themen der verschiedenen Dokumentarfilme reichten vom Völkermord in Ruanda (The Last Just Man, 2002) über die Kritik an multinationalen Unternehmen (The Corporation, 2003) bis hin zu einem Fall von sexuellem Missbrauch Minderjähriger (Capturing the Friedmans, 2003) und den Missbrauch und die Tötung von Tieren für Zwecke des Menschen (Earthlings, 2005) bis hin zum Aufstieg der Kokainmafia in Miami (Cocaine Cowboys, 2006), der US-Invasion im Irak (No End in Sight, 2007) und den regierungskritischen Demonstrationen in Birma (Burma VJ: Reporting from a Closed Country, 2008). Der Dokumentarfilm Darwins Alptraum (2004) beschreibt verschiedene globale Probleme vom Fisch- bis zum Waffenhandel, Workingman's Death (2005) befasst sich mit verschiedenen Formen der Schwerstarbeit, der oscarprämierte Dokumentarfilm Taxi zur Hölle (2007) kritisiert die Verhörpraktiken des US-Militärs im Fall eines afghanischen Taxifahrers, Food, Inc. Was essen wir wirklich (2008) warf einen Blick auf das Big Business in der Lebensmittelproduktion und Bigger Stronger Faster (2008) befasste sich mit Bodybuilding und dem moralischen Aspekt des Einsatzes von Steroiden. Der oscarprämierte Animationsfilm Waltz with Bashir (2008), der die Massaker in palästinensischen Flüchtlingslagern in den 1980er Jahren thematisiert, zeichnet sich durch seine dokumentarische Form aus.

Im Gegensatz zu diesen belastenden Filmen standen die leichteren Dokumentarfilme, die sich zum Beispiel um das Thema Sammelleidenschaft (Die Sammler und die Sammlerin, 2000), Kinderrechtschreibwettbewerbe (Spellbound, 2002), das amerikanische Rating für den Zutritt zu Filmen (This Film Is Not Yet Rated, 2006), die Geschichte von Wettbewerben beim Spielen an Spielautomaten (The King of Kong, 2007) drehten oder Blicke hinter die Kulissen der Animationsstudios von Pixar (The Pixar Story, 2007) und Walt Disney (Waking Sleeping Beauty, 2009) boten. Der komödiantische Dokumentarfilm Religulous (2008) nahm satirisch den religiösen Fanatismus aufs Korn, und auch die im Dokumentarstil gehaltene Komödie Borat (2006), deren fiktive Geschichte durch authentische Konfrontationen zwischen verschiedenen Amerikanern und der fiktiven Figur eines seltsamen kasachischen Reporters ergänzt wurde, arbeitete stark mit Satire.

Die Musikdokumentation Michael Jackson's This Is It (2009), die kurz nach dem Tod des Sängers veröffentlicht wurde und die die Vorbereitungen auf sein nie stattgefundenes Konzert zum Thema hatte, wurde zum umsatzstärksten Dokumentarfilm der Filmgeschichte. Andere Musikdokumentationen wurden unter anderem über das Leben der Mitglieder von Metallica (Metallica: Some Kind of Monster, 2003), über die Post-Punk-Band Joy Division (Joy Division, 2007), über eine Reihe von kleinen Konzerten von Sigur Rós (Sigur Rós - Heima, 2007) und über Metal als Musikgenre im Allgemeinen (Metal: A Headbanger's Journey, 2005) gedreht. Darüber hinaus gibt es zahlreiche herausragende Naturdokumentationen wie Nomaden der Lüfte - Das Geheimnis der Zugvögel (2001), Deep Blue - Entdecke das Geheimnis der Ozeane (2003), Genesis (2004), den oscarprämierten Film Die Reise der Pinguine (2005), Sharkwater (2006), Animals in Love (2007), Königreich Arktis (2007), Wächter der Wüste (2008) und Unsere Ozeane (2009). Die thematisch verwandten Dokumentarfilme Eine unbequeme Wahrheit (2006), Unsere Erde - Der Film (2007) und Faszination Erde - Der Blick von oben (2009) lenkten die Aufmerksamkeit auf Umweltprobleme in aller Welt.

Zur Jahrtausendwende wurde eine Reihe von Dokumentarfilmen über berühmte Filmemacher, Filme und die Geschichte Hollywoods gedreht, darunter auch über Stanley Kubrick – Ein Leben für den Film (2001), Woody Allen: A Life in Film (2002), Charlie – Leben und Werk des Charles Chaplin (2003), Easy Riders, Raging Bulls (2003), A Decade Under the Influence (2003), Final Cut: The Making and Unmaking of Heaven's Gate (2004), Midnight Movies: From the Margin to the Mainstream (2005), Inside Deep Throat (2005) und The Pervert's Guide to Cinema (2006). Umfassende, mehrstündige Dokumentarfilme über einen Film wie King Kong Peter Jackson's Production Diaries (2005) oder Dangerous Days: Making Blade Runner (2007) zeichneten die Entstehung großer Hollywood-Hits nach, während Lost in La Mancha (2002) untersuchte, wie die Entstehung eines Films durch ein Zusammentreffen unglücklicher Umstände verhindert wurde.

Der biografische Dokumentarfilm Power of Good: Nicholas Winton (2002) untersuchte die Heldentat eines Mannes, der während der Besetzung der Tschechoslowakei durch die Nazis heimlich mehrere hundert meist jüdische Kinder nach Großbritannien brachte. Man on Wire (2008) handelte von einem Straßenkünstler, der in den 1970er Jahren beschloss, auf einem Seil zwischen den Gebäuden des World Trade Centers zu laufen. Darüber hinaus wurden weitere Persönlichkeiten wie der Fotograf James Nachtwey (War Photographer, 2001), der Hollywood-Produzent Robert Evans (The Kid Stays in the Picture, 2002), der Rapper Tupac Shakur (Tupac: Ressurection, 2003), der Schriftsteller Charles Bukowski (Bukowski: Born into This, 2003), der Musiker Bob Dylan (No Direction Home - Bob Dylan, 2005), der tschechische Präsident Václav Havel (Citizen Havel, 2007), der Wissenschaftler Albert Einstein (Einstein, 2008) oder der Pianist Glenn Gould (Glenn Gould, 2009) Gegenstand von Dokumentarfilmen.

 

Der große Dokumentarfilmboom nach 2010

Die Zunahme der Filmproduktion im 21. Jahrhundert ging nicht spurlos an den Dokumentarfilmen vorbei, die in Hülle und Fülle erschienen und eine Vielzahl von Themen abdeckten. Dazu gehören unter anderem die Wirtschaftskrise von 2008 (oscargekrönt Inside Job, 2010), Kriegspropaganda in modernen Medien (The War You Don't See, 2010), Massenmorde in Indonesien in den 1960er Jahren (The Act of Killing, 2012) oder Doping im Radsport (oscarprämiert Icarus - Todfeinde, 2017). Die Probleme des digitalen Zeitalters sind Gegenstand von Dokumentarfilmen, die von der Sammlung von Daten aus privaten elektronischen Gesprächen (oscarprämierter Film Citizenfour, 2014) bis zu den negativen Auswirkungen sozialer Netzwerke (Das Dilemma mit den sozialen Medien, 2020) reichen. Der Dokumentarfilm I Am Not Your Negro (2016) schildert die Geschichte des Kampfes von Afroamerikanern gegen die weiße Vorherrschaft, während Der 13. (2016) das Thema der modernen Sklaverei im amerikanischen Gefängnissystem untersucht. Die Kompilationsdokumentation They Shall Not Grow Old (2018) bestand aus Archivmaterial aus dem Ersten Weltkrieg, das digital restauriert und in Farbe umgewandelt wurde. Der investigative Dokumentarfilm Kollektiv - Korruption tötet (2019) bietet ein desillusionierendes Porträt des rumänischen Gesundheitssystems, während das authentische Bekenntnis For Sama (2019) auf den Straßen Syriens während des Bürgerkriegs gedreht wurde.

Zu den Arbeiten über weniger ernste Themen gehören Dokumentarfilme über die Zubereitung von Sushi (Jiro und das beste Sushi der Welt, 2011), das amerikanische Raumfahrtprogramm (Apollo 11, 2019) und das Leben eines mazedonischen Imkers (Land des Honigs, 2019). Der Dokumentarfilm Babys (2010) zeichnete das Leben von vier Kleinkindern aus verschiedenen Teilen der Welt nach, während The Other F Word (2011) sich auf Mitglieder von Punkbands konzentrierte, die Väter wurden. Searching for Sugar Man (2012) gewann einen Oscar für die Darstellung von Rodriguez, einem Musiker, der in den 1970er Jahren zu einer Rocklegende wurde, ohne es zu wissen. Es gab auch mehrere Mockumentaries und fiktive Found-Footage-Filme, deren erdachter Inhalt thematisch von der Suche nach norwegischen Trollen (Trollhunter, 2010) bis zum Leben von Vampiren in Neuseeland (5 Zimmer Küche Sarg, 2014) reichte.

Die ohnehin schon beachtliche Zahl an naturkundlichen Dokumentarfilmen ist noch weiter angewachsen, unter anderem um die Streifen Im Reich der Raubkatzen (2011), Unser Leben (2011), Planet Ocean (2012), The Polar Bears: A Summer Odyssey (2012), Schimpansen (2012), Bären (2014), Unsere Wildnis (2015), Tale of a Lake (2016), Die Reise der Pinguine 2: Der Weg des Lebens (2017), Unsere Erde 2 (2017), Planeta Czechia (2017), Untamed Romania (2018) oder Die Elefantenmutter (2018). Die Dokumentarfilme Blackfish (2013) und Keiko the Untold Story of the Star of Free Willy (2013) befassten sich mit dem Schicksal zweier besonderer Killerwale, während der mit dem Oscar ausgezeichnete Dokumentarfilm Mein Lehrer, der Krake (2020) die Geschichte einer besonderen Freundschaft eines Filmemachers mit einem kuriosen Kopffüßer erzählt. Dokumentarfilme wie Die Bucht (2009), The Ivory Game (2016) und Sharkwater: Die Ausrottung (2018) setzte sich für ein Ende des Tötens von Wildtieren ein, während Plastic Planet - limitierte plastikfreie Öko-Verpackung (2009) und A Plastic Ocean (2016) das Problem der Plastikverschmutzung der Meere thematisierten. Der Film Das Ende der Artenvielfalt - Racing Extinction (2015) trug ebenfalls zur Kritik an der Gefährdung von Tierarten bei, während die Dokumentarfilme Lucent (2014), Cowspiracy: Das Geheimnis der Nachhaltigkeit (2014) und Dominion (2018) sowie der Dokumentarfilm Taste the Waste (2010) wiederum die übermäßige Lebensmittelverschwendung kritisierten. Der Streifen David Attenborough: Mein Leben auf unserem Planeten (2020) diente nicht nur dazu, die Karriere des berühmten Dokumentarfilmers zu rekapitulieren, sondern auch dazu, eine aufrüttelnde Botschaft über den Zustand der Umwelt zu vermitteln.

Der italienische Dokumentarfilmer Gianfranco Rosi ist mit seinen Arbeiten über das Leben rund um die römische Autobahn (Das andere Rom - Sacro GRA, 2013), die Flüchtlingskrise (Fuocoammare - Seefeuer, 2016) und die Situation im Nahen Osten (Notturno, 2020) erfolgreich. Der Dokumentarfilmer Ulrich Seidl widmete sich dem Thema kurioser Menschen mit seltsamen Vorlieben zunächst mit Im Keller - Versteckte Hobbys und Obsessionen (2014), einem bizarren Panoptikum mehrerer österreichischer Keller und ihrer Besitzer, und dann mit Safari (2016), in dem er der Welt der Trophäenjäger einen Besuch abstattete. Der Dokumentarfilmer Dan Přibáň hat eine unkonventionelle Reiseberichtsserie ins Leben gerufen, die unter anderem aus Trabant Goes to Africa (2011) und Trabant at the End of the World (2014) besteht. Die Sportdokumentation Red Army - Legenden auf dem Eis (2014) befasste sich mit der Geschichte des sowjetischen Hockeyteams, während die konkreten Hockeyspiele bei den Olympischen Spielen in Nagano und die Rivalität zwischen den Sowjets und den Tschechoslowaken in The Nagano Tapes (2018) behandelt wurden. Die Sportfilme This Ain't California (2012) und King Skate (2018) erzählten die Geschichte des Skateboardens in den Ländern des sozialistischen Blocks. Der Dokumentarfilm The Crash Reel (2013) konzentrierte sich auf Snowboarding, während Fastest (2011) und Hitting the Apex - Der Kampf um die Spitze (2015) einen Einblick in die Welt des Motorradrennsports gaben und 1 (2013) die Geschichte des Formel-1--Rennsports beleuchtete. Der Oscar-gekrönte Dokumentarfilm Free Solo (2018) konzentrierte sich auf die Persönlichkeit des Kletterers Alex Honnold und seine gefährliche Begehung der Felswand des El Capitan, während sich der Dokumentarfilm The Dawn Wall (2017) ebenfalls mit der Besteigung des fast senkrechten Massivs ohne Sicherung befasste.

Asif Kapadia, der zunächst mit einem Film über den Rennfahrer Ayrton Senna (Senna - Genie, Draufgänger, Legende, 2010) erfolgreich war, dann einen Oscar für seinen Dokumentarfilm über die Sängerin Amy Winehouse (Amy - The Girl Behind the Name, 2015) gewann und schließlich einen Film über den Fußballer Diego Maradona (Diego Maradona, 2019) drehte, wurde zu einer Kapazität bei biographischen Dokumentarfilmen. Weitere biografische Dokumentarfilme anderer Filmemacher drehten sich um Persönlichkeiten, darunter der Street-Art-Künstler Banksy (Banksy - Exit Through the Gift Shop, 2010), die Sänger Lemmy Kilmister (Lemmy, 2010), Ozzy Osbourne (God Bless Ozzy Osbourne, 2011), Freddie Mercury (Freddie Mercury: The Great Pretender, 2012) und Roger Waters (Roger Waters: The Wall, 2014), Filmkritiker Roger Ebert (So ist das Leben - Life Itself, 2014), Gitarrist Keith Richards (Keith Richards: Under the Influence, 2015), Sänger Kurt Cobain (Kurt Cobain: Montage of Heck, 2015), Balletttänzer Sergei Polunin (Dancer - Bad Boy of Ballet, 2016) oder Pornodarsteller Rocco Siffredi (Rocco, 2016). Weiter zum Beispiel um den Schauspieler Robin Williams (Robin Williams: Come Inside My Mind, 2018), Richterin Ruth Bader Ginsburg (RBG - Ein Leben für die Gerechtigkeit, 2018), Sängerin Whitney Houston (Whitney - Die wahre Geschichte einer Legende, 2018), den Moderator von Kindersendungen Fred Rogers (Won't You Be My Neighbor? 2018), Opernsänger Luciano Pavarotti (Pavarotti, 2019), Sängerin Taylor Swift (Miss Americana, 2020), Aktivistin Greta Thunberg (Ich bin Greta, 2020) und Sängerin Billie Eilish (Billie Eilish: The World's a Little Blurry, 2021). Einige Dokumentarfilme entstanden auch über die Beatles und ihre Mitglieder, darunter auch George Harrison: Living in the Material World (2011), The Beatles: Eight Day a Week - The Touring Years (2016), How the Beatles Changed the World (2017) oder Made on Merseyside - The Beatles (2018).

 

Dokumentarfilme und Dokumentarfilmserien im Fernsehen

Seit den späten 1940er Jahren wurden in den Vereinigten Staaten und in Großbritannien Fernsehdokumentationen und -serien produziert, die sich vor allem mit Themen zur Geschichte, zu Kriegen und Nachrichten befassen, wie z. B. die Kriegsserie Crusade in Europe (1949) oder The Armed Forces Hour (1949-1951). In den 1950er Jahren setzte sich dieser Trend mit amerikanischen Dokumentarfilmen wie The Big Picture (1950-1964), Wide Wide World (1955-1958) und The Twentieth Century (1957-1970) auf NBC, ABC und CBS fort, während in Großbritannien die BBC den Dokumentarfilm dominierte. Die Pioniere der Naturdokumentationen waren die britische Serie Zoo Quest (1954-1963) und die amerikanische Sendung Zoorama (1955-1970). Die amerikanische Fernsehdokumentation der 1960er Jahre, die später als das goldene Zeitalter der Fernsehdokumentation bezeichnet wurde, war reich an Projekten, die engagierter und politischer waren als in den Jahrzehnten zuvor. Außerdem entstanden in den USA allmählich TV-Reiseberichte (Expedition!, 1960-1962) und Dokumentarfilme über Persönlichkeiten aus Hollywood (Hollywood and the Stars, 1963-1964). Unter den britischen Produktionen sind die Kriegsserie The Great War (1964) oder die Naturserien The World About Us (1967-1987) und Wildlife (1961-2001) erwähnenswert. In den 1970er Jahren wuchs das Genre der Fernsehdokumentation um weitere bedeutende Serien, darunter die amerikanische Wissenschaftsserie Nova (ab 1974), die britische Wissenschaftsserie Life on Earth (1979), die historische Serie Die Welt im Krieg (1973-1974) und die Dokumentarserie Everyman (1977-2000).

Das Interesse an der Produktion von Dokumentarfilmen nahm in den folgenden Jahrzehnten mit dem Aufkommen des Kabelfernsehens zu, und die Zahl der Dokumentarfilme stieg mit der Produktion von Spezialsendern wie dem Discovery Channel (ab den 1980er Jahren), dem History Channel und Animal Planet (ab den 1990er Jahren) und National Geographic (Anfang des 21. Jahrhunderts) erheblich an. In den USA begann die Produktion der biografischen Serie American Masters (ab 1985), der Wissenschaftsserie Cosmos (1980), der historischen Serie Civil War - Der Amerikanische Bürgerkrieg (1990) und der Wissenschaftsserien Nature (ab 1982) und National Geographic Explorer (ab 1985), während im Vereinigten Königreich die Naturkunde- und Wissenschaftsserien Natural World (1983), The Living Planet (1984) und The World of Strange Powers (1985) und in den 1990er Jahren die Serie Das Wunder Leben (1990), The Private Lives of Plants (1995), The Human Body (1998), The Life of Birds (1998), The Planets (1999) und Dinosaurier - Im Reich der Giganten (1999) äußerst populär wurden. Darüber hinaus gab es unter anderem die britische Musikdokumentationsreihe The Beatles Anthology (1995) und die deutsche Kriegsdokumentationsreihe Hitlers Helfer (1996-1998).

Im neuen Jahrtausend knüpfte die BBC mit einer Reihe weiterer hochgelobter und erfolgreicher Natur- und Wissenschaftsserien an ihre früheren Erfolge an, darunter Hyperspace (2001), Unser blauer Planet (2001), Das Leben der Säugetiere (2002-2003), Planet Erde (2006), Terra X: Expedition Erde (2007), Life - Faszinierende Wildnis (2009), Terra X: Eisige Welten (2011), Eine Erde - Viele Welten (2016), Erlebnis Erde - Der blaue Planet (2017) und Sieben Kontinente, ein Planet (2019). Kriegskonflikten widmeten sich beispielsweise die Serien The First World War (2003), World War II in Colour (2009), Weltenbrand (2012) und The Vietnam War (2017). Kriegsthemen verbanden auch mehrere französische dokumentarische Miniserien aus dem Zyklus Der Krieg, von denen folgende Teile besonders hervorzuheben sind: Der Krieg - Menschen im Zweiten Weltkrieg (2009) und Apokalypse Erster Weltkrieg (2014). Weitere erwähnenswerte Serien sind unter anderem Countdown des Schreckens (2004-2007), Oliver Stone's Untold History of the United States (2012-2013), Making a Murderer (2015-2018) und Formula 1: Drive to Survive (2019-2021).

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