POMO

Ein cooler Actionfilm über US-amerikanische Panzerfahrer, die im Zweiten Weltkrieg in Deutschland SS-Männer umbringen. Brad Pitt wäscht sich als einziger von der Gruppe, er zeigt seine Muskeln, welche er in LA Fitness aufgebaut hat, und auch nach einem Jahr vom Wichsen in dem Eisencockpit legt er eine hübsche Deutsche nicht flach (obwohl sie damit einverstanden wäre). Weil es unethisch wäre. Die Pointe des Films: Nicht alle SS-Männer waren böse. Hier und mit Witz sollten sich die dritten Expendables abspielen.

Bevor Sie diese Rezension lesen, sehen Sie sich den Film an, damit eine Konfrontation mit Ihrer eigenen Meinung möglich ist! __ Der Trick von Nolans Erfolg besteht darin, dass er mit einer entwaffnenden Form und einem dramatischen Selbstzweckdruck seine Unfähigkeit verdecken kann, sich an die logische und emotionale Kontinuität des Erzählens in den parallelen Linien der Geschichte zu halten. Dieser Schwachpunkt hat eine negative Auswirkung auf die ganze zweite Hälfte von Interstellar, die Ihnen so ein Loch in den Kopf macht, dass man gezwungen ist, in den passiven Modus "ein einzigartiges Erlebnis von einem Blockbuster-Hit“ umzuschalten. Und es ist egal, dass der Cutter nicht weiß, was er machen soll. Mit den dramatischen Selbstzweckszenen, die für die Geschichte als Ganzes keine adäquate Bedeutung haben, meine ich die epische Verbindung mit der rotierenden beschädigten Station oder das auf der anderen Seite der Galaxie brennende Maisfeld mit dem verärgerten Casey Affleck (WTF?). Und mit der nicht funktionierenden logischen und emotionalen Kontinuität meine ich den Wechsel aus dem Weltall auf die Erde (wir wissen nicht, was passiert, wo alle hinrennen), der überflüssig von den Schlüsselwenden des Weltall-Plots ablenkt. Es sieht doch so EPIC aus und der Film hat so eine famose Musik, dass Nolan doch bestimmt wissen muss, was er da macht… Nein, meines Erachtens weiß er das NICHT. ___ Aber sehen wir uns mal die erste Hälfte von Interstellar an, die wie ein ganz anderer Film aussieht – zügig, mit einem überlegten und gefühlvollen Schnitt, mit schönen Gedanken über die ZEIT (die zusammen mit der Gesundheit das Wertvollste ist, was wir haben – wer sich dessen bewusst ist, gammelt nicht vor dem Fernseher herum, sondern reist usw.). Diese Hälfte des Films ist die inhaltsreichste und dank ihrer Stimmung die magischste Science-Fiction-Erscheinung seit vielen Jahren. Bei der Begrüßungsszene nach der Rückkehr von der Wasserwelt habe ich mich in Interstellar verliebt, was ich meiner Meinung nach noch über keinen Film geschrieben habe. Dort sollte er enden. Seine Fortsetzung sollten die Nolans zehn Jahre später, wenn sie reifer sind und Sachen in Zusammenhängen wahrnehmen können, umschreiben und den kompletten Schnitt ändern. Dann, idealerweise durch die Spaltung in zwei sensibel verbundene Filme, von denen einer im Weltall und der andere auf der Erde spielen würde, könnte aus Interstellar ein Meilenstein in der Geschichte des Science-Fiction-Genres werden, der eines Upgrades mit Kubricks Unterschrift würdig wäre.

Eine unverständliche Scheußlichkeit, deren Stoff in den Händen von anderen Autoren (Sam Mendes, David O. Russell) mehr als interessant werden konnte. Cronenberg hatte ich einst unter den TOP10 Regisseuren und himmele immer noch den Großteil seines Werks an (einschließlich der widersprüchlich angenommenen Stücke wie Crash). Seine Einzigartigkeit besteht darin, wie verständlich und akzeptabel er pathologische Abweichungen von der "Norm“ darstellen kann und sie noch dazu ein Teil von einer spannenden Geschichte werden lässt. Maps to the Stars war aber ein Fehltritt. Der Film ist ein unverdaulicher Ballast, eine Schau von Figuren, welche allegorisch so weit von der Realität entfernt sind, bis ihre Definition und die Pointe ihrer Interaktionen ins Leere gehen. Ein Stern ist für Julianne Moore, die mit ihrer Schauspielleistung das Publikum auch dann begeistern würde, wenn sie eine grüne Gurke spielen würde.

Sie dürfen keinen Thriller-Genre-Film erwarten. Wakolda hat eine argentinische Filmoptik, d. h. eine stille und "leere“, ohne Spannung und Wenden. Und es ist kein Thriller, eher ein Drama ohne eine einzige Tragödie, das nur etwas andeutet. Es ist auch nicht düster, die Figur von Mengele löst keinen Schrecken aus, typologisch ist er ein geheimnisvoller, schöner Franco Nero. Die Beunruhigung und ein gewisser Ärger (Hilflosigkeit und Ungerechtigkeit), welche der Film in den Zuschauer*innen weckt, kommen erst nach dem Ende, wenn man den Film aufgenommen hat. Ich bin aber auf jeden Fall froh, dass diesen originellen Stoff endlich jemand verfilmt hat, und ich bin auf das (sehr wahrscheinliche) US-amerikanische Remake neugierig. Es ist schon eine peinlich abgedroschene Meinung, aber ja, der Film bräuchte wieder Fincher – und schön nach der alten Art à la Sieben.

Wenn so die ganze tschechische Serien-Produktion aussehen und die Filmproduktion sich dem wenigsten annähern würde, ziehen vor uns auch die Froschfresser den Hut. Und ich kaufe mir meinen ersten Fernseher. Dates, Einsamkeit, Bedürfnisse, Komplexe, lustige sowie traurige Situationen, die mit einer einzigartigen Grazie der Schauspieler*innen sowie der Regie präsentiert werden. Bunte Figuren und Gefühle und das schöne Prag lässt den Film persönlich wirken. Und die beste lesbische Massage in der Geschichte der Kinematografie! Ist Jan Hřebejk wirklich so gut? Ich gebe gerne einen fünften Stern, aber erst sehe ich mir die restlichen zehn Episoden an.

Der Gerichtssaal und der Vorfall, der in ihm geklärt wird, sind nur eine Tarnung eines Familiendramas, in dem Robert Jr. aus der Großstadt seine Beziehung zu der Familie aus der Kleinstadt, an deren Spitze Robert Sr. steht, erneuert. Mit Rechtsdramen wie Die Jury oder Der Regenmacher kann man es nicht vergleichen. Der Richter - Recht oder Ehre ist auf halbem Weg zwischen ihnen und dem sentimentalen Film Marvins Töchter geblieben. Beide Roberts spielen ausgezeichnet. Zum Junior passt die Rolle perfekt und Senior bewältigt seine ausgezeichnet. Manche Nebenfiguren (die sexy Tochter von Vera Farmiga, der unerfahrene Anwalt Dax Shepard) verlangsamen den Film aber überflüssig. In der Geschichte haben sie keine ausreichende Bedeutung und sie stören nur die Entwicklung der komplizierten und für den Film wichtigen Beziehung Vater/Sohn. Der interessante Anwalt von Billy Bob Thornton könnte in ihm hingegen eine größere Rolle spielen. Die einst neue und erhabene Musik von Thomas Newman (Frank Darabont, Sam Mendes) wird zu einem abgeleierten Synonym vom offensichtlichen und sentimentalen "Streicheln der Seele“ des Konsumpublikums. Was schließlich auch Der Richter - Recht oder Ehre wird. Es ist ein prima Film, aber seine Autoren hätten eine höhere Liga verdient.

Wir sind eine Summe von allem, was wir je gesagt, gemacht und gefühlt haben. Wir sind mit einem einzigartigen Faden dieser Wahrnehmungen umwoben, an die wir uns ständig erinnern. Damit der Mensch er selbst sein kann, muss er sich an sich selbst ständig erinnern. Ein geistreiches Spiel mit den Zuschauer*innen, das zwar keinen großen Sinn ergibt (es hat sich zu VIEL vorgenommen), aber von der ersten bis zur letzten Minute unvorhersagbar, verdammt unterhaltsam, geheimnisvoll und sexy ist. Boyle macht die bunte Kaleidoskop-Wahrnehmung der Ereignisse und die verwirrte Motivation der Figuren Spaß. Im Actiontempo zeigt er seine Schwäche für Thriller von Brian DePalma.

Der Extremist Tom Six füllt mit der zweiten Human Centipede ein bisschen das Loch in der Geschichte der Kinematografie. Er bricht Tabus (die schwangere Frau, das Kind) und treibt die bemerkenswerte Idee aus dem ersten Film so ins Extreme, dass nur Ignoranten (und diejenigen, die das Subgenre "Splatter“ nicht kennen) seine Fähigkeit nicht schätzen können, Horrorelemente, ultimative Gewalt und Ekel ohne Humor in eine so surreal komische Form umzuwandeln. Es ist kein früher Peter Jackson, im Vergleich zum ihm hat er kein Gefühl für einen Abstand. Seine Form ist professionell und von Trash-Parametern weit entfernt. Die Hauptfigur wirkt realistisch, sie beunruhigt Sie mit ihrer Perversion und ihrem Zorn und trifft sensible und bisher nicht berührte Stellen Ihrer Gedanken. Sie müssen aber natürlich die richtige Zielgruppe sein. Schon als Teenager habe ich durch Filme wie Nackt und zerfleischt, Pink Flamingos oder NEKROmantik neugierig in die Köpfe ihrer Autoren geblickt – was, warum und wie sie drehen. Und in der ständigen Hollywood-Flut hat es mir Spaß gemacht, dass sie anders waren. So wie mir der Film The Human Centipede II Spaß gemacht hat. Aus der Filmemacher- sowie Schauspielsicht ist er reifer als der erste Teil. Er ist an keiner Stelle langweilig und hat viele Ideen, die zusammenhalten und sich bis zu einem "grandiosem Finale“ steigern.

Wie kann ein Film, der den Zuschauer*innen solche Theorien vorstellt, ein ernstes Gesicht machen? Und was nahm Besson, als er das geschrieben hat? Meine Augen freuten sich über Scarlett, aber mein Kopf erlebte das Mittelalter.

Ein niedliches Porträt vom Leben der Kinder auf dem Dorf und von ihrer Freizeit. Ihr Herumblödeln betrachtet man in nicht aneinander anknüpfenden statischen Aufnahmen ohne Musik, aus denen sie herausrennen und wieder in sie zurückkehren, als ob sie mit ihrer Hyperaktivität eine Bewegungsergänzung vom dörflichen Stillleben wären. Eine interessante Kamera-Stilisierung. Erwachsene erscheinen im Bild nur ausnahmsweise. Sie stören also nicht die spielerische Einfachheit der Kinderwelt, welche harmonisch mit dem Windgeräusch im Garten oder dem Regen hinter dem Fenster verschmilzt. Ein Film, der sich eigentlich zu nichts äußert, aber eine angenehme poetische Stimmung und eine Autorenlaune hat.