Filmmaniak

Im Rahmen der digitalen Natur der gesamten Serie macht es weitgehend Sinn, den neuen Teil nach einer achtzehnjährigen Pause als "System-Neustart" zu betrachten und ihn mit einem modernen Upgrade zu ergänzen, das den Film sowohl in Bezug auf die Gesamtatmosphäre als auch formal wesentlich von den früheren Teilen unterscheidet. Die endgültige Umsetzung wirft jedoch viele Zweifel auf. Die vierte Matrix wird zweifelsohne widersprüchlich aufgenommen, weil die Gründe für seine Existenz vor allem daraus resultieren, dass es weniger ein guter Film als vielmehr ein erzählerisch interessanter und filmisch mutiger Film ist, der in Bezug auf Sequels bekannter Filmserien sehr unkonventionell ist und sich in seiner Herangehensweise an sich selbst und das gesamte Matrix-Phänomen, dem es folgt, praktisch einzigartig ist. Auf der einen Seite enttäuscht der Film in seiner bedauerlichen Umsetzung von Actionszenen, seine Beziehungslinie zu den Hauptfiguren der Originaltrilogie ist emotional überraschend leer und die weitere Entwicklung der fiktiven Mythologie wirkt zerstreut und unvollständig (einschließlich einiger Sackgassen). Auf der anderen Seite kombiniert er jedoch auch recht unterhaltsam viele erzählerische Stile, von spielerischem und ironischem meta-bewusstem Ansatz über nostalgische Erinnerungen und tendenziöse Action-Routine bis hin zu Science-Fiction-Romanzen, was es ermöglicht, Matrix Resurrections auch als konzeptionellen Film zu betrachten, der allmählich verschiedene stilistisch unterschiedliche Beta-Versionen präsentiert, wie man an die Matrix-Trilogie anknüpfen könnte, und sie zu einer erzählerischen Einheit verbindet. Daher kann er nicht unbedingt wegen seiner durchweg veränderlichen und diskutablen Qualität empfohlen werden, sondern wegen seiner bemerkenswerten und anregenden narrativen Form.

Es ist wichtig zu betonen, dass dies kein Porträt von Kamil Fila ist (genauso wie "Super Size Me" keine Dokumentation über Morgan Spurlock ist, obwohl er der Hauptprotagonist ist). Es handelt sich um eine Beobachtungsdokumentation über jemandes Lebenskrise, die durch eine Trennung von seiner Freundin, Unfähigkeit damit umzugehen und anschließende Depressionen verursacht wurde, parallel zu einer Midlife-Crisis, Maskulinität und unreifen Emotionen, und dieser Jemand ist zufällig Fila. Es ist ein künstlerischer Dokumentarfilm über die Lebenswidersprüche eines Mannes, dessen Handeln im direkten Konflikt mit den Werten steht, die er vertritt, dessen öffentliche Selbstpräsentation sich von seiner tatsächlichen Persönlichkeit im Privatleben unterscheidet und dessen Streben nach Selbstverbesserung paradoxerweise zur Selbstzerstörung führt. Es ist ein Film über das Leben in Widersprüchen, in dem Fila de facto nur eine Randfigur ist, auf der diese Widersprüche demonstriert werden, und daher sollte die Bewertung des Films nicht auf seinen Charaktereigenschaften und moralischen Fehlern beruhen, da diese nicht das Thema des Films sind. Die gewählte künstlerische Beobachtungsform (in Kombination mit erklärenden Begleitkommentaren und wörtlichen Aufnahmen ausgewählter Literatur) passt jedoch nicht zum Film und das Ergebnis zeigt, dass er ursprünglich mit einem anderen Ziel entstanden ist - die körperliche Transformation durch Steroide als Experiment einer Person zu filmen, von dem jedoch nur noch ein Torso übrig geblieben ist, da sich Filas Prioritäten anschließend in eine andere Richtung verschoben haben. Und dann fand man während des Prozesses heraus, dass daraus ein Film entstehen soll, der den Zuschauern die Möglichkeit zur Selbstreflexion bietet, ob sie egoistisch oder heuchlerisch sind und ob sie auch in Widersprüchen oder Widersprüchen leben, aber auch das ist eigentlich kein ausreichend tragendes Thema. Es ist eine seltsame Mischung aus Dokumentation, Spielfilm, Selbsttherapie, künstlerisches Porträt einer Krise und konträrem Verhalten und dem Versuch, sich aus dem gescheiterten Versuch der Erfüllung des ursprünglichen Vorhabens zu retten. 50%.

Bizarr und chaotisch erzählt, ist es eine Mischung aus Halluzinationen, retro Flashbacks, theatralischen Szenen, industriellen Bildern und Animationen, die das Thema der Traumata aus der Grausamkeit der Nachkriegszeit an der tschechisch-deutschen Grenze experimentell verarbeitet. Ein wenig wie "Stalker" und ein wenig wie "Habermanns Mühle", jedoch umgesetzt auf dem Niveau eines psychedelischen Punk-Musikvideos, komplett versunken in verwirrenden und unverständlichen Symbolen. Es ist sehr abweichend und unkonventionell, was theoretisch für jemanden ein Plus sein kann, aber jeglichen anderen Wert kann man darin kaum finden.

Není čas zemřít povyšují navzdory několika nedostatkům do kategorie nezapomenutelných.>

Ein erotischer Film über Nonnen, der in einem italienischen Kloster im 17. Jahrhundert vor dem Hintergrund einer Pestepidemie spielt. Es handelt sich um einen ziemlich unausgeglichenen Versuch, das B-Movie-Genre auf ein A-Level-Festivalniveau zu heben, der vor allem aus der Tradition der italienischen Ausbeutungsfilme mit Nonnen (sogenannter "Nunsploitation") schöpft. Paul Verhoeven hat seine Markenzeichen und Lieblingsobsessionen, darunter beißende Ironie, Sadismus und Perversion oder Feminismus, in diesen Film eingebaut, der zusätzlich mit einem spöttischen Angriff auf die Kirche als heuchlerische Institution, die von Machtinteressen geleitet wird und der sexuellen Freiheit im Wege steht, gewürzt ist. Wir verfolgen seine Heldin, eine junge Nonne, die lebhafte Visionen der Offenbarung Christi erlebt und eine lesbische Erweckung mit einer neu ankommenden Novizin erlebt, seit ihrer Kindheit in einer Reihe von sakrilegischen Eskapaden, deren Geheimnis (möglicherweise ein echtes göttliches Wunder, möglicherweise nur ein inszeniertes Schauspiel mit eigennützigem Ziel) der treibende Motor des gesamten Films ist. Der Film schwankt die meiste Zeit zwischen alberner und zynisch-schwarzhumoriger Farce über den Missbrauch von Gläubigen (mit Furzen, Ausscheidungen, schelmischen pornographischen Motiven und Jesus Christus selbst als Beschützer, der den Feinden sogar den Kopf abschneidet sowie wilde Tiere) und quälendem, ernstem Drama mit schwerer Musik und naturalistischer Gewalt, das von einer wahnsinnigen Frau, die zu Selbstverletzung neigt, und den negativen Auswirkungen fanatischen Glaubens handelt. Das Aufeinandertreffen dieser beiden tonal gegensätzlichen Herangehensweisen erweist sich als ziemlich problematisch und unbefriedigend, was Verhoeven jedoch egal sein kann, weil er sich anscheinend nur austoben, provozieren und schockieren wollte, was ihm gelungen ist. Benedetta fällt auch deshalb in die Kategorie von grenzwertigem Vergnügen, das für Mitternachtsvorführungen auf Festivals geeignet ist und das Publikum spalten wird, in dem jedoch nicht die Darstellerinnen des Liebespaares, sondern Charlotte Rampling in der Nebenrolle der skeptischen Mutter Oberin am meisten strahlt.

Der Höhepunkt des Films ist das unerwartete Verständnis, das zwischen einem mittelalterlichen Theaterregisseur und einer jungen privaten Fahrerin entsteht, die möglicherweise seine Tochter sein könnte und ihm von der Theatergesellschaft gegen seinen Willen zugeteilt wurde. Dank des allmählich aufgebauten Vertrauens können sie einander ihre Traumata und Geheimnisse anvertrauen, die Teil einer komplexen und vielschichtigen Geschichte sind, die unter anderem von Partnerschafts- und Liebesbeziehungen und dem Schmerz des Verlustes eines geliebten Menschen handelt. Dies geschieht vor dem Hintergrund der Theaterproben von Onkel Wanja von Tschechow in einer mehrsprachigen Version (einschließlich südkoreanischer Gebärdensprache), wobei Dialoge aus diesem Stück oft auch in anderen Teilen des Films präsent sind. Obwohl die Handlung erst nach mehr als 40 Minuten Fahrt richtig Fahrt aufnimmt (wenn endlich der Vorspann kommt), stellt die Länge des Films überhaupt keine Hürde dar. Der Film ist zudem vom Anfang bis zum Ende großartig geschrieben und inszeniert und zeichnet sich nicht nur durch den Fokus auf formelle distinguierte Kommunikation zwischen den Charakteren aus, sondern auch durch eine Reihe bemerkenswerter einfallsreicher Szenen und die Einbindung mehrerer faszinierender Traum-Mikrogeschichten.

Abhandlung über den Prolog, die zwölf Kapitel und den Epilog aus dem Leben der fast dreißigjährigen Julie, die ihren Platz im Leben sucht und versucht, sich selbst, ihre Emotionen und ihre Beziehungen zu Partnern zu bewältigen. Ein relativ erfolgreicher Versuch einer Generationserzählung, der gleichzeitig versucht, einige andere ernsthafte Themen anzusprechen, verzaubert neben den natürlichen schauspielerischen Leistungen der drei Hauptfiguren vor allem durch eine elektrisierende Regie und sympathischen Humor. Die clever geschriebenen Dialoge riechen an einigen Stellen leicht nach Überheblichkeit und die Erzählung zerfällt nicht nur aufgrund der Aufteilung in Kapitel, sondern auch aufgrund des zu starken Springens zwischen den verschiedenen Motiven, besonders gegen Ende, etwas. Der Film ist daher am stärksten in einigen sehr beeindruckenden und markanten Details und Passagen, wie zum Beispiel der mit der unschuldigen Anziehungskraft am Rande der Untreue bei der Party, der mit dem Erleben eines Tages mit der Liebe des Lebens in einer vorübergehend suspendierten Stadt oder der mit dem Schwammrausch. Die beabsichtigte Rührung zum Schluss findet zwar nicht statt und die zwei Stunden sind aufgrund des allmählich nachlassenden Tempos vielleicht etwas zu lang, dennoch handelt es sich um eine sehr angenehme und nützliche Zeit.

Die meditative und spirituelle Erinnerung wird als Apichatpong Weerasethakuls zugänglichstem Film für das Publikum beschrieben, was jedoch immer noch bedeutet, dass nur etwa ein Prozent der potenziellen Zuschauer sie aufgrund des extrem langsamen Erzähltempos, der Länge einiger statischer und narrativ leeren kontemplativen Aufnahmen und der mehrdeutigen Symbolik wirklich zu schätzen wissen (zu denen ich selbst nicht gehöre). Der thailändische Regisseur begab sich zum ersten Mal außerhalb seines Heimatlandes und befreite sich von der asiatischen Mythologie und Kultur, behielt jedoch seine unverwechselbaren poetischen Markenzeichen und Ansätze bei. Die Geschichte einer verwitweten Frau (gespielt von Tilda Swinton, die bewusst gedämpft ist), die versucht, die Ursprünge mysteriöser Geräusche aufzudecken, die gelegentlich in ihrem Kopf erklingen, spielt in Kolumbien, wo sowohl die spanische als auch die englische Sprache gesprochen wird. Neben der spirituellen Suche nach der Bedeutung dieses zufälligen Klangs und dessen Analyse konzentriert sich der Film auch auf kontrastreiche metaphorische Motive, die entweder auf den Verfall und das Ende des Lebens (tausend Jahre alte Überreste, die unbekannte Krankheit von Heldins Schwester) oder auf seine langfristige Konservierung (ein Orchideenkühlschrank) anspielen. Insgesamt ist es jedoch anspruchsvoll, während des Films wachsam zu bleiben, und weder die heilende und reinigende Eintauchung in die Natur in der zweiten Hälfte noch die seltsame wissenschaftlich-fantastische Pointe am Ende reißen ihn definitiv heraus.

Ein äußerst elegant inszenierter Film, der die romantischen und gegenseitig verbundenen Schicksale von drei Pariser Dreißigjährigen untersucht. Der erfahrene Filmemacher Jacques Audiard beweist, dass er immer noch am Puls der Zeit und der modernen Kinematografie ist und ein Gespür für das Schreiben intelligenter und gleichzeitig vollkommen glaubhafter Dialoge sowie für den Aufbau überzeugender und durchdachter Charaktere hat. Gleichzeitig führt er die Schauspieler hervorragend und arbeitet ausgezeichnet mit der Musik. Auch die schwarz-weiße Kamera ist großartig und bietet nicht nur äußerst ästhetisch aufgenommene Erotik. Einige der angesprochenen Themen wirken ein wenig überflüssig, dennoch funktioniert der Film als Ganzes außergewöhnlich gut.

Außergewöhnlich reife und festgehaltene Debüt, der talentierte Panah Panahi scheint seinem Vater nicht zu verleugnen. Im Grunde handelt es sich um ein Drama über den Abschied einer Familie von ihrem erwachsenen Sohn, der sein Heimatland verlässt. Trotz der Ernsthaftigkeit der Situation fällt der Film eher in das Genre einer sehr unterhaltsamen und unterhaltsamen komödiantischen Road-Movie, in der Humor und Bitterkeit perfekt ausbalanciert sind. Der Film sprüht von der ersten Szene an vor Regieideen, gut platzierten humorvollen (und ab und zu traurigen) Situationen und witziger verbalen Interaktion der einzelnen Familienmitglieder - neben dem nachdenklichen introvertierten älteren Sohn fährt auch der extrovertierte und außerordentlich energiegeladene jüngere Sohn (eine der besten schauspielerischen Leistungen eines Kindes, die ich je gesehen habe) im gemieteten Auto mit, der Vater mit gebrochenem Bein, die fürsorgliche Mutter, die versprochen hat, nicht zu weinen, und der kranke Hund. Enge Innenräume des Fahrzeugs wechseln sich ab mit sorgfältig komponierten und aus der Ferne aufgenommenen Aufnahmen weitläufiger Außenräume. Die Kamera ist allgemein wunderschön. Schönheitsfehler - der Witz verfehlt gelegentlich sein Ziel (die ständige Verspottung des älteren Sohnes ist nicht besonders lustig, obwohl es wohl sollte), der nicht sehr klare Kontext des Grundes für die Reise des Sohnes mindert die Emotionen etwas und das Ende ist unnötig berechnend sentimental. Ansonsten aber eine riesige Überraschung und extreme Neugier, was dieser Regisseur als nächstes drehen wird.