Filmmaniak

David Attenborough erzählt von seinem Leben und liefert einen übersichtlichen und verständlichen Appell zum Thema Umweltschutz im Zusammenhang mit den Veränderungen, die in den letzten Jahrzehnten auf der Erde stattgefunden haben. Der Film dient daher nicht nur als perfekte Zusammenfassung der Karriere dieses berühmten Dokumentarfilmemachers, sondern auch als wichtige Botschaft über den Zustand der Umwelt, in dem jedoch anstatt nach Schuldigen konstruktive Vorschläge und Visionen vorgestellt werden.

Ein präziser dokumentarischer Schlag auf Solarnet, der bereits nach den ersten zwanzig Minuten hundertmal dichter und nahrhafter ist als die gesamte Methanol-Affäre. Was als völliges Desaster eines rumänischen Krankenhauses beginnt, endet in absoluter Desillusion über das dortige Gesundheitssystem, das von Korruption, Betrug und Lügen durchdrungen ist. Eine genial umgesetzte Beobachtung der investigativen Journalisten, die sich trotz anonymer Bedrohungen in die Hintergrundgeschichte eines Märchens über die Behandlung von Menschen durch das sozialistische Gesundheitssystem stürzen, das sie stattdessen tötet. Es macht niemanden glücklicher, aber umso wichtiger ist es, dass solche Dinge entstehen.

Mank zieht Zuschauer vor allem durch die Hauptfigur des alkoholkranken Drehbuchautors an, der die Einflüsse entwirrt hat, die ihn zur Entstehung des berühmten Citizen Kane geführt haben. Das eigentliche Schreiben dieses Drehbuchs spielt jedoch in Mank eine eher untergeordnete oder vielleicht sogar dritte Geige, wobei die Aufnahmen dazu überhaupt nicht stattfinden, der großartige Tom Burke ist in der Rolle von Orson Welles auf der Leinwand insgesamt ungefähr drei Minuten zu sehen und Mank hält sich auch nicht allzu sehr an historische Fakten - zum Beispiel stellt er Welles' Beteiligung an der Drehbucherstellung im Einklang mit längst widerlegten Mythen dar. In Wirklichkeit beschäftigt sich Mank also eher mit dem Funktionieren Hollywoods in den 30er Jahren und während der Wirtschaftskrise und erzählt in etwa gleichem Maße von der politischen Stimmung dieser Zeit und der Affäre um die Wahl des kalifornischen Gouverneurs im Jahr 1934, was natürlich nicht unbedingt als Publikumsmagnet wirkt. Aber das ist nicht das Problem. Das Problem ist, dass nichts davon besonders fesselnd verarbeitet wird. Finchers Wunsch, einen Film nach dem jahrelang aufgeschobenen Drehbuch seines Vaters zu drehen, verstehe ich zwar vollkommen, aber leider handelt es sich um ein Drehbuch mit wenig interessant geschriebenen und wenig definierten Charakteren, die zwar oft geistreiche und treffende Sätze äußern, aber was bringt das, wenn auf der Leinwand keine Beziehung zu ihnen aufgebaut werden kann. Die zweite Hälfte des Films verliert außerdem deutlich an Tempo und enthält abgesehen von einer betrunkenen Szene bei einem Maskenball nicht viel bemerkenswertes. Zum Beispiel wurde Ed Wood von Tim Burton mit ähnlicher Absicht gemacht und sie war viel erfolgreicher. Mank bezieht sich auch mit seinem Streben nach audiovisueller Retro-Form auf Citizen Kane, was beeindruckend, aber nicht konsequent ist (es wurde immerhin auf digitalem Breitbild gedreht), mit einer komplizierten erzählerischen Struktur voller Rückblenden (zwischen denen teilweise seltsam gesprungen wird) und einer Vielzahl verschiedener Anspielungen (visuelle Zitate, Erwähnungen etwa von Schlitten und einer Knospe). Citizen Kane sollte daher auf jeden Fall vorher gesehen werden. Sich in den Schlüsselcharakteren der damaligen Hollywood-Gesellschaft zu orientieren, ist zum Glück nicht mehr so notwendig, aber es ist sicherlich von Vorteil.

Ein Action-Thriller, der sich nach fünfzehn Minuten in eine absurde Komödie verwandelt, die mit debilen Wendungen, einer haarsträubenden Handlung und klischeehaften Stereotypen die Gehirnnerven angreift - darunter Flugpassagiere, darunter selbstverständlich ein muslimischer Arzt mit Vollbart, ein kleines Mädchen, das ihrem Vater hinterher fliegt, Liebende, die versuchen, im Flugzeug Sex zu haben, ein Computerexperte, der in der Lage ist, eine verschlüsselte Nachricht in acht Minuten zu programmieren, und eine Frau, die das volle Vertrauen des Protagonisten verdient, nur weil sie neben ihm sitzt. Liam Neeson ist wie immer der ultimative Badass, sein Gegner in Form eines "unsichtbaren Terroristen" müsste jedoch tausendmal cooler sein, um einen so ausgeklügelten Plan zu realisieren, der auf einer genauen Einschätzung der Reaktionen des Hauptcharakters, perfektem Überblick über die Situation und einer unendlichen Anzahl teuflischer Zufälle basiert. Dank des konstanten Tempos passiert immer etwas und dank der dynamischen Kamera und der gelungenen Actionsequenzen sieht es gut aus, es handelt sich jedoch nur um einen einfachen Action-Trash für den einmaligen Gebrauch, der handwerkliches Können und über hundert Minuten irrwitzigen Spaß bietet, aber auch eine so dysfunktionale und unlogische Geschichte, dass sie eigentlich interessant ist.

Ein künstlerisch und publikumstechnisch sehr unfreundlicher experimenteller Dokumentarfilm, der in der unwirtlichen Antarktis gedreht wurde und keine konkrete Geschichte erzählt, aber dafür anscheinend viele Bedeutungen und Interpretationen aufweist, die man darauf projizieren kann. Die vermeintlich sparsamen 73 Minuten sind ziemlich anstrengend zu ertragen, unter anderem auch aufgrund der absichtlich kakophonischen Tonspur, die hauptsächlich aus verschiedenen Geräuschen, Krach und jemandem, der atmet, besteht. Objektiv gesehen passiert im Film nicht viel - der Einstieg besteht aus ein paar Minuten Heimvideos mit erzählerischen Kommentaren, einer Amateurvivisektion eines Rehs und ein wenig Abstraktion. Die restlichen 65 Minuten bestehen aus langen wortlosen Aufnahmen der antarktischen Natur, aufgenommen von einer fliegenden Drohne, die in verschiedene Richtungen filmt. Ab und zu gibt es Tiere und in der zweiten Hälfte taucht auch ein einsamer Wissenschaftler auf, wobei einige Bilder visuell faszinierend und hypnotisch wirken, aber die meisten sind einfach unnötig lang. In eine Aufnahme werden digital Dinosaurierherden eingefügt und am Ende gibt es sogar ein schwarzes Loch, das ins All führt (vielleicht handelt es sich um metaphorische Bezüge zur Vergangenheit und Zukunft, vielleicht auch nicht). Laut den Machern reflektiert der Film die Krise der menschlichen Identität und die Welle des posthumanistischen Denkens, die durch die Entwicklung von Technologie und künstlicher Intelligenz und auch durch den Klimawandel verursacht wird. Ich bin dankbar für diese Information, da ich es selbst aus dem Film nie herausgelesen hätte.

In nicht einmal achtzig Minuten schaffte es der talentierte und inszenatorisch sehr fähige Debütant Bartosz Kruhlik, eine ganze Menge unterzubringen - emotionale schauspielerische Leistungen, eine dichte Atmosphäre eines ruhigen sommerlichen Sonntags auf dem Land, der von einer plötzlichen Tragödie unterbrochen wird, eine Kette von eskalierenden Ereignissen mit fatalen Folgen für gestresste und unter Druck stehende Charaktere, das Thema der gesellschaftlichen Nachfrage nach Gerechtigkeit in einer Welt unfähiger Polizeibehörden und reicher Gauner, die sich hinter politischer Immunität und einflussreichen Verbindungen verstecken, sowie eine Diskussion über die Vergänglichkeit des Lebens und den Umgang mit einer traurigen Ereignis aus verschiedenen Perspektiven. Das anfangs realistische Echtzeit-Drama über die Tatortarbeit weicht jedoch nach und nach einem stark überzogenen melodramatischen Konstrukt, in dem nach und nach unbekannte familiäre und Liebesverbindungen enthüllt werden und das anstelle einer emotionalen Supernova in den Armen wörtlicher Metaphern, vereinfachender Abkürzungen und ungeschickten Koketterie mit der Metaphysik endet. Dies trübt den guten Eindruck und die Freude an dem Film, der ansonsten mit wenig ziemlich großes Theater vermitteln kann.

Ich schätze definitiv die etwa ein Dutzend wirklich witzigen und einfallsreichen Witze und Szenen, aber sonst ist es ziemlich schwach, besonders im Vergleich zum großartigen ersten Borat. Die Begegnungen mit den "nicht ahnenden" Amerikanern (die diesmal überraschenderweise resigniert sind und alles mit sich machen lassen) sind leider fade, wirken an einigen Stellen wie inszeniert und vor allem wird aus ihnen die verzweifelte Notwendigkeit deutlich, sie in eine unterdurchschnittlich inszenierte, krampfhafte und leider nicht funktionierende Handlung über die Beziehung zwischen Vater und Tochter einzufügen. Solange Cohen in bizarren Kostümen provoziert, geht es noch, aber sobald es um eine inszenierte Handlung geht oder jemand anderes auf der Leinwand auftaucht, geht der Film sofort den Bach runter. Von erstklassiger Satire kann nur sporadisch die Rede sein, meist handelt es sich um eine relativ Standard-Komödie mit grenzwertigem Humor und vielen Lücken.

Der zerfallene Al Capone, von sich verschlechternder Demenz und den Folgen von Herzinfarkten und Geschlechtskrankheiten geplagt, verbringt sein letztes Lebensjahr auf die Fürsorge seiner Angehörigen angewiesen, wobei er in zahlreichen Halluzinationen mit seinen vergangenen Sünden und der brutalen Vergangenheit konfrontiert wird. Trotz des wenig attraktiv klingenden Themas könnte es sich um ein zumindest interessantes und bemerkenswert konzipiertes kontemplatives Biografiedrama handeln, jedoch ist seine Umsetzung sehr unglücklich. Die repetitiven Motive und Capones wahnhafte Visionen haben praktisch keinen Sinn und der ganze Film ist daher irgendwie nichts und zerfällt genauso wie der Geist des Hauptcharakters. Dank der Schauspieler ist es zumindest nicht peinlich und unfreiwillig komisch. Es kann zusammengefasst werden als eine unbefriedigende Wartezeit, ob sich Capone am Ende daran erinnert, wo er seine gestohlenen Millionen versteckt hat, jedoch ist das weitaus größere Rätsel, wie es gelungen ist, Tom Hardy für die Rolle zu überreden, in der er als berühmtester Gangster der Geschichte nur in die Windeln kackt, italienische Schimpfwörter murmelt, Karotten lutscht und abstoßend aussieht.

Während die erzählerische Struktur des Buches Der Wolkenatlas eher an das Auseinander- und Zusammenklappen einer Matroschka erinnert, sind im Film die verschiedenen Handlungsstränge miteinander verflochten und gleichzeitig erzählt, sodass sie nicht nacheinander, sondern alle gleichzeitig kulminieren. Dank fantastischer Schnitte, Überspringen von Eselsbrücken, Dialogen und verschiedenen Details und gegenseitigen Ähnlichkeiten sowie der sehr geschickten Regie und Dramaturgie können alle Geschichten an ähnlichen Stellen eskalieren und als verwobenes Ganzes wirken, ohne dabei in Verwirrung und Chaos zu verfallen. Dieses ambitionierte und mutige Werk erinnert an die gleichzeitige Adaption von sechs Büchern und verbindet historisches Abenteuer auf See, historisches Drama, Spionage-Thriller, humorvolle Komödie, dystopische Science-Fiction und postapokalyptische Mythologie. Das zentrale Motiv der Reinkarnation und der gegenseitigen Verbindung der Charaktere wird durch den Einsatz genialer Masken und die Besetzung jedes Schauspielers und jeder Schauspielerin in einem Dutzend Rollen unabhängig von Geschlecht, Nationalität oder Hautfarbe unterstrichen. Die Zusammenarbeit zwischen den Wachowski-Geschwistern und Tom Tykwer war offensichtlich ein entscheidender Aspekt, damit der Film in allen stilistischen Positionen funktionieren und dennoch als Ganzes wirken konnte. Großartiges Setdesign, herausragende Musik, revolutionäre und noch nie dagewesene filmische Form, vielschichtige thematische Reflexion, verflochtene Arbeit mit Motiven und Themen – eine der besten Buchadaptionen überhaupt.

Ein etwas unausgeglichener, aber dennoch interessanter Horrorfilm über das Altern und neurodegenerative Erkrankungen, der den Körper verwirrt. Von Anfang an wird er bedauerlicherweise als gewöhnlicher Geisterfilm über ein unheimliches Haus gedreht, was auch durch die Verwendung üblicher Genre-Motive zur Atmosphäre (geheimnisvolle Schatten in den Gängen, etwas Verborgenes unter dem Bett...) unterstützt wird, die in Bezug auf die Handlung keinen Sinn ergeben und im Film irgendwie überflüssig sind (genau wie alle Nebencharaktere). Die Geschichte des Films ist nämlich in einer harten Realität verankert (und es macht perfekten Sinn, sie in Form eines Familienfluchs-Horrors darzustellen), und ihre Auflösung beruht auf einer einzigen visuellen Metapher, die alles andere am Ende vom Tisch fegt. Die Freude über die nicht trivial gestalteten Charaktere und die gelungene Innengestaltung wird daher durch das unnötige Festhalten an einigen unzureichend verbundenen und vor allem irreführenden Anspielungen auf das Vorhandensein irgendwelcher Geister getrübt, die nichts mit dem zentralen Thema des Films zu tun haben.