Filmmaniak

Durchschnittliche Fortsetzung, die die Stärken ihres Vorgängers nutzt und nur wiederholt. Die Videospielumgebung wird anfangs durch die Welt des Internets ersetzt (der Satz "Sie ist neu, sie ist anders, deshalb müssen wir davor Angst haben" fällt), in die es zwar gelungen ist, offizielle Logos bekannter Unternehmen einzubinden, aber die Handlung durfte dort anscheinend nicht stattfinden. So besuchen die Helden zum Beispiel anstelle von YouTube und Google fiktive Unternehmen wie BuzzzTube und KnowsMore. Abgesehen von einer herausragenden Passage mit Disney-Prinzessinnen (wir möchten bitte eine eigene Serie) und einigen Referenzen gibt es erstaunlicherweise nicht viel weiteren Humor, der für sich allein stehen könnte, und die Geschichte ist außerdem sehr einfach und an manchen Stellen unnötig in die Länge gezogen. Die innere Funktionsweise des Internets ist recht einfallsreich dargestellt, aber der Film selbst ist nicht sonderlich originell, was sich auch in der Sequenz widerspiegelt, in der sich die Helden entscheiden, Geld zu verdienen, indem sie ein lustiges Video drehen, aber anstatt eigene originelle Ideen zu haben, ahmen sie nur unkreativ die beliebtesten Trends nach. Der Animation kann jedoch nichts vorgeworfen werden.

Experimentell-intellektuell-ironischer Zombie-Film von einem Regisseur, der auf herkömmliche kommerzielle Zombie-Filme pfeift und es auch so aussieht. Die bewusste Ablehnung der Regeln des Zombie-Genres und das Umkehren von Konventionen und Stereotypen wirkt eher trotzig als innovativ, und das Ergebnis ist ein ausgesprochen ununterhaltsamer und zufällig wirkender Film mit absichtlich nachlässigem Drehbuch voller Wiederholungen und ungenutzter Charaktere, der nur zu einer erschöpften und oberflächlichen sozialen Satire und einigen Meta-Witzen fähig ist, dessen Tempo müder ist als das schlurfende Gehen der untoten Zombies und der sich an Zuschauer richtet, die ihn aufgrund des gewählten Themas wahrscheinlich in den meisten Fällen gar nicht erst ansehen.

Die AnimatorInnen haben hervorragende Arbeit bei der authentischen Darstellung von lebenden Kreaturen und der Natur geleistet, was die Animation absolut faszinierend macht und viele Aufnahmen wie Szenen aus Naturdokumentationen aussehen lässt. Das Problem ist jedoch, dass der König der Löwen kein Dokumentarfilm aus der afrikanischen Savanne ist, sondern ein Musical von Disney, in dem die Tiere sprechen und singen, was sich nicht wirklich gut mit der fotorealistischen Animation verträgt. Um größtmögliche Glaubwürdigkeit zu erreichen, wurde den tierischen Helden auch jegliche "menschliche" Mimik genommen, so dass die einzige Quelle der Emotionen in ihren Dialogen die Stimme der Synchronsprecher ist, die jedoch alleine ohne Unterstützung in den tierischen Gesichtern nicht ausreicht. Die Geschichte (im Wesentlichen Hamlet) unterscheidet sich kaum von der animierten Version (nur um eine halbe Stunde länger) und ist immer noch großartig, aber sie hat nicht viel zu bieten, wenn man den ursprünglichen König der Löwen bereits gesehen hat. Der neue König der Löwen ist daher nur eine technologisch perfekte, aber ansonsten etwas geistlose Kopie seines viel besseren Vorgängers.

Aufgrund seiner animierten Vorlage leidet die Realverfilmung von Aladdin in vielerlei Hinsicht, aber das Betrachten ist dennoch größtenteils ein angenehmes Erlebnis, vor allem dank aufwändigen und farbenprächtigen Sets mit einer etwas unzusammenhängenden, von verschiedenen Einflüssen geprägten Konzeption. Arabische Elemente treffen hier auf indische Bollywood-Einflüsse (einschließlich eines Tanzes am Ende) sowie auf die Ästhetik brasilianischer Karnevale, und leider wird auch Breakdance und Beatbox eingebaut. In Bezug auf die Handlung handelt es sich nicht um eine direkte Kopie, da einige Passagen hinzugefügt wurden und zwei neue Lieder dazugekommen sind, und bei einigen Szenen wurde die Reihenfolge geändert und ihr Inhalt modifiziert (manchmal zum Besseren, manchmal zum Schlechteren). Will Smith meistert die Rolle des Dschinn mühelos und verkörpert ihn spielerisch, humorvoll und rührend. Im Vergleich dazu gewinnen Mena Massoud und Naomi Scott als Aladdin und Prinzessin Jasmin weniger leicht das Zuschauerinteresse, und Marwan Kenzari in der negativen Rolle des Sultansberaters Jafar ist mit seiner ausdruckslosen Lederstimme und mangelndem Charisma geradezu tragisch.

Die Wahrheit tut manchmal weh, aber leider nicht diese. Das Drama beschäftigt sich mit der Mehrdeutigkeit und Relativierung der Wahrheit und dem unzuverlässigen Gedächtnis, das die verborgene Wahrheit in unseren Erinnerungen im Laufe der Zeit verändern kann. Es handelt von der Beziehung zwischen einer arroganten und selbstgefälligen berühmten Schauspielerin am Ende ihrer Karriere und ihrer Tochter, die lieber ins Ausland geflohen ist und ihr ständiges Übersehen und Verachtung vorwirft. Aus diesem vielversprechenden und potenziell sehr konfliktreichen Konflikt wurde jedoch relativ wenig gewonnen, da der Film von Anfang bis Ende eine ruhige Atmosphäre beibehält und anstelle von konfrontativen Szenen, die zur Katharsis führen, sich mit wörtlichen Metaphern und Beziehungen zwischen Realität und der fiktiven Filmwelt umgibt. Die Charaktere enthüllen zwar nach und nach mehr Informationen aus ihrer Vergangenheit, aber ihre Streitigkeiten lösen sich nicht, sondern sie bestärken sich nur in der Notwendigkeit von Maskerade, Lügen und Manipulation, weil sie glauben, dass dies ein funktionierender Weg ist, um die Familie zusammenzuhalten (eine illusorische und nur scheinbar zusammenhängende Familie, deren Mitglieder im Privaten vorgeben, eine Familie zu sein, und in der Öffentlichkeit vorgeben, keine Familie zu sein). Die Botschaft des Films, dass solches Verhalten in Ordnung ist und auch der jüngeren Generation beigebracht werden sollte, kann daher als zumindest verzerrt bezeichnet werden. Trotz der sensiblen Regie und der großartigen Schauspieler bleibt nach dem Ende der Wahrheit ein deutlich bitterer Nachgeschmack, nicht nur aufgrund der Verarbeitung des Themas selbst, sondern auch aufgrund der Vorstellung, welch großartiger Film entstanden wäre, wenn Hirokazu Kore'eda die Problematik der gegenseitigen Vorwürfe der dominanten Mutter und ihrer gekränkten Tochter richtig angegangen wäre.

Der Film folgt einem ziemlich etablierten Handlungsschema über einen Neuling in einer geschlossenen und zerrissenen Gemeinschaft, der sie unabsichtlich durch sein Engagement vereinigt, aber dennoch seiner Vergangenheit nicht entkommen kann - und seine Form ist größtenteils recht gewöhnlich. Was jedoch nicht so gewöhnlich ist, ist Bartosz Bielenia, der unglaublich markante und sogar dämonische Hauptdarsteller, der eine außergewöhnliche Leistung erbringt und den Film auf seinen Schultern trägt, und die Perspektive seines Charakters, der die Welt durch Gott betrachtet und dabei sich selbst erkennt. Der Film überzeugt auch mit seinem umfassend ausgearbeiteten Thema des religiösen Glaubens und der statischen Kamera, die jedoch am Ende in einem Schlüsselmoment mit plötzlicher, aber gerechtfertigter Beweglichkeit überrascht. Dies bemerkenswerte Drama besticht auch durch das ausgearbeitete Drehbuch und dient als weiterer Beweis dafür, dass ein intimer Film mit geringem Budget und nur wenigen Schauplätzen gedreht werden kann, um dem Zuschauer ein starkes und außergewöhnlich beeindruckendes Erlebnis zu bieten.

Hervorragendes Drama über (nicht) Sterben mit perfekt glaubwürdigen Charakteren, realistisch, zivil und ohne Übertreibung und übermäßigen Druck. Dank des großartigen Drehbuchs und der herausragenden (an einigen Stellen sogar atemberaubenden) Schauspieler bietet es starke Momente sowohl in emotional aufgeladenen Momenten als auch in ruhigeren Passagen. Das trostlose Herumrennen in Krankenhäusern und Beratungen mit nicht immer mitfühlendem Personal während der Weihnachtsfeiertage und zum Jahreswechsel, rationiert konsequent Tag für Tag in der Handlung, ist erstaunlicherweise nicht nur ein Sturz in Depressionen und Melancholie, denn der Film versucht in seiner zweiten Hälfte und vor allem zum nahenden Ende hin den bisherigen Kummer paradoxerweise mit einer enormen Dosis rührseliger Süßigkeiten auszugleichen, was paradoxerweise bereits etwas an Emotionalität verliert. Dennoch handelt es sich um eine souverän inszenierte und in jeder Hinsicht präzise Beziehungsstudie, die interessant ist, auch deshalb, weil das anfangs etwas entfremdete Paar der Hauptfiguren darin einen Weg zueinander findet und ihre schlaffe Liebe gerade durch die Aussicht auf den möglichen nahen Tod eines von ihnen spürbar neuen Schwung erhält.

Der Versuch, zu den Wurzeln einer berühmten literarischen Vorlage zurückzukehren, hat in Garrones Umsetzung die Form eines Mix aus modernem Fantasy-Märchen und künstlerischem Realismus angenommen. Dies beruht vor allem auf der poetischen Darstellung des armen italienischen Landes und düsteren Szenen, die in Garrones bereits traditioneller und einzigartiger visueller Stilisierung umgesetzt sind, mit der er auch "Das Märchen der Märchen" und seine brutalen Dramen ausstattete. Die allegorischen Abenteuer des unartigen, zerstreuten und zu gutgläubigen Hauptcharakters, die vorübergehende Traumata verursachen und anschließend moralische Lektionen erteilen, wirken jedoch widersprüchlich und unverbunden, und einige ihrer Lehren widersprechen sich sogar gegenseitig, abgesehen von der Präsenz einiger ausgesprochen infantiler und unerträglich anstrengender Nebenfiguren. Die Zauberfee und die Grille treten nur sporadisch im Film auf und haben daher keinen so großen Einfluss auf die Gestaltung des moralischen Kompasses des titelgebenden Pinocchio, dessen Darstellung ein wesentlicher Mangel ist, da er nicht ausreichend interessant ist und praktisch keine Sympathie aufbaut, als ob Garrone zu sehr auf die Perfektion seines physischen Aussehens setzen würde und sich nicht darum bemühen würde, die Zuschauer auch von seiner Persönlichkeit, seinem Verhalten und seinen Gefühlen zu bezaubern. Der Film kämpft daher neben einigen Handlungswendungen auch mit einem Mangel an Emotionen und aufgrund des langsamen Erzähltempos oft mit Ausuferungen. Die Schauspieler und die ausgezeichnete technische Umsetzung ziehen ihn vorwärts, aber das Ergebnis besteht eher wegen seiner bemerkenswerten Bizarrheit als wegen seiner Qualität.

Bábovky sind ein Melodram, das sich unter anderem mit Prostitution, Drogen, Untreue, Hirntumor, suizidalen Neigungen, Ausreißversuchen und mehreren Schwangerschaften beschäftigt. Es wird jedoch überraschenderweise als etwas Entspannendes, Verspieltes und mit komödiantischen Sprüchen gewürzt dargestellt. Es handelt sich um einen weiteren tschechischen Film, der versucht, wie eine bittersüße Geschichte aus dem Leben zu wirken, aber dabei völlig von der Realität abgetrennt ist (die Darstellung der Beziehung zwischen einer Prostituierten und ihrem Zuhälter oder der Arbeitsbedingungen in multinationalen Konzernen ist wie aus einer anderen Welt) und dessen Charaktere nur primitive Figuren sind, die durch ein oder zwei Stereotypen definiert sind (alle erwachsenen Männer sind egoistische und rücksichtslose Schweine, während weibliche Heldinnen ihre gequälten und naiven Opfer sind). Trotz der Banalität und Dummheit des Inhalts kann man den Bábovky eine hervorragende Regie und ein Gespür für Erzählung sowie solide beherrschte formale Konzeption (Schnitt, Kamera, Musik, engagierte Schauspieler) nicht absprechen. Die Bábovky haben auch ein ordentliches Tempo, eine hervorragend inszenierte Höhepunkt-Szene in einer einzigen Einstellung und auch das allmähliche Enthüllen der Verbindungen zwischen den einzelnen Charakteren ist ziemlich unterhaltsam. Insgesamt handelt es sich also um einen Film, dessen souveräne filmische Umsetzung mehrere Ebenen besser ist, als es die jämmerlich geschriebene Handlung und die flachen Charaktere verdienen.

Tenet ist aus Sicht der Geschichte und der erzählerischen Struktur der komplexeste aller Nolan-Filme. Es erfordert Aufmerksamkeit und Konzentration und hinterlässt dennoch nach dem ersten Anschauen Fragen und Unsicherheiten, trotz aller Bemühungen des Publikums. Obwohl es aufgrund des Überflusses an Reizen, Informationen und Experimenten mit dem Zeitfluss oft dazu neigt, an der Grenze der Gesamtverständlichkeit zu balancieren, rutscht es nie in ein undurchsichtiges chaotisches Durcheinander ab. Dies ist eindeutig ein Zeichen für Nolans Regie- und Erzählqualitäten. Das zentrale Zeitmotiv nutzt geschickt viele beeindruckende Szenen und bereichert es ständig um neue und unerwartete Möglichkeiten der Nutzung, was die Handlung ständig steigert und dabei immer komplexer wird, ohne sich jedoch immer weniger mit der Erklärung dessen zu beschäftigen, was auf der Leinwand eigentlich passiert, wie es interpretiert werden sollte und worauf man achten sollte. Es ist nicht notwendig, die Filmstruktur und ihre Handlungsabfolge im Detail zu analysieren, man kann ihn ruhig nur intuitiv lesen und auf der Basis eines physischen Erlebnisses, unterstützt durch intensive Klang- und Musikkomponenten und realistisch gefilmte Action. Im Vergleich zu einigen von Nolans vorherigen Filmen ist Tenet weit davon entfernt, perfekt zu sein (insbesondere was die emotionale Darstellung der Hauptfiguren und einige etwas banale und ungeschickte Motive betrifft), ist jedoch dennoch bewundernswert und absolut prächtig. Es hat ein konsistentes und schnelles Tempo und einen unaufhörlichen Rhythmus, keine Sekunde ist überflüssig, es bleibt hervorragend zusammen und lässt den Zuschauer in vielen Passagen nicht zur Ruhe kommen. Es ist faszinierend, visionär, erzählerisch revolutionär und nicht besonders ähnlich zu irgendetwas anderem. Es ist einer dieser Filme, von denen man denkt, dass sie unmöglich zu drehen sind, wenn jemand davon erzählt. Christopher Nolan hat es mit absoluter Präzision und filmischem Können geschafft.