Filmmaniak

Eine relativ einfallsreich visuell gestaltete Sci-Fi-Dystopie, die in Bezug auf Handlung, Wendungen und konkrete Elemente deutlich von Hollywood-Narrativtechniken inspiriert ist, jedoch von beträchtlicher erzählerischer Naivität behindert wird. Sie versucht, beeindruckender zu wirken, als sie wirklich ist, aber dank gelungener Effekte und manchmal auch Stimmung ist sie auf europäischer Ebene definitiv beeindruckend. Subjektiv betrachtet ist sie jedoch schrecklich lang und redselig, viele Passagen müssten gestrichen werden (zum Beispiel hätte das leidvolle Betrachten eines Bilderbuches mit Tieren nach der Katze und der Eule ruhig enden können) und auch die buchstäblich ausgelutschten Schlusspunkte sind bedauerlich.

Der gesellschaftskritische Genre-Hybrid ist die meiste Zeit zwischen verschiedenen Themen und Charakteren zersplittert. Er zeigt vor allem auf die Lücken im System, in dem verschiedene postkommunistische Länder zum Tummelplatz für westliche kapitalistische Unternehmen werden, durch einen Einblick in die Umgebung von Bauarbeitern, die illegal unter gefährlichen Bedingungen arbeiten, und ihre skrupellosen Arbeitgeber, die sie zur Täuschung ausländischer Entwickler missbrauchen. Als Bindeglied zwischen beiden Welten nutzt der Film die Hauptfigur, eine Managerin, die moralisch lange Zeit ambivalent handelt und versucht, ihre Familie zu versorgen, dabei aber die Geliebte ihres Chefs, eines Immobilienhändlers, ist, und immer mehr an die Grenzen dessen gedrängt wird, was sie in ihrer Arbeit ertragen möchte. Daneben springt der Film auch zu der Figur eines naiven jungen Mannes, der plant, nach Abschluss seiner Arbeit als Arbeiter mit seiner Geliebten wegzugehen. Der realistisch gestaltete Film mit deutlichen satirischen Elementen und einem ironischen Titel (sowie einigen falschen Akzenten in den schauspielerischen Leistungen verschiedener Nebenfiguren) beginnt als soziales Drama, endet als Thriller und verwandelt sich mehrmals in eine schwarze Komödie, in der faule und betrunkene Arbeiter alles tun, um nicht arbeiten zu müssen. Der Film liefert daher mehrere anregende Motive, von denen einige in einigen Fällen angsteinflößend sein können, aber es dauert fast bis zum Schlussakt, bis sie sich stabilisieren, verbinden und schließlich richtig fesseln.

In der ersten Hälfte wird unter anderem auf die Zusammenstöße zwischen dem rebellierenden Elvis und der Zensurkommission Wert gelegt, die seine verdrehten Bewegungen als obszön betrachtet. Die zweite Hälfte basiert hauptsächlich auf Presleys Konflikten mit seinen Mitmenschen, entweder indem er ihren Erwartungen grundsätzlich nicht entsprechen möchte oder indem er ihnen zu ihrem eigenen Enttäuschung nicht gerecht werden kann. Das ganze Filmes thematisiert den unermüdlichen Versuch, die eigene außergewöhnliche persönliche und musikalische Identität aufrechtzuerhalten, die als einziger Schlüssel zum Erfolg und Unsterblichkeit des Künstlers dient. Der charismatische und sowohl bewegungs- als auch gesangsbegabte Austin Butler ist in der Hauptrolle absolut herausragend. Er kann nicht nur bei fantastisch inszenierten Musiknummern begeistern, sondern auch in leisen Momenten eine relativ breite Palette an Emotionen absolut natürlich und sensibel ausdrücken. Die meisten Neben- und Randrollen sind typgerecht besetzt. Natürlich hat auch der großartige Tom Hanks in der Rolle des zweitwichtigsten Charakters, Presleys Musikagenten und gleichzeitig des Erzählers des Films, viel Raum, der zwar mehrfach versucht, das Publikum davon zu überzeugen, dass er es die ganze Zeit gut mit seinem Schützling gemeint hat, aber seine Taten, wie sie im Film dargestellt werden, sprechen das Gegenteil. Seine Perspektive als unzuverlässiger Erzähler ergänzt sich natürlich mit der Perspektive von Elvis und der Film legt großen Wert auf die Veränderungen in ihrer freundschaftlichen-familiären-geschäftlichen Beziehung. Die Geschichte folgt einer präzise rhythmisierten Struktur, in der Elvis' Auftritte immer den Höhepunkt der einzelnen Abschnitte und Zeitabschnitte bilden. Regisseur Baz Luhrmann ist in Bestform seit "Moulin Rouge" und glänzt auch als herausragender audiovisueller Erzähler und Meister des Schnitts. Ein paar zweisekündige Aufnahmen und die passende Musik reichen ihm aus, um sofort die richtige Stimmung des jeweiligen Moments, der Umgebung und der Umstände einzufangen. Im Bereich der biografischen Filme über Musiklegenden ist "Elvis" ein Juwel, das seinen titelgebenden Helden in vielen verschiedenen Positionen und Stilen zeigt und unabhängig davon fesselt, ob man seine Geschichten und Lieder kennt oder nicht, und dank vieler erkennbarer Markenzeichen und filmischer Techniken kann man seinen Regisseur einfach nicht leugnen. Es ist eine packende audiovisuelle Reise, die einen von den ersten Aufnahmen an mitreißt und förmlich danach schreit, auf der großen Leinwand gezeigt zu werden.

In der schwächsten Episode der Serie tritt Johnny English als geheimer Agent aus der alten analogen Schule auf, der plötzlich mit modernen digitalen Technologien wie Smartphones oder Virtual Reality konfrontiert wird. Seine heftigen Auseinandersetzungen mit den aktuellen Errungenschaften sind jedoch im Film nur sporadisch präsent, weshalb der Großteil des Humors, der stark aus den vorherigen beiden Teilen schöpft, wieder durch die klassische "beanesque" Komik vermittelt wird, neben parodistischen Spielchen mit dem Spionage-Genre. Die ausgelutschten Szenen mit längst ausgereizten physikalischen Gags (dem Hauptcharakter bleibt beim Trinken eines Cocktails ein Regenschirm in der Nase stecken, beim Flambieren von Garnelen erschrickt er vor dem Feuer und verteilt sie auf dem Boden...) wirken jedoch bereits ziemlich erschöpft und vorhersehbar. Die insgesamt routinierte und müde Regie hilft ihnen durch ihr unzureichendes Gefühl für komödiantisches Timing sicherlich nicht. Die Filmemacher erscheinen zudem als konservative Spießer und Technophobe, die neue Technologien als Werkzeuge des Bösen präsentieren, die die meisten Charaktere im Film absolut nicht verstehen, einschließlich des Hauptcharakters, dessen Unangepasstheit gegenüber allem Modernen als Tugend gepriesen wird - am Ende wird er sogar in mittelalterliche Rüstung gesteckt, um noch deutlicher zu unterstreichen, dass er ein Held vergangener Zeiten ist. Ein Held, der allgemein als unfähiger Idiot angesehen wird, der jedes Mal alles vermasselt und Erfolg nur durch Zufall und glückliche Umstände hat, aber dennoch in den Schlussszenen von der Premierministerin als Vertreter der richtigen britischen Werte und Qualitäten gelobt wird. Rowan Atkinson ist zwar mit seinem Grinsen normalerweise in der Lage, viel zu retten, aber diesmal reichten seine Bemühungen zur Rettung dieser faulen und rückständigen Komödie ohne Fantasie und mit schwachem, unauffälligem und abgenutztem Humor leider nicht aus.

Eine weitere Ergänzung zu den tschechischen Mainstream-Komödien, die Männer und Frauen sowie Intelligenz im Allgemeinen beleidigen. Nichts anderes als eine sexistische Parade schädlicher Stereotypen, die anstatt widerlegt zu werden, bestätigt und normalisiert werden und sogar noch abscheulicher sind als im vorherigen Teil. Jiří Langmajer als Frau im männlichen Körper liefert eine extrem überzeichnete Karikatur der Weiblichkeit (was im Widerspruch zum Verhalten der Hauptfigur zu Beginn steht, als sie noch einen Frauenkörper hatte), sie trägt rosa Leggings zum sportlichen Training, bestellt in einem Restaurant "Zitronenwasser" und entdeckt zum ersten Mal, wie es ist, von einem Ball in die Hoden getroffen zu werden. Er wird jedoch erst zum "echten" Mann, wenn er sich mit seinem Bier auf das Sofa zum Fußball legt und anfängt zu furzen. Puh, puh. Vor allem ist es aber eine Komödie, die Frauen unter dem Deckmantel der genre-typischen Übertreibung einredet, dass Dinge wie mangelnde Hygiene oder das Bedürfnis, in die Ferne zu spucken (aber auch Untreue, Eifersucht oder Chauvinismus), zu den männlichen Eigenschaften gehören, die von Frauen entschuldigt und toleriert werden sollten. Frauen werden dabei als Urheberinnen aller männlichen Probleme und Fehler dargestellt, einschließlich des Furzens, weil sie ihren Männern beim Backen zu viel Hefe geben. Die einzigen deutlicheren weiblichen Charaktere im Film sind eine inkompetente Therapeutin, die Männer nicht leiden kann und ihre Verachtung allen ihren Klientinnen einflößt, ihre Freundin, die ihr ohne zu zögern empfiehlt, sich einen Liebhaber zu suchen, und die Wirtin, die aktiv älteren Fußballstammgästen nachstellt und ihre lästigen Reden dabei ignoriert. Männer werden wiederum am häufigsten als stinkende Bierprimitive dargestellt, die am meisten darunter leiden, dass ihre Ehefrauen/Partnerinnen immer etwas von ihnen wollen und sie nie genau wissen können, was, weil der weibliche Verstand für Männer einfach zu kompliziert ist, um ihn zu verstehen. Der Kauf einer Blume ist dann eine universelle Entschuldigung für alles und eine Lösung für alle Beziehungsprobleme, genauso wie gelegentliches Abendessen bei Kerzenlicht, das gleichzeitig eine fast garantierte versprechende leidenschaftliche Nacht ist. Zusätzlich ist der Film faul, abgefertigt, unauffällig und verzweifelt inkonsistent und undurchdacht. Es endet mit einem brutal überstürzten Finale, in dem das Happy End plötzlich mit einem Fingerschnippen eintritt. Rudolf Havlík mag trotz allem ein fähiger und intelligenter Filmemacher sein, aber das hier hätte er wirklich nicht tun sollen. Gehen Sie nicht hin, sonst entsteht eine Trilogie.

Eine beeindruckende Wiederbelebung des klassischen Musicals, die im Vergleich zu ihrem Vorbild den Vorteil einer erstklassigen modernen Inszenierung hat und daher eine größere Anziehungskraft und insgesamt ein flotteres Tempo besitzt. Hervorragende Schauspieler, phänomenale Tanz- und Gesangseinlagen sowie Lieder nicht nur über Liebe und Lebensfreude, sondern auch über Diskriminierung und Gewalt haben selbst nach Jahren nichts an Kraft und Aktualität verloren. Darüber hinaus erklingen sie in einem großartigen Film, der den Qualitäten seines Vorgängers in nichts nachsteht und das Thema rassischer Konflikte als bis heute relevantes gesellschaftliches Thema neu aufgreift.

Der Film nagt bewusst an seinem Thema der Vorahnung des nahenden Todes (und Dinge, die damit zusammenhängen) und erhält seinen Namen in dem Sinne, dass es sich tatsächlich nur um eine Nachricht handelt, und zwar um eine außergewöhnlich nüchterne Nachricht. Der langsam erzählte Film häuft sich mit sich wiederholenden Dialogen und narrativ leeren Aufnahmen auf, wobei er zielgerichtet maßvoll und ausdruckslos Szenen einfängt, wobei der Schwerpunkt auf faktische Sachlichkeit in sorgfältig komponierten Aufnahmen liegt, die in einem stark eingeschränkten vertikalen Bildformat ausgeführt sind. Bemerkenswert ist das Motiv der Mechanisierung, vermittelt durch die Betonung der Präsenz verschiedener Maschinen (von Maschinen, die den Mann am Leben erhalten, bis zu einem Kaffeeautomaten oder einem sprechenden Aufzug), in das schließlich auch beide Hauptfiguren einbezogen sind, die an der Seite eines nicht reagierenden Mannes im Krankenhausbett sitzen und wie Roboter in regelmäßigen Abständen ungefähr sechs verschiedene Wiederholungen aussprechen. Darüber hinaus versucht der Film, durch verschiedene Wortspiele und markante Symbolik sowie etwas Spirituelles und Transzendentes zu erreichen, tut dies jedoch ohne erkennbares Substanz. Trotz des Rückgriffs auf persönliche Erfahrungen des Regisseurs und einer festen Regiehand ist aus "Zprávy o záchraně mrtvého" ein völlig lebloser und rein akademisch und künstlich wirkender Konzeptfilm entstanden, der mit seinem Abwägen an der Grenze zur kontemplativen Meditation eine bestimmte Randgruppe des Festivalpublikums ansprechen könnte, jedoch für die große Mehrheit der Zuschauer wahrscheinlich nur eine sehr unfreundliche und umständliche Vorstellung darstellt, bei der das vorherrschende Gefühl der ermüdende Langeweile ist.

Heldinnen und Helden des Films entschuldigen zwar den fünften Scream auf einer gewissen Meta-Ebene dafür, dass er nur eine Wiederholung bereits mehrmals verwendetet Schemata und Motive ist (was er auch ist), weil das wollen engagierte Fans. Und es ist möglich, dass dies für Genre-Fans und insbesondere für Fans dieser Serie wirklich ausreicht. Ein so abgenutzter Film, der den Zuschauern praktisch dasselbe serviert wie seine Vorgänger und keine Notwendigkeit hat, sich abzuheben, kann jedoch schwer die Tatsache retten, dass seine Schöpfer sich seiner Abnutzung bewusst sind und an einigen Stellen humorvoll darauf hinweisen. Gleichzeitig können die Heldinnen und Helden des Films endlos über verschiedene Regeln des Horror-Genres und verschiedene Fehler witzeln, die die Figuren in diesen Filmen machen, aber was bringt das, wenn sie sich dann selbst nicht vor diesen Fehlern schützen können. Bis zu einem gewissen Grad macht das Rätselraten immer noch Spaß, welche Figur der Mörder ist, während die Möglichkeiten allmählich abnehmen, aber sie schaffen es nicht wirklich, die neuen (und nicht besonders sympathischen) Charaktere anzusprechen, die Rückkehr der alten Bekannten oder die blutigen (jedoch unauffälligen) Morde.

Nic proti dem Vorhaben, eine bewährte Vorlage zu recyceln und mit Frauenlauf einen weiteren kommerziellen Erfolg zu landen, sofern dabei ein qualitativ hochwertiges und unterhaltendes Produkt entstanden wäre (was hier nicht der Fall ist). Dennoch wird es sicherlich auch dieses Mal Zuschauer geben, die überaus zufrieden sind und nicht stört, dass der Film wie ein handlungsfauler Versuch wirkt, auf Nummer sicher zu gehen, dessen Dialoge vor Naivität strotzen, gelungener Humor darin nur sporadisch auftritt und dessen extrem vorhersehbare, fade banale und emotional kraftlose multi-generationale romantische Handlungsstränge bis auf das Mark entblößt sind. Lob verdienen die eifrigen Schauspieler und die tierischen Protagonisten für ihre sympathischen Leistungen, und die meisten handwerklichen Aspekte des Films können insgesamt als solide bezeichnet werden (abgesehen von der sich endlos wiederholenden anleitenden Musik). Ansonsten wird Herz in der Hand jedoch nur durch seine einfache Handlung (sogar Primitivität) ermüdet und bietet nichts, was in irgendeiner Weise signifikant fesseln könnte.

Im Rahmen der digitalen Natur der gesamten Serie macht es weitgehend Sinn, den neuen Teil nach einer achtzehnjährigen Pause als "System-Neustart" zu betrachten und ihn mit einem modernen Upgrade zu ergänzen, das den Film sowohl in Bezug auf die Gesamtatmosphäre als auch formal wesentlich von den früheren Teilen unterscheidet. Die endgültige Umsetzung wirft jedoch viele Zweifel auf. Die vierte Matrix wird zweifelsohne widersprüchlich aufgenommen, weil die Gründe für seine Existenz vor allem daraus resultieren, dass es weniger ein guter Film als vielmehr ein erzählerisch interessanter und filmisch mutiger Film ist, der in Bezug auf Sequels bekannter Filmserien sehr unkonventionell ist und sich in seiner Herangehensweise an sich selbst und das gesamte Matrix-Phänomen, dem es folgt, praktisch einzigartig ist. Auf der einen Seite enttäuscht der Film in seiner bedauerlichen Umsetzung von Actionszenen, seine Beziehungslinie zu den Hauptfiguren der Originaltrilogie ist emotional überraschend leer und die weitere Entwicklung der fiktiven Mythologie wirkt zerstreut und unvollständig (einschließlich einiger Sackgassen). Auf der anderen Seite kombiniert er jedoch auch recht unterhaltsam viele erzählerische Stile, von spielerischem und ironischem meta-bewusstem Ansatz über nostalgische Erinnerungen und tendenziöse Action-Routine bis hin zu Science-Fiction-Romanzen, was es ermöglicht, Matrix Resurrections auch als konzeptionellen Film zu betrachten, der allmählich verschiedene stilistisch unterschiedliche Beta-Versionen präsentiert, wie man an die Matrix-Trilogie anknüpfen könnte, und sie zu einer erzählerischen Einheit verbindet. Daher kann er nicht unbedingt wegen seiner durchweg veränderlichen und diskutablen Qualität empfohlen werden, sondern wegen seiner bemerkenswerten und anregenden narrativen Form.