POMO

Ein schwungvoll erzähltes Action-Science-Fiction-Märchen mir Herz. Die beste Gestalt ist die digitale Alita, überraschenderweise die lebendigste Figur von allen. Supercute! Der liebe Papa Waltz ist auch prima. Den anderen Figuren sollte man mehr Zeit widmen. Dem Film würde es eine Komplexität verleihen, die ihm ein wenig fehlt. Dabei denke ich nicht nur an eine detailliertere Darstellung des Charakters von der Super-MILF Connelly und ähnlichen wichtigen Figuren, aber auch z. B. an den Cowboy Fahey, welcher eine witzige Nebenfigur repräsentiert. Im Drehbuch hätte er bestimmt mehr Raum gehabt. Die Emotionen im Film gleichen einer Achterbahn mit effektvoller Action, es gibt Prügeleien und eine Verwandlung von einem zarten Mädchen in eine ultimative Kämpferin. Das alles ist atemberaubend. Ich war zufrieden. Im Atmos oder IMAX würde ich mir das ruhig noch einmal ansehen. Die Japaner*innen werden begeistert sein.

Ein Autorenfilm, der von zarten Sachen im Leben mehr durch eine künstlerische Bildgestaltung als mithilfe der Gesichter von Figuren und ihrer Dialoge erzählt. Mit den Dialogen und Gesichtsausdrücken arbeitet er auch (und Yalitza Aparicio ist ausgezeichnet), es ist jedoch keine universell ansprechende, traditionell emotionale Aussage (der Film hat auch keine Originalmusik, welche die Zuschauer*innen "manipulieren“ würde). Cuarón wollte sich nach der Nutzung seines außergewöhnlichen Talents beim ausgesprochen kommerziellen Film Gravity in ein pures Filmemacher-Vergnügen begeben, ohne auf Verpflichtungen gegenüber dem Studio achten zu müssen. Roma ist eine brillante Filmarbeit, die ich bei jeder Aufnahme bewundert (drei bis vier Szenen fand ich ziemlich beunruhigend) und alle ihre sozialen Hinweise wahrgenommen und anerkannt habe (eine Klassengesellschaft, eine außergewöhnlich starke Frau mit einem schweren Schicksal). Die Emotionen waren aber nicht wie bei Gravity oder Children of Men.

Ein witziges Intro mit Knoxvill, eine funktionierende emotionale Ebene mit einem Mädchen als Schützling, ein schlampig gemachtes und beschleunigtes Finale mit bad guys. Ein Popkultur-Blödsinn mit zu vielen toten Unschuldigen, was witzig sein soll, und mit Negativgestalten, die cool wirken sollen. Und mit dem Charakterdarsteller Mikkelsen, der zu dem Film überhaupt nicht passt. Paradoxerweise ist aber er der einzige Grund dafür, warum man sich das Ganze ansehen kann.

Gerade noch drei Sterne. Eine unnötige Soft-Variante von Saw ohne Blut und Sadismus. Das Konzept ist dasselbe, mit uninteressanten Figuren und einem noch uninteressanterem Quasi-Jigsaw. Im Film ging mir nichts auf die Nerven, handwerklich ist er auch OK. Aber trotzdem hat mich nichts überrascht oder überdurchschnittlich erfreut. Ein Häppchen ohne Ehrgeiz für Teenager.

Als ich Den weißen Hai im Kino und paradoxerweise weit von der Leinwand entfernt beobachtet habe, sah ich den Film auf einmal in einem anderen Licht. Es tritt die Gesamtkomposition vom Bild hervor, die schon in diesem frühen Film von Spielberg aus handwerklicher Sicht meisterhaft ist (was eigentlich schon bei seinem vorigen Duell der Fall ist). Auch die Darstellung der Figuren und ihrer Beziehungen ist in Der weiße Hai ein pures Filmvergnügen. Sie sorgen nämlich in dem Film mit einem einfachen Plot für eine Geschichte. Ganz zu schweigen von der tollen Spannung, die von der Regie aufgebaut wird. Sie drehen als erster in der Filmgeschichte einen erstklassigen Film über einen mörderischen Hai, auf einem unbekannten Kleinstadtstrand, wo es kein lokales Potenzial gibt. Sie haben ein altes Schiff und einen mechanischen Hai. Und Sie schaffen es, so einen kompakten, spielerischen und gleichzeitig grauenhaften Film zu drehen, bei dem jede Szene die Zuschaer*innen unterhält? Hut ab, Steven! An seiner Seite hatte er eine unglaublich talentierte Unterstützung. Man muss dafür dankbar sein, dass sich John Williams am Film beteiligte.

Ein sensibler Film, der sich mit zwei unterschiedlichen Helden und ihrer freundschaftlichen Annäherung befasst. Er enthält einen sanften Humor und mehrere thematische Schichten. Mádl kann über Menschen aller Alterskategorien wie ein altgedienter Filmemacher erzählen. Švehlík war ausgezeichnet. Ich freute mich auch darüber, dass es kein product placement an Stellen gab, wo Platz dafür wäre. Man sollte nur kein K.O. Ende voller Emotionen erwarten, was aus Ab ans Meer! einen unvergesslichen Film machte. On the Roof zerschlägt die Zuschauererwartungen in der zweiten Hälfte (absichtlich und geschickt).

Das Ende ergibt im Kontext zu den vorigen Beweggründen der Figuren nicht so richtig Sinn. Nach dem ganzen düsteren, irrationalen Wolf-Okkultismus in der Alaska-Wildnis ist es aber kein großes Problem. Wichtig ist, dass der Verlauf der ziemlich langen Geschichte immer spannend bleibt, die Atmosphäre überwältigend ist und immer neue überraschende Wenden der Handlung kommen. Der Film nahm mich gefangen, ähnlich wie Wind River, in dem nur alles seinen logischen Platz hatte und auf ein sinnvolleres und gedankenreicheres Finale hinsteuerte.

Ein weiterer Versuch, ein horrormäßiges Sozialdrama zu drehen, das im Schatten von Darabonts Der Nebel blieb. Der ständige Wechsel von zwei Zeitebenen wird nach einer Stunde monoton. Mit seinem "Beziehungsinhalt“ und den Klischees, zu denen er neigt, ist es sehr unwahrscheinlich, dass der Film mit etwas überraschen oder durch etwas Neues den Stoff ergänzen könnte, der sowieso schon manchen neuen Genre-Filmen ähnelt. Die attraktive Prämisse mit einem super Start nutzt ihr Potenzial nicht, um zu einer soliden Genre-Angelegenheit zu werden. Der Film bleibt nur ein sicheres Mainstream-Drama über die Wichtigkeit des Zusammenhalts mit ein paar gespensterhaften Szenen, Kindern in Gefahr und der angenehmen Sandra. Ich kann nicht leugnen, dass ich es mir mit Interesse bis zum Ende angesehen habe. Ich sehe darin nur eine große vergeudete Chance.

Mr. Shy hat sich hier richtig ausgetobt. Er arbeitet konsequent mit dem dramatischen Potenzial aller drei Hauptfiguren und ihrer sich vertiefenden/ kommenden Interaktion in einem Haus. Er steigert die Spannung und unterhält mit der Erforschung des brillanten Stoffs, welchen er vor 19 Jahren schuf und an den er vor 3 Jahren anknüpfte (der magische Gedanke von der Anwesenheit der Comichelden in der Realität). Er fügt visuelle Kreativität, thematische Verweise und im Finale zwei Pointen hinzu. Obwohl bei der ersten Pointe alles ineinander passt und eine richtige Konspiration mit Originalität und Mut entsteht, bin ich mir nicht ganz sicher, dass ich es so wollte. Die zweite Pointe sollte es überhaupt nicht geben, weil der Film dafür absolut ungeeignet ist.

Ein kalter Five O’Clock Tea ohne einen notwendigen dramatischen Drive. Interessant ist der Film nur wegen Eastwoods Persönlichkeit und seinem Greis, dessen Charakter umstritten ist. Als Ehemann, Vater und Opa versucht er, die Beziehungen in der Familie zu verbessern. Diese Ebene ist nicht stark und schon überhaupt nicht originell. Die Thriller-Geschichte mit dem Schmuggeln wirkt im Rahmen von heutigen Genre-Standards zwar sympathisch altertümlich, ist aber nicht hinreißend. Die Negativgestalten sind nicht genug scary und wenn sie unseren "Helden“ bedrohen, fürchtet man sich um ihn nicht so sehr. Vielleicht auch deswegen, weil er kaum jemandem in seiner Geschichte fehlen würde.