POMO

Ein Psycho-Spiel, das lange unklar und nicht besonders fesselnd ist. Schließlich ist der Film jedoch überraschend, er macht Sinn und er schafft es sogar mit einem Zwinkern in Richtung Publikum. Ein Vertreter des unabhängigen Horrorfilms, der an manchen Stellen eine unerfahrene Regie und eine schwache Ausdruckskraft hat. Das gute Thema mit einem höheren Ziel sorgt aber dafür, dass der Film zusammenhält. Das Böse, das Dämonische, die Schuld, die Buße und die Strafe. Die erstklassige britische Schauspielerin Imelda Staunton in einer Nebenrolle, die jedoch ikonisch ist.

Das ausgezeichnete Drehbuch verfolgt präzise die steigende Spannung und den Ernst des Geschehens aus allen Blickwinkeln der Beteiligten – die Demütigung der leidenden „Häftlinge“, den Missbrauch der Macht durch die Wärter, die Gewissensbisse der Beobachter, d. h. der Organisatoren des Experiments. Zur rechten Zeit erscheint ein weibliches, ein empathischeres Element, das die Situation menschlich und am präzisesten beschreibt. Der Regisseur und die Schauspieler*innen haben eine tolle Arbeit geleistet, Billy Crudup brilliert. Der Film ist besser als erwartet, er hat praktisch keine schwache Stelle.

Die Klassiker Tapert, Raimi und Campbell haben die Latte hoch gelegt und lassen nicht nach. Das betrifft die Intensität, das Blut sowie das hohe technische Niveau. Zum ersten Mal außerhalb des Waldhauses, aber in einem ähnlich unwirtlichen mehrstöckigen Haus ohne einen funktionierenden Lift und ohne eine Fluchttreppe. Die dämonischen Masken und das Verhalten der besessenen Opfer sind schon ein bewährtes fan-servis Trademark der Serie. Die Figuren verhalten sich nicht mehr so doof wie letztes Mal. Ihre Besetzung und die „Rock-Emo-Stilisierung“ sind unkonventionell und erinnern an das Ensemble von Hellraiser: Das Schloss zur Hölle. Die magisch schöne Alyssa Sutherland ist für die Rolle eines Dämons geboren worden. Wir wissen, dass diese Serie die durchtriebensten Dämonen ever hat. Diesmal gibt es in dem Film auch ein kleines Mädchen! Es ist angenehm, auf der großen Leinwand wieder einmal so einen Massaker-Genre-Leckerbissen zu sehen, der mit so viel Liebe gemacht wurde.

Klischees, mit denen unglaublich doof gearbeitet wird. Ohne funktionierende Grundzusammenhänge. Aus der Filmemacher-Sicht ohne Stil und Invention, ohne Stimmung. Das Potenzial der modernen Smart-Bude wurde auch gekillt. Die Figuren sind fürchterlich und ihre Beziehungen haben kein Konzept. House of Wax aus dem Jahr 2005 ist im Vergleich zu diesem Streifen ein solider Genre-Film.

Kurse, in denen man das Kochen, die Tafelkultur und die Kaffeezubereitung lernt, mit der sündhaften Frau Jeanne. Ein formaler Minimalismus mit kleinen Unterschieden in dem sich wiederholenden Inhalt. Das prozedurale Beobachten des Verlaufs von einigen Tagen bei einer Frau, die morgens ihren Sohn zur Arbeit begleitet und beim Abendbrot mit ihm ein paar Worte wechselt. In der Zwischenzeit beschäftigt sie sich mit verschiedenen Dingen: Sie kocht, geht einkaufen, empfängt einen Herrenbesuch, der für ihre Gesellschaft bezahlt, sie duscht sich, bereitet das Abendessen vor… Dieser Blick ins Privatleben ist so detailliert und schauspielerisch konzentriert, dass er für die Voyeure unter den Zuschauer*innen befriedigender als ein Dokumentarfilm mit dem gleichen Stoff ist. Eine akademische Reinheit, die man wegen der Zeit, die man intim mit einer Figur verbringt, nicht vergisst.

Ein prima naughty Film aus den 90ern oder Pretty Woman für romantische perverse Zuschauer*innen. Die verletzliche, suchende und ergebene Maggie Gyllenhaal in einer Geschichte von einer ungewöhnlich starken intimen Annäherung, die mit einer Trennung und einer seelischen Zerstörung oder mit einer Verbindung der Partner und einer absoluten Erfüllung enden kann. Die Stimme von James Spader ist wie immer exakt, sowohl in den distanzierten als auch in den explosiveren Momenten. Die erotischen Szenen sind psychologisch forschend und aufregend, der humorvolle Ton ist angenehm leicht, das emotionale Drama berührt das Publikum. Ein mutiger und überraschend netter one-of-a-kind Beziehungsfilm.

Ein frisches Unternehmerabenteuer mit einem maximalen feel-good Happyend. Aus einer US-amerikanischen Zeit, die wir jetzt am sympathischsten finden. Air - der große Wurf ist nicht so lustig und so verführerisch amoralisch wie The Wolf of Wall Street, er deckt keine interessante Kuriosität wie Die Kunst zu gewinnen - Moneyball auf. Es ist aber eine wahre Geschichte vom amerikanischen Traum mit einer geschickten Regie und Darsteller*innen, die ihre Rollen genossen haben. „Booorn in the USA!“

Die Figur des ungewöhnlichen rebellischen Priesters, die auf eine interessante Art und Weise von dem ausgezeichneten Russell Crowe dargestellt wird, ist am Anfang unterhaltsam. Umso langweiliger ist dann das kopflose Genre-Herumtoben im letzten Drittel, das eher lächerlich als unheimlich oder beeindruckend wirkt. Die beste Szene des Films, sein Höhepunkt, ist einigermaßen OK; die Handlungslinie, die sich erst entwickelt, ist ungefähr in der Mitte. Ein Mainstream-Kinofilm mit einem Starschauspieler, der im Rahmen des Genres hundertmal nutzloser als die Leckerbissen ist, die hierzulande gar nicht in die Kinos kommen.

Dieser Film recycelt manche Dinge. Es ist aber immer noch ein unterhaltsamer Actionknaller ohne langweilige Stellen, auch wenn er knapp drei Stunden dauert. Er hat auch das bisher schönste Finale von allen Teilen der Serie. Bill Skarsgård ist ein ausgezeichneter Bourgeoisie-Schuft, Donnie Yen die erste Nebenfigur in der Serie, die Wick gleichkommt und gleichzeitig kein eindimensionaler Schurke ist. Die RPG-Aufnahmen von oben in den Räumen sind großartig. Die Fahrt in der Gegenrichtung am Kreisverkehr am Pariser Arc de Triomphe hätte man aber meiner Meinung nach aus Mission: Impossible nicht übernehmen sollen, weil es diese Serie, die genauso gut ist, nicht nötig hat. Die Leichtigkeit (Radiohits vom Eiffelturm, der lange Sturz von der Treppe) ist – im Hinblick auf die riesigen Dimensionen des Films – sehr angenehm. Die Ausstattung ist natürlich wieder sensationell. Hoffentlich wird die junge Japanerin Rina Sawayama auch im fünften Teil auftauchen.

Daniel Craig hat eine gute Arbeit geleistet, die Figur des Detektivs ist für ihn wie maßgeschneidert. Er genießt seine Rolle, was dazu führt, dass sich das Publikum amüsiert. Die Kostüme, die Interieurs sowie die Exterieurs von seinem zweiten „Knives-Out-Abenteuer“ sind super. Die anderen Figuren machen die Zuschauer*innen neugierig, man möchte ihr Geheimnis enthüllen und vor allem ihre tatsächliche Beziehung zu dem Gastgeber, dem Milliardär Edward Norton aufdecken. Der Ausgang ist aber nicht besonders überraschend oder schlau. Damit wird Glass Onion: A Knives Out Mystery nur ein angenehmer und bunter Film zum Entspannen mit einem feinen Geschmack.