POMO

Das repetitive Lamentieren über das Trauma und die Schuldgefühle des Haupthelden langweilt mit der Zeit, aber der düstere Ton der ins Wanken geratenen japanischen Position im Krieg trägt dazu bei, dass das gigantische Monster im Überfluss präsentiert wird. Godzilla ist hier, begleitet von bedrohlichen Tönen der düsteren Musik, ein Symbol des Kriegsschreckens, einschließlich der verheerenden nuklearen Bedrohung. Die Ozeanszenen mit ihr sind hervorragend und bieten eine Steigerung sowie Ideen, wie man das Maximum aus ihren physiologischen Möglichkeiten herausholen kann. Sie ist bedrohlich, wütend und unzerstörbar. Die Szenen mit ihr in der Stadt sind nur ergänzend, als ob die Autoren nicht das wiederholen wollten, was man schon hundertmal gesehen hat (auch in amerikanischen Monster-Filmen). Man hat den Eindruck, dass sie den spezifischen Schiff- und Wasser-Charakter beibehalten wollten. Das Budget von 15 Millionen US-Dollar für ein derart hochwertiges CGI ist unglaublich und der Erfolg in amerikanischen Kinos könnte eine Veränderung in der Denkweise der Hollywood-Produzenten darüber bedeuten, was ein guter Actionfilm braucht und was nicht. In dieser Hinsicht ist Godzilla Minus One ein ähnliches „Transformationsphänomen“ wie Barbenheimer dieses Jahr.

Nicht ein bisschen schwächer als Gladiator (wie wir gehofft hatten), sondern nur ein bisschen besser als Robin Hood (leider). Ausschnitte aus historischen Etappen von Napoleons Aufstieg und der „Eroberung der Welt“, die mit seiner Beziehung zu der Frau seines Lebens verwoben sind. Die Schauspieler*innen und die gelegentlichen Schlachten sind unterhaltsam, im Inneren ist der Film aber distanziert und fade. Er hat kein Interesse daran, die Persönlichkeitsmerkmale Napoleons zu finden, auf denen er die Psychologie seiner Geschichte oder irgendeine Idee aufbauen könnte. Oder er ist dazu nicht in der Lage. Er nutzt auch nicht die Gelegenheiten seiner persönlichen Konfrontation mit den Nebenfiguren, die die Geschichte mit dichtem Inhalt hätten füllen können. Und Napoleons Liebesbeziehung, der viel Aufmerksamkeit gewidmet wird, bleibt für den Zuschauer kalt und distanziert. Die routinemäßige Erzählweise lässt befürchten, dass der längere Director's Cut zwar informativer, aber dennoch seelenlos sein wird. Ridley Scotts erster historischer Film ohne eine Musik-Identität.

Die Bewegungen, die Gangart und die Stimme von Michael Fassbender sind interessant. Und das war’s. Seine monologischen Betrachtungen sind so leer wie das Handwerk seiner Figur. Und die naturalistische Prügelei von zwei kaltblütigen Profis haben wir schon anderswo und intensiver gesehen. Die Einfachheit der Geschichte würde mich überhaupt nicht stören, wenn sie als Ausgleich mit phantasievollen Momenten, einem originellen psychologischen Profil der Hauptfigur und formalen Spielen geschmückt wäre. Der Killer bietet aber so etwas nicht. Die Form ist präzise und sauber, aber fade. Die Begegnung am Tisch mit der perfekt besetzten Tilda Swinton weckt die Neugierde und Beteiligung des Zuschauers, fast so wie das Face-to-Face-Treffen von Al Pacino und Robert De Niro in Heat. Dies ist aber auch die einzige Szene, an die ich mich erinnere. Für David Fincher ist das wenig. Als ähnlich minimalistisches, einzigartiges und emotional stärker involviertes Profil eines Auftragskillers ziehe ich The American mit George Clooney eindeutig vor.

Funny Games U.S. für Teenager. Mit einer Dosis Unvorhersehbarkeit in dem gelungenen Drehbuch, aber mit einer regiemäßig unzureichenden Darstellung der zunehmenden Ernsthaftigkeit der Situation. Wenn das Hauptopfer im Finale den größten Schock erleben soll, sieht es genauso aus wie im ersten Drittel des Films, als es noch nicht wusste, dass es kein Kinderspiel ist. Der böse Fratz ist jedoch gut besetzt und gespielt und das Ziel der Autoren, die Weihnachtsfamilienatmosphäre durch einen Hauch von Morbidität zu ergänzen, ist lobenswert.

David Harbour ist die Hälfte des Films. Der gutmütige Santa Claus mit Wurzeln eines strengen Wikingers wurde für ihn geschrieben. Das Mischen von Motiven aus Stirb langsam und Kevin - Allein zu Haus, die in Amerika zu Weihnachtskultklassikern geworden sind, ist der richtige Weg, um in ihrer Gesellschaft in einem anderen Genre-Gewand zu sein. Wirkola ist es fast gelungen – er kombiniert Weihnachtsklischees mit neuen Ideen, die Familienmitglieder in Gefahr sind kein Klischee und die Handlung ist schwungvoll. Es ist nur schade, dass die Gegner von Harbour keine interessanten Schufte sind, vor denen man mehr Respekt hätte.

Beim Betrachten der Promo-Fotos habe ich gedacht, dass dieser Film nur eine weitere romantische kitschige Alpengeschichte ist. In der Realität ist es jedoch der schönste Film der letzten Jahre über das Leben in den Bergen, aber auch über das Leben im Allgemeinen. Und auch mit den schönsten Alpenpanoramen in einem Spielfilm in den letzten Jahren. Die Auswahl der Drehorte und die aufgenommenen Details (die Busfahrt) zeugen von der Beziehung des Regisseurs zu den Bergen und werden bei ausgewählten Zuschauern ein Déjà-vu auslösen – für diese magischen Bruchstücke in der unterbewussten Wahrnehmung der Hochgebirgsnatur kehren wir wieder zu ihr zurück, um Seelenruhe zu finden. Eine präzise Charakterisierung der Figuren, der Theaterschauspieler Stefan Gorski hat seine Rolle perfekt dargestellt. Die Szene, in der er seine Verlobte zur Berghütte bringt und ihr erklärt, warum er sich hier niedergelassen hat, ist das Herz des Films. Ein attraktives Thema, der Bau der ersten Seilbahnen und die damit verbundene Stromzuleitung in die Bergdörfer, aber auch tödliche Unfälle bei besonders schwerer körperlicher Arbeit. Eine tolle, ständig „schwebende“ Kamera, eine immer perfekt passende schöne Musik. Und der Epilog…

Filmtechnisch zwar standardmäßig, aber mit einer starken Geschichte und zwei Schauspielmatadoren Jodie Foster und Annette Bening, die sich voll und ganz für den Film einsetzen, an den sie glauben. Freundschaft und Unterstützung über das Grab hinaus, Wille und eine unbeugsame Überzeugung, die die Welt bewegt. Storymäßig Anzeichen oscarwürdiger Parameter, aber die Massen werden den Film wahrscheinlich so ähnlich wie im letzten Jahr Howards herausragendes Werk Dreizehn Leben nicht bemerken. Ich freue mich, dass Jimmy Chin in die Spielfilme vordringt.

Es ist schade, dass das Böse – was die physischen Fähigkeiten und Bewegungen betrifft – so sehr realitätsfern ist. Ansonsten möchte der Film nämlich realistisch wirken. Die seltsamen und unüberlegten Momente im Verhalten der Figuren oder in ihrer Einbindung in den Verlauf der Szenen waren nicht gut, was ich auch schade finde. Denn ansonsten geht dieses „Mädchen unter der Treppe aus Holdenfield“ sehr interessant mit den Genreklischees um, es kann überraschen und das Publikum auch mit feinen Kamera-, Schnitt- und Soundtrackleckerbissen erfreuen.

Den Einfluss von The Wolf of Wall Street gibt es immer noch. Pain Hustlers erzählt von einem weiteren unternehmerischen Erfolg nach wahren Begebenheiten, der nicht ganz legal war. Emily Blunt sieht in den schönen Kostümen gut aus, Andy Garcia als milliardenschwerer Boss ist herrlich. Der Film bewegt sich jedoch in Schablonen, es fehlt ihm eine einzigartige Regiehandschrift und obwohl er nicht langweilig ist, liegt sein Wert nur in der Erklärung des Medikamentenhandels vom Hersteller bis hin zur Bestechung von Ärzten, die sie sonst nicht verschreiben würden. Gier und Egoismus, die das Leben der Patienten zerstören. Nur die Figur von Emily Blunt hat Gewissensbisse und Mitgefühl. Und das ist alles.

Ein unterhaltsamer französischer Gangsterfilm, der überwiegend im spanischen Benidorm spielt, das mit seinem Trash-Stadtbild und den Strandvibes eine Konfrontation einer bunten Gruppe von Kriminellen anbietet. Der gut besetzte Karim Leklou als Dieb und Prügelknabe und die ausdrucksvolle Isabelle Adjani als seine manipulative Mutter und eine Alpha-Diebin. Mit der Figur von Vincent Cassel hat man überraschenderweise wenig gearbeitet, der britische Mafioso Sam Spruell ist aber in den wenigen Auftritten delikat. Der Drive des Films basiert auf den Figuren und der interessanten Stilisierung. Die Handlung lässt sich in einem Satz zusammenfassen, sie ist bei weitem nicht so ausgefeilt und intensiv wie wir es von Guy Ritchie gewohnt sind.