Marigold

In Smugglers of Death prallen zwei Etappen in der Entwicklung der tschechischen Kultur (Kino) aufeinander. Die Bühne der ideologisch durchdrungenen "Kunst", dieser fast mythisch-metaphysischen Schwarz-Weiß-Welt, in der es eine klare Grenze zwischen Licht und Schatten, Gut und Böse gibt, und die langsam entstehende neue Welle des tschechischen Films. Der Tod des Smugglers of Death verändert auf mysteriöse Weise die Klimasituation. Man kann mit Recht davon ausgehen, dass das inkriminierte Element im Dienste des Imperialismus nicht nur dazu beiträgt, den Volksfeind in die Bastion des Westens (das hässliche neblige Nichts am Horizont namens Bayern) zu verfrachten, sondern auch für das unmenschlich hässliche Wetter verantwortlich ist. Als man ihn tötet, kommt es zu einem hydrometereologischen Wunder... Sogar die Strommasten summen anders. Das ist die Ideologie des Films... schleichend, subtil, ekelerregend suggestiv. Vollkommen unterschwellig. Es enthält auch eine Zeichnung der Atmosphäre des Grenzschutzes, eines Ortes der reinen Kameradschaft, der echten Kerle (deren Archetyp, getreu den Spuren des Sorellac-Romans a la Režáč Nástup, von dem scharf geschnittenen Radovan Lukavský verkörpert wird), der widerhallenden Harmonie der Gebäude / Bergwerke des aufkommenden Sozialismus... Auch die Kamera trägt zu den heroischen Tendenzen bei, indem sie die Helden oft fromm von der Decke aus und in Kompositionen ablichtet, die an zeitgenössische Kunst erinnern. Dennoch wage ich es nicht, Smugglers of Death zum gleichen Ballast zu erklären wie zum Beispiel das Flickwerk 30 Cases of Major Zeman aus der Zeit der politischen Normalisierung. Im Gegensatz zu ihm ist dies ein sehr gutes Stück Filmkunst und eine perfekte Demonstration der Beherrschung der grundlegenden Mechanismen von Manipulation und Suggestion. Die Atmosphäre bleibt schlicht und ergreifend haften, und sei es nur, weil sie gezielt zu einer unheimlichen, fast horrorartigen Düsternis aufgepeitscht wird, von der dann eine ganze Generation von Krimis profitiert. Die überzeugende Arbeit mit (Halb-)Details, subjektiver "Ich"-Kamera, dem Schnitt und der Musik ist in der Tat ein Hinweis auf die Prinzipien des entstehenden "neuen" Kinos, das sich von der Unpersönlichkeit in die eng gefasste subjektive Sphäre der Figuren zurückzieht. Es ist pervers, aber ich denke, es ist genau richtig. Ich werde aus diesen Zeilen keine Schlussfolgerungen ziehen. Smugglers of Death ist ein hervorragend gemachter "Thriller" mit dem von mir skizzierten bizarren ideologischen Gerüst. Aber wenn Sie nicht wenigstens etwas Abscheu vor dieser vorsätzlichen Manipulation empfinden, ist mit Ihnen nicht alles in Ordnung. Und noch eine Randbemerkung: Denny, bitte, hast du jemals etwas über die 1950er Jahre gelesen? Dein Kommentar lässt mich die Augen verdrehen...

Die Serie von zwanzig Filmen mit einem Helden ist einzigartig, weil dieser Held unter anderem mehrere Formen annimmt. Und wie macht sich das vierte Gesicht von 007? Ausgezeichnet! Der Wunsch des Produktionsteams war ganz klar: etwas völlig anderes als die Moores zu schaffen, einen völlig "neuen" Bond. Und Dalton war eine glückliche Wahl. Im Gegensatz zum charmanten Kauz Moore hat der vierte Bond das Image eines gefährlichen Attentäters und eines typischen Actionhelden. Allerdings fehlt es ihm nicht an dem traditionell trockenen und geschüttelten (nicht gerührten) Sinn für Humor und der Kunst, im richtigen Moment einen sarkastischen Spruch abzulassen, ähnlich wie eine tödliche Kugel. Der Protagonist verbindet die mörderische Kälte blauer Augen mit einem kindlich-verführerischen Lächeln. Die Geschichte versucht (wieder einmal), zum Modell von James Bond 007 - Liebesgrüße aus Moskau zurückzukehren (sprich: zur traditionellen Spionagegeschichte ohne unnötige Phantasmagorien), hat aber eine große Schwäche in Form von Bonds Opposition... Kurzum, das Trio aus einem dickbäuchigen amerikanischen Schmuggler, einem sowjetischen Abtrünnigen und einem arischen Halsabschneider (man beachte den Verweis auf den zweiten Connery-Film) ist keine große Sache. Schwach ist auch die "slowakische" Kara (Maryam d'Abo), deren ständiges "Oooh James!!!" mir übel aufstieß. Das Sympathischste an James Bond 007 - Der Hauch des Todes sind der neue Bond (seltsamerweise nicht sehr verführerisch, dafür aber umso konzentrierter auf seinen Job), sehr gute Actionsequenzen mit einigen "Spielereien" von Mr. Q, ordentlich durcheinander geworfene Realitäten und John Glen, der eine tolle Phase hatte und es schaffte, selbst einen mittelmäßigen Plot in ein solides Spektakel zu verwandeln, das Agent 007 keine Schande bereitet... ÜBRIGENS: Hauch des Todes ist der letzte Bond-Film mit einer Originalgeschichte von Fleming... der letzte?

Ein großartiger Bond-Film mit einem gewaltigen und nicht wegzudenkenden ABER. Fast alles ist so, wie es sich für einen 007-Agenten gehört - ein sehr gutes Drehbuch, hervorragende Actionszenen (wenn sie nicht vom Cutter mit seinen epileptischen und unlogischen Blickwechseln verdorben werden), ein wirklich außergewöhnlich charismatisches Bondgirl, der traditionell hervorragende John Barry im Orchester und obendrein Blofeld in einer luxuriösen Darstellung von Telly Savalas. Peter R. Hunt hat den Film souverän inszeniert, aber auch an seinem Werk haftet ein einziges ABER. Bei diesem ABER handelt es sich um George Lazenby, der die Hauptrolle des Agenten 007 spielt, der Mann, der die Grundlage für die ganze Sache bildet. Ich habe nichts dagegen, dass Lazenby versucht, Bond auf seine eigene Art zu interpretieren, ihm etwas von der Wärme der Familie und dem Wunsch, sesshaft zu werden, zu geben. Der eigentliche Stolperstein ist die mangelnde schauspielerische Leistung des Hauptdarstellers, die Bond auf die Rolle einer Holzbohlenattrappe reduziert, deren Text so gestelzt und gezwungen klingt, dass er nach einer Weile zu nerven beginnt. Obwohl Lazenby über hervorragende körperliche Voraussetzungen verfügte, konnte er diese im Film nicht zeigen, da er nicht in der Lage war, Bond echte Leidenschaft oder Aggression zu verleihen. Er macht einfach weiter, und seine Auserwählte, Diana Rigg, und sein Gegenspieler Telly Savalas geben ihm eine anständige schauspielerische Note. Schade, dass es Lazenby war, den Albert Broccoli drei Jahre vor den Dreharbeiten zu diesem Film beim Friseur kennenlernte, schade, dass er ihm ins Auge fiel, und drittens schade, dass niemandem auffiel, dass dieser Typ zwar das Zeug zum Mannequin und zum Werbedarsteller hat, aber für die große Leinwand denkbar ungeeignet ist. Im Geheimdienst Ihrer Majestät hätte einer der besten Bond-Filme werden können - er hat Kraft, Schwung, Spannung, einen berührenden und düsteren Schluss, aber er verfügt nicht über das Wichtigste. Einen Helden. Schade... ___ Bond Song: John Barry: "On Her Majesty Secret Service“

Nach dem großen Erfolg des Unterwasserfilms James Bond 007 - Feuerball ist Bond endgültig zu den Sternen aufgestiegen, sowohl im wörtlichen als auch im übertragenen Sinne. Die Bond-Väter Saltzman und Broccoli tauschten für den fünften 007-Film fast das gesamte Kreativteam aus - Lewis Gilbert übernahm die Regie, Freddie Young, zweifacher Oscar-Preisträger (für Lawrence von Arabien und Doktor Schiwago) die Kamera, statt der bisher meist "westlichen" Drehorte spielt die Geschichte nun komplett im Fernen Osten... Das Ergebnis ist ein Vollblut-Juwel, das ich als Kind mit angehaltenem Atem verschlungen habe, um mich von der brillanten Fantasie des Drehbuchs und dem hervorragenden visuellen Konzept mitreißen zu lassen. Einfach das essentielle Zuschauer-Manna aller Bond-Filme, das hier zu einer magischen "Chupperspy"-Atmosphäre verdichtet wurde. Und der Zauber funktioniert auch noch Jahre später. Es ist unnötig, Connerys Virtuosität zu erwähnen, ich erinnere nur daran, wie sich selbstparodistische Tendenzen einschleichen, die dann von Roger Moore entwickelt werden. Die Actionszenen sind, mit einem Wort, herausragend, vor allem die Hubschrauberverfolgungsjagd, untermalt mit dem berüchtigten Bond-Thema, elektrisiert mich noch heute. Es ist schade, dass der Schnitt gelegentlich in zu viel Monotonie abgleitet (vor allem bei den Verfolgungsjagden) und der Film sein Tempo verliert. Lewis Gilbert ist kein so guter Stylist wie Hamilton oder Young, aber er hat ein Händchen für Massenszenen - und die Szene im Krater ist wirklich sehenswert und übertrumpft mit Leichtigkeit eine ähnliche Szene aus seinem späteren Bond-Film Der Spion, der mich liebte. Einziger Wermutstropfen ist die Tatsache, dass Connery nach dem fünften Bond-Film aus der Serie verschwunden ist und erst vier Jahre später und einem Bond mit George Lazenby zurückkehrte... Aber dann war es einfach nicht mehr dasselbe. Die goldene Ära der Connery-Filme endet mit diesem Meisterwerk.

Was für ein schöner kleiner Grabstein, den Roger Moore für seinen Bond gefertigt hat. Obwohl die Zeit vergangen und der charmante Engländer sicher nicht jünger geworden ist, ist sein letzter Bond-Film sehr frisch und in Grenzen dynamisch. Natürlich trägt die reine Rasse des Zorin, hervorragend gesprochen vom dämonischen Walken, und das (für Moore’sche Verhältnisse) anständige Drehbuch, das einen einheitlichen Geist hat und Sarkasmus, Spannung und eine anständige Distanzierung (diesmal allerdings frei von Selbstparodie) gut kombiniert, viel dazu bei. Selbst der tödlichen Gazelle MayDay und dem titelgebenden Popsong der Hitmacher DURAN DURAN kann man den Zauber nicht absprechen... Die Negativpunkte sind symptomatisch - John Glens überzogene Regie und die traditionellen toten Punkte in den mittleren Passagen der Filme. Es ist interessant festzustellen, wie unausgewogen die meisten Moore’schen Filme sind - ein frischer Anfang und ein lebhaftes Ende werden in der Regel von einem "faden" Mittelteil abgelöst. Aber in James Bond 007 - Im Angesicht des Todes ist selbst das Füllwerk erträglich, der Film verliert nicht an Atmosphäre und gehört zum goldenen Fundus der Bond-Filme. Was hat Roger Moore im Kult um Agent 007 zurückgelassen? Einen großartigen Sinn für Humor, Selbstironie und mehr schelmischen als tödlichen Charme... Genug, dass seine sieben Beiträge zum Kanon des Agenten 007 mit der Lizenz zum Töten in die Geschichte des Action- und Abenteuerfilms eingehen werden. Trotz vieler schwacher Momente.

Das Problem von Lebenszeichen - Proof of Life ist nicht so sehr die Trivialität und Transparenz der Handlung, nicht einmal das Liebesdreieck, das so klar lesbar ist wie der größte Buchstabe in einem Zauberspruch. Das Problem von Lebenszeichen - Proof of Life ist das Drehbuch, das in einem unmöglich thesenhaften und verworrenen Stil geschrieben ist, in dem sich das Pathos der Liebesroman-Bibliothek, die Dummheit von Actionfilmen und die psychologischen Monologe von Filmen wie diesem überlagern. Kein Wunder also, dass es selbst den besten Schauspielern, von denen es viele gibt, nicht gelingt, aus der staubigen Masse wenigstens ein bisschen glaubwürdige und plastische Charaktere zu kneten. Also bleibt er bei dem "Taugenichts" Crowe, der "biederen" Außenseiterin Meg Ryan, dem unförmigen Vagabunden David Morse... Immerhin zeigt sich das Können der Hauptdarsteller darin, dass es ihren weißgewaschenen Figuren gelingt, den Zuschauer im Rahmen ihrer Möglichkeiten zu fesseln, woran auch ein schlechter Schnitt und eine mittelmäßige Regie nichts ändern können. Folglich ist Lebenszeichen - Proof of Life weder ein psychologischer Film, noch ein Liebesfilm, sondern eher ein Actiondrama, und das Drama ist nicht besonders dramatisch. Das einzig Gute an Hackfords Arbeit ist, dass die Titelrolle von Crowe gespielt wird, dessen Charisma über alles Schlechte triumphiert...

Eine alte jüdische Legende im zeitlosen Gewand des deutschen Expressionismus. Das Regieduo Wegener-Galeen hat eine verlockende Formsynthese aus gotischer Wölbung und Brechung mit expressionistisch verzerrter Perspektive geschaffen, die eine seltsame Bildwelt an der Grenze von Realität und Traum, Geschichte und Mythos entstehen lässt. Die klassische Geschichte von Rabbi Löw und seiner monströsen Schöpfung ist eine sprudelnde Quelle düsterer Atmosphäre, die in der Szene der Beschwörung Astaroths gipfelt (zeitlos dargestellt und außerordentlich eindrucksvoll) und eine ergreifende Vorwegnahme der Geschichten von "missverstandenen" Monstern darstellt. Wegener selbst stellte den Golem als eine Quelle unkontrollierbarer Macht dar, aber auch als ein Wesen, das sich langsam von seiner ursprünglichen Bestimmung löst und zu seiner Menschlichkeit erwacht. Dies war eindeutig der Beginn einer ganzen Reihe von wichtigen Horrorfilmen. An der restaurierten Fassung schätze ich vor allem das Farbfiltersystem, das die Atmosphäre der Handlung sensibel wiedergibt, und den hervorragenden Soundtrack, der perfekt mit dem Geist des Films korrespondiert. Golem ist ein narratives historisches Stück (natürlich im Maßstab seiner Zeit), ein Film mit einem Hauch von Mystik und einer Geschichte, die das Monster im Kino ein für alle Mal festlegt. Es liegt irgendwo an der Grenze zum stark stilisierten Dra-Kabinett. Von Dem Kabinett des Doktor Caligari und des die Realität poetisierenden Nosferatu, eine Symphonie des Grauens. Für Liebhaber von Schwarz-Weiß-Träumen mit IFA-Siegel eine reine Wonne!

Als Sean Connery 1971 mit der Bond-Serie aufhörte, sagte er etwas in der Art von never again... Leider änderte er zwölf Jahre später seine Meinung und kehrte in einem so genannten inoffiziellen Bond-Film mit einem bezeichnenden Titel zurück. Aber er ist nicht für die schlechte Qualität dieses Films verantwortlich; im Gegenteil, es ist eine Freude zu sehen, dass er auch nach all den Jahren noch immer Glanz und Charme hat, obwohl er im Trainingsanzug nicht annähernd so überzeugend war wie einst in Feuerball. Apropos - Feuerball. Der war für all das verantwortlich. Der Koproduzent des Films, Kevin McClory, erkannte, dass er die Rechte an dem Originaldrehbuch besaß, und beschloss, sie zu nutzen. Leider waren diese Rechte begrenzt... auf die Figuren und die Geschichte von Feuerball. James Bond 007 - Sag’ niemals nie ist also eine etwas andere Nacherzählung des Klassikers über die Entführung von Atombomben. Anders und schlechter. In den mittleren Passagen, in denen Young mit seinem für Connery-Filme so wichtigen exzellenten Regiestil zu überzeugen weiß, schlägt Irvin Kershner (Regisseur des Glanzstücks Das Imperium schlägt zurück) in Nutzlosigkeit und Skurrilität und vor allem in den klassischen US-Action-Stil um, der nicht zum Agenten Ihrer Majestät passt. Sie können einfach nicht den Geist eines echten Bond-Films heraufbeschwören, und das ist das ganze Problem. Natürlich fehlt das Original-Bond-Thema, der liebenswert konservative M wird durch einen nervigen jungen Bürokraten ersetzt, und so weiter und so fort... Diesmal hätte Connery bei seinem "never again" bleiben sollen, denn sein Bond-Epilog steht auf einer Stufe mit den schwächsten Filmen von Moore.

Nett, freundlich, angenehm... Ich kann fast nicht glauben, dass diese herzliche und gelebte Regie von demselben Mann stammt, der für den zurückhaltenden Streifen Angel Exit verantwortlich ist. Michálek mit seiner vorbildlichen Arbeit als Stratege und unaufdringlicher Erzähler machte den Weg frei für ein fesselndes Konzert von Stella Zázvorková und Vlastimil Brodský, für die der Film zu einem Testament und einer Art Abschiedsgruß wurde. So geben wahre Meister ihren Abschied... Auch ohne einen Hauch von Modernität und Experimentierfreude ist Frühling im Herbst eine der Perlen des postrevolutionären Kinos und einer der größten Leckerbissen aus tschechischer Produktion.

Wenn Simon West auch nur den Versuch unternommen hat, Stil zu zeigen, so hat De Bont ihn mit einer entspannten "Was soll ich mich damit nerven"-Regie zunichte gemacht. Dafür würdest du selbst bei den B-Movies ausgebuht werden, Meister. Langweilig, konservativ, schwerfällig, völlig ungeeignet für das Profil von Lara Croft als leichtfüßiger und wendiger Akrobatin. Sogar noch schlimmer als die erste Folge, und das kann man als Beinahe-Katastrophe bezeichnen. Glücklicherweise ist das erhöhte Budget zumindest ein wenig sichtbar (die Effekte sind nicht schlecht, der Soundtrack ist wenigstens spürbar)... Das Ergebnis ist, dass sich die Handlung selbst nicht verbessert hat, Lady Croft weiterhin ihren Platz in der Welt mit nichts als ungeschickten Posen definiert, Chris Barrie mehr als beim letzten Mal begraben ist und die Geschichte nicht weniger albern und uninteressant rüberkommt. Die Filmemacher entführen Sie an mehrere exotische Schauplätze, die sie einheitlich zu einem verwirrenden Amalgam aus Action und dummen Dialogen pulverisieren. Mein Eindruck von dem Film wird durch die Szene perfekt zusammengefasst, in der der Häuptling des afrikanischen Stammes Lara verspricht, was alles sie in der Wiege des Lebens sehen wird. Die Tatsache, dass wir statt dieser schrecklichen Geheimnisse ein blinkendes Stroboskop sehen, kann den Betrachter nicht mehr überraschen. Ich hoffe aufrichtig, dass Lara Croft mit ihrem zweiten Debakel endgültig fertig ist, denn sie hat sich bereits ein wahrhaft heldenhaftes Stück Schande aus dem Leib geschnitten.