Marigold

Natürlich hat Luis Buñuels berühmtes Werk in vielerlei Hinsicht an Schärfe eingebüßt; ja, das zeitgenössische Kino kann sicherlich schockierender sein, aber, bei allem Respekt, das zeitgenössische Kino kann es kaum auf den Punkt bringen und das Elend der Barmherzigkeit und der Askese ohne Übertreibung bis auf die Knochen entlarven. Buñuel ist ein großer Ästhet, ich suche in meiner Erinnerung vergeblich nach einem Film mit einer so großartigen und organisch integrierten Bildkomposition... Die bereits erwähnte Szene des Bettlerfestmahls ist einer der Höhepunkte nicht nur des Films, sondern des gesamten Kinos. Die perfekte Interpunktion der Idee durch die paradoxe Kombination von Bild, Musik und deren Gesamtkomposition (die Paraphrase von L. Da Vinci ist eine erschreckend zynische Ketzerei!) schafft ein unglaublich beeindruckendes Ganzes, aus dem die Figur der Viridiana, einer schönen Frau, die sich Gott und dem Dienst an den "Leidenden" verschrieben hat, notwendigerweise als töricht und zum Scheitern verurteilt hervorgehen muss. Ich bin nicht überrascht, dass sich die Kirche irritiert zeigt... Viridiana schlägt mit sensiblen und hochkünstlerischen Mitteln zu, nicht um zu kränken und zu schreien, sondern nur um die Absurdität und das wahre Gesicht der menschlichen Natur zu reflektieren. Die Absurdität des menschlichen Handelns. Wenn du einen leidenden Hund rettest, läuft sogleich der nächste an dir vorbei. Wenn du einem Bettler aus dem Schlamm hilfst, wird er versuchen, dich schmutzig zu machen. Ich sah Viridiana mit einem seltsamen Schauder und einer Spannung, die nur die Filme großer Meister in mir wecken. Es kam nicht von der Oberfläche, die scheinbar ruhig und geordnet ist, es kam aus dem Herzen des Films, in dem die Tragödie einer Frau geboren wird, die ihr Leben einer großen Idee gewidmet hat und mit einer großen Leere und Enttäuschung gesegnet wurde. Ich stehe Buñuels allumfassender Skepsis nur bedingt kritisch gegenüber, aber es ist das Recht eines jeden Künstlers, subjektiv zu sein... Eigentlich wird das von ihm erwartet, oder? deathmaker> Die Szene, in der die Dornenkrone verbrannt wird, scheint mir trotzdem für die damalige Zeit ein verdammt starkes Ass gewesen zu sein...

Ich habe fast alle Folgen gesehen und bin – nach einem gewissen Zeitabstand – der Meinung, dass die Filmemacher eine Change vergeudet haben. Die einzige Ausnahme, wo ich mit der Schablone einer "rätsellösenden" Serie völlig zufrieden war, war Jandoureks Folge mit dem Faust-Haus und Kelley. Diese hatte nämlich eine gute Stimmung und war auch handwerklich sehr gut gestaltet. Im Unterschied zu der fürchterlich routinemäßigen Arbeit von (hauptsächlich) Dušan Klein brachte sie in die Serie wenigstens ein bisschen Spannung und Energie. Ansonsten ist die Serie in jeder Hinsicht unterdurchschnittlich – schlampig gemacht, mit schlechten Schauspielleistungen und einem dilettantischen Drehbuch. Herr Vašíček hat leider kein Gefühl für Drehbücher. Er hat die Geschichten, die vielleicht im Grunde genommen interessant waren, in Pulp-Magazine umgewandelt. Schuld daran sind aber auch die Filmemacher. Mit ein wenig Toleranz war für mich diese Serie erträglich. Das heißt aber nicht, dass sie mir gefallen hat.

Wenn Aviator etwas ist, dann ist es vor allem ein perfektes Beispiel für High Hollywood, das Hollywood, das Hughes in den 1920er Jahren mit seinen kühnen Visionen mit aufgebaut hat. Es handelt sich um ein akribisch ausgeführtes Genre-Schema, das sowohl atemberaubendes Spektakel als auch großartige Dramatik bietet. Wir können nicht umhin, die fabelhafte Kameraführung, die perfekt integrierten Tricks und die perfekte Musik der Epoche zu loben, die allem Stil und Atmosphäre verleiht. Die Geschichte von Howard Hughes ist nicht nur ein persönliches Drama, sondern auch ein Spektakel, bei dem einige Szenen Sie auf "Hollywood"-Art in Ihrem Sitz zusammenzucken und nicht atmen lassen (die exquisit gefilmten Luftaufnahmen sind es wirklich wert). Aber was noch wichtiger ist: Jeder Teil dient dem monumentalen Ganzen, und die Monumentalität des Ganzen überschattet nicht die persönliche und nicht sehr idealisierte persönliche Ebene. Hughes' Persönlichkeit ist das Zentrum, um das sich alles Spektakuläre dreht, nicht umgekehrt. Das ist es, was ich an Martin Scorsese schätze. Er hat sich nicht auf das große Thema eingelassen und versucht, unter die Oberfläche zu gehen. Er idealisiert nicht, sondern versucht, die Geschichte eines der faszinierenden Träger der menschlichen Vorstellungskraft und der Lust am Fliegen (im übertragenen und wörtlichen Sinne) in allen Schattierungen zu erzählen. Von meinem Platz aus sah es so aus, als hätte er Erfolg gehabt. Aviator ist ein wahrhaft großartiges Beispiel für ein Biopic in all seiner schillernden Pracht. Diesmal gab es keinen Platz für Elend... Die wenigen zusätzlichen Minuten, die der Film hat, können als Erbkrankheit betrachtet werden. Und Scorsese gelang es, das schwächere Drehbuch von Logan durch seine präzise Regie auszugleichen.

Das hat Gibson überspannt... Die Grundlage des Films ist zwar dieselbe wie bei seinem Megahit Braveheart, aber anders als der Feldzug des charismatischen schottischen Kriegers William Wallace hat der Kampf eines Benjamin Martin für die nationale Unabhängigkeit nicht das rechte "Maß". Das Maß in der Erfüllung der Vorlagen des historischen Films, das Maß in der Anhäufung von Klischees. Denn Der Patriot ist ärgerlich vorhersehbar und erzeugt so ungeschickt emotionale Ladung, dass in dem Moment, in dem es funken soll, nichts passiert. Gibsons gut aussehende, statuenhafte Hero-Posen werden nicht helfen. Roland Emmerich ist meiner Meinung nach ein großer historischer Fehler, und ich danke ihm dafür, dass er ihn mit seiner sterilen und unfähigen Regie erneut bestätigt hat. Das Drehbuch ist ein einziges großes Pfuiteufel, das ein potenziell interessantes Thema auf die zerkauteste und schmuddeligste Weise verwirrt und durchknetet. Die Figuren sind so unbeholfen gezeichnet, dass sie an einen tschechischen Aufbaufilm der 1950er Jahre erinnern. Pathos, Pathos und nochmals Pathos. Mittendrin muss man also so etwas Mittelmäßiges wie Gibsons Leistung einfach zu schätzen wissen. Das hebt den Film zumindest auf eine Stufe leicht unter dem Durchschnitt, außer dass sein Schematismus und seine traditionelle Emmerichhaftigkeit ("mehr Emmerikaner als Amerikaner zu sein") etwas ist, das ich nicht noch einmal sehen möchte.

Eine Verschwendung von Worten zu diesem Thema. Das Vermächtnis der Tempelritter ist ein so phänomenal mittelmäßiger und schlechter Film, dass ich den Grund für seinen kommerziellen Erfolg mit der Lupe suchen muss. Ja, die amerikanischen Denkmale sind schön, die Actionszenen in all ihrer Höflichkeit und Intimität sind schön, die Freimaurer und die Tempelritter sind ein interessantes Thema... aber in Turteltaubs Bearbeitung klingt das alles zu seelenlos. Außerdem sind alle Schauspielstars um 4:00 Uhr morgens erloschen wie ein Feuer im Kamin. In Anbetracht der Möglichkeiten, die dieser Filmemacher hatte, kann ich nicht anders, als dem Ergebnis eine unterdurchschnittliche Note zu geben und jedem, der eine gute Prügelei mit der Indy-Peitsche genießt, von einem Besuch abzuraten.

Dies ist kein Film über den Krieg, sondern eine erschütternde Darstellung der Hölle der menschlichen Seele vor dem Hintergrund Vietnams. Wie Conrads Marlow in "Heart of Darkness" folgt Coppolas Willard dem Fluss auf einer Reise durch das Fegefeuer, nur um am Ende die Hölle zu finden. Apocalypse Now ist als eine Abfolge unterschiedlicher Geschichten konzipiert, die das Grauen aus verschiedenen Blickwinkeln beleuchten. Horror ist das Schlüsselwort des Films. Dabei spielt es keine Rolle, ob es sich um einen Horrorfil aus der Sicht der Tommies, der Gooks oder der Franzosen handelt... es ist derselbe Schrecken, den Kurtz in seinem apokalyptischen und heidnisch brutalen Versteck verkörperte. Es ist derselbe Schrecken, der Willard von Anfang an gepackt hat... Leere. Entmenschlichung. Coppolas Film ist in einem fast zynischen Ton gedreht. Die Absurdität erinnert in ihrer Macht oft an Hellers "Catch XXII"... Die Abstufung, trotz der Länge, ist erstaunlich... Ich habe keine Schwachstelle gefunden. Jede Einstellung, jede Rede, jedes Geräusch schafft ein eindringliches Bild des Grauens auf der blutigen Leinwand des vietnamesischen Dschungels - Leid, Verlust der Menschlichkeit, Verlust des Selbst. Ich zögere zu schreiben, dass Apocalypse Now eine Metapher ist. Nein, es ist beängstigend wörtlich und eindeutig. Es handelt sich um ein direktes Bild, das mit allen eingesetzten Mitteln trifft. Ein cineastisches Meisterwerk in jeder Hinsicht. Was die Suggestivität betrifft, so kenne ich kein stärkeres Kriegswerk. Die Schauspieler machen einen unglaublich naturalistischen Eindruck - ein wahnsinniger Brando, ein wahnsinniger Sheen... es ist, als hätte die Hölle sie verschlungen. Apocalypse Now ist auch in dem Sinne meisterhaft, dass sie zwar viel über die Art des Vietnamkonflikts aussagt, ihre Wirkung aber universell ist. Sie offenbart etwas von der Dunkelheit der menschlichen Seele... Und was die oft erwähnte Unvollständigkeit der Handlung angeht... ist es möglich, etwas zu beenden, das noch im Gange ist? Coppolas Apocalypse Now endet nicht mit den Untertiteln... in der Filmwelt vielleicht.

Ein naiver Thriller über die bösartige Macht von Computern und Cyber-Terroristen... Die Idee ist interessant, aber technisch nicht gut durchdacht... Nicht viel besser ist auch die Handlung, die zwar stellenweise recht spannend, aber im Grunde genommen recht lesbar und uneinheitlich ist. Technische Leistung - durchschnittlich bis unterdurchschnittlich. Den dritten Stern verdiente sich Das Netz Sandra Bullock... die schlicht und einfach hinreißend ist. Das nenne ich ein Argument, Freunde...

Ein klassischer Kitano-Streifen. Zu Beginn hat der Film das Tempo eines Schlangenbeschwörers, aber alles hängt von der Bereitschaft des Zuschauers ab, Kitanos traditionelles Spiel mit den Genrekonventionen zu akzeptieren. Wer erwartet, dass die Geschichte eines nach Amerika geflohenen Yakuza-Killers, in einem dynamischen Tempo erzählt wird, wird bald enttäuscht sein. Mehr denn als auf die Geschichte achtet Kitano auf die Charaktere, schwelgt in Situationen, die im Actionfilm-Genre zweitrangig wären (Hintergrundgeschichte, Beziehungen), und schneidet scheinbar entscheidende epische Szenen in unrealistischen Abkürzungen. Seine lyrische Handschrift erinnert unlogischerweise an den grobschlächtigen Kikujiros Sommer. Ein klarer Beweis dafür, wie sehr sich dieser eigentümliche Filmemacher um die ERZÄHLENDE, kulinarische (und vielleicht ein wenig leichtsinnig) genossene subjektive Schilderung kümmert. Die Tatsache, dass die Figuren anders sind, als man es nach den Konventionen erwarten würde, wird diejenigen, die Kitano nicht kennen, nur überraschen. Die Tatsache, dass der skrupellose Killer Brother (Kitano selbst) unter seiner Maske ein anderes Wesen verbirgt, ebenso. Aber es funktioniert trotzdem. Anders als Quentin Tarantino macht Kitano die allgegenwärtige Brutalität nicht zur Poesie an sich, sondern stellt sie als kalte Realität des Gangsterlebens dar... Eine kalte Realität, die sie schließlich alle umhauen wird. Ein japanischer Pate oder eine furiose Gangsterfuge, möchte man schreiben. Aber Kitano lässt sich nicht verallgemeinern. Brother erfreut den Zuschauer zumindest mit einem hervorragenden Soundtrack von Joe Hisaishi... Enthusiastische Kitano-Fans dann mit fast allem.

Der Film ist ein wenig überzogen. Tom Hanks ist exzellent und seine Robinsonade ist sehr schön skizziert, aber das Drehbuch rutscht an der Oberfläche dahin, und der Höhepunkt seines Ausrutschers ist das schreckliche und überkombinierte Ende, das deutlich zeigt, wie sehr Zemeckis nicht wusste, wie er mit der Figur des Chuck Noland umgehen soll. Seine ganze Geschichte ertrinkt in schrecklichen Plattitüden und langatmigen melodramatischen Schemata, was wirklich enttäuschend ist. Vor allem, weil Hanks überzeugend und wortgewandt ist... Das Wenige, was das Drehbuch ihm erlaubt, von Nolands Innerem zu zeigen, führt er mit Verve und großer Suggestivität aus. Aber sie kann nicht den ganzen Film tragen, der so trivial und wörtlich ist, dass er mir gegen Ende stark auf die Nerven ging. Das ist schade, denn das Thema und einige der technischen Kategorien (Kinematographie, Produktionsdesign) sind vielversprechend... Aber das Ergebnis ist unnötig pompös, pathetisch und überzogen. Dennoch, dank Hanks, ziemlich überzeugend.

Roger Moores bester Bond, kein Zweifel. Der goldene Colt des Schurken Scaramanga beendete mit seinem Schuss meiner Meinung nach die unerreichbare Ära der klassischen Bond-Filme, die vom Duo Saltzmann-Brocolli produziert und von Meistern wie Terence Young und Guy Hamilton inszeniert wurden. Letzterer verlieh Der Mann mit dem goldenen Colt jenen unverwechselbaren Stil und Charme, der die Connery-Filme so auszeichnet, und auch der hervorragende Roger Moore steht ihm in nichts nach. Er hat einen enormen persönlichen Charme und eine schelmische Ausstrahlung, die sich im richtigen Moment in die steinerne Maske eines Killers verwandelt. Und sein Gegenstück? Schade um die Worte! Der klassische Bond-Bösewicht hat viele Formen, und Lees Scaramanga ist eine der markantesten. Schließlich ist er der Anti-Bond - er hat einen mörderischen Stil, er hat Erfindungen, über die sogar Q staunt... Aber wenn Bond ein Killer mit Prinzipien ist, ist Scaramanga ein herrenloser Killer, und das führt ihn und Agent 007 in einem Kampf der Lebensprinzipien zusammen. Die beiden funkeln wie Quarze, John Barry und sein wunderbarer Soundtrack schüren das Feuer. Hamiltons Spektakel ist einfach zum Dahinschmelzen... schöne und attraktive asiatische Landschaften, göttliche Linien, herrliche weibliche Kurven... und der Klassiker Sergeant Pepper im Urlaub (I Know You! You are that secret English agent from England!!!)... Es ist einfach der Höhepunkt einer goldenen Ära, die von anderen Filmen regelmäßig an Handlungsreichtum und verblüffenden Effekten übertroffen wurde, aber nie auch nur annähernd an den STIL von Agent 007 in seiner Glanzzeit heranreichte.