Marigold

Die beste tschechische Komödie aller Zeiten. Im Gegensatz zu den meisten anderen wird sie einfach nicht langweilig, und der Reichtum an Sprüchen ist wohl unerschöpflich (ich habe den Film zum sechsten Mal gesehen und fand immer wieder neue Perlen des Geistes).

Eine schwarze KOMÖDIE? Sie sagten, sie hätten für ihn gespielt. The Man Who Wasn’t There – Der unauffällige Mr. Crane hat wahrscheinlich genauso viel Humor wie Kafkas "Der Prozess“, und nebenbei ist es gerade der Klassiker des internationalen Existentialismus, der auf die Figur und das Schicksal von Ed Crane stolz gewesen wäre. Der Coen-Held ist zwar etwas aktiver und spielt die Tragödie seines Schicksals allein aus, mit einer Entscheidung, die ebenso schläfrig und unverständlich ist wie er selbst. Und in der wachsenden Flut schicksalhafter Ereignisse versucht auch Ed, ein bisschen mehr zu schwimmen als der resignierte Josef K. Aber seine Enttäuschung ist umso größer. Die Coens haben ein unglaublich fesselndes, skulpturales und stilvolles Porträt eines Verlierers geschaffen, dem das Leben durch die Finger gerutscht ist und der in einem Moment für andere (und sich selbst) zu einem Geist wurde. Am stärksten ist die Figur des Ed, der von Billy Bob Thornton mit unglaublicher Glaubwürdigkeit "gedemütigt" wird. Aus dem anfänglichen Eindruck, er sei ein kalter Zyniker, der der Welt einfach das ewige Schweigen verkündet hat, wird eine starke Sympathie für den einfachen Mann, der in einer Welt schweigt, die er nicht versteht und die ihn nicht versteht. Am Ende ist Ed Cranes eisige Maske endgültig verschwunden, und der Zuschauer steht plötzlich einer Figur gegenüber, die so menschlich ist, dass sie ihn in Umrissen an unser alltägliches kleines existenzielles Inferno erinnert. Hinter den Falten und der steifen Grimasse der Hauptfigur verbirgt sich ein unglaublich zerbrechlicher menschlicher Kern, der Kern, der schmilzt, wenn er Beethovens Klavierstücken lauscht, der Kern, der sprechen möchte, aber nicht kann, weil er nicht weiß, was er sagen soll. Lange nachdem Ed in das Licht der Ewigkeit getaucht war, saß ich da, starrte in die Dunkelheit und genoss das Gefühl, dass die Coens etwas wirklich GROẞES vollbracht hatten. Ein Film so schwarz wie ein frisch gestrichener Sarg, eine perfekte Urne voller Absurdität. Die Einäscherung des Alltäglichen.

Dem zentralen Trio Voskovec, Werich, Honzl ist es im Gegensatz zum ersten Film Powder and Petrol gelungen, einen strafferen und kohärenteren Film zu schaffen, der eher ein ausgewogenes (wenn auch nicht erhellendes) Spektakel im Stil der alten Slapstick-Sketche ist als eine Sammlung der besten Sketche des Befreiten Theaters. Natürlich dürfen auch ein paar von Ježeks Hits und exzellenten Wortspielen nicht fehlen, in denen das Duo V+W wirklich zu Hause ist. Überraschend ist ihre Souveränität in den "stillen" Passagen, die zwar nur die überseeische Groteske kopieren, aber in der tschechischen Wiedergabe ein Flair haben. Ich halte das Drehbuch für einen eindeutigen Negativpunkt, zu thesenhaft, und während es ihm nicht an poetischer Liebe für niedrige Genres mangelt, fehlt es ihm merklich an etwas Lustigem und Erfrischendem... Aber solche Aufführungen der Familienmenagerie sind auch nach all den Jahren noch urkomisch. Stärkere ***.

Powder and Petrol ist die erste filmische Kostprobe des Duos V+W in der Zeit des aussterbenden Poetizismus, und man muss sagen, dass seine Poetik durch diese Tatsache etwas getrübt zu sein scheint. Das Gute und das Humorvolle sind das Produkt des Befreiten Theaters und der brillanten poetischen Wortspiele einiger legendärer Komiker (die Wortspiele aus dem West Pocket altern nie, genau wie die großartigen Lieder mit Jaroslav Ježeks einprägsamen Melodien und ebenso brillanten Texten). Leider sind die theatralischen Sketche mit sehr dünnen Szenen durchsetzt, die zwar naiv, aber nicht witzig sind, und auch die Versuche eines soliden Slapsticks sind aufgrund der ungeschickten Regie von Jindřich Honzl nicht sehr schillernd (Theater ist kein Film, es fühlt sich zu stark an). Aber ich werde mir diesen Film trotzdem gerne ansehen, schon allein deshalb, weil er eine der wenigen vollständigeren visuellen Aufzeichnungen der Form der Produktionen des Befreiten Theaters ist. Spätere Filme stellen, auch dank des sich verstärkenden ideologischen Subtextes, formal und inhaltlich wesentlich souveränere Werke dar.

Die Welt ist nicht genug hat mich damals nicht wirklich glücklich gemacht, aber im Nachhinein muss ich das prickelnde Duell zwischen Bond und Elektra, das in einer wahrhaft harten Demonstration der Prinzipien von Agent 007 gipfelt, sehr positiv bewerten. Das Drehbuch ist anfangs etwas wackelig, verworren und sehr konversationslastig, aber sobald die Handlung in Gang kommt und Robbie Coltranes hervorragender Kaviar-Magnat Shukowski ins Spiel kommt, ist der Spaß vorprogrammiert. Der Hauptbösewicht hat dieses Mal das überraschend hagere Gesicht von Robert Carlyle, und im Grunde ist es ein ziemlich bewegendes Schicksal, das auf untypische Weise Aufmerksamkeit und Sympathie erregt. Die Actionszenen sind nicht so ausgefallen, die Geschichte hält sich in Grenzen und nimmt weniger fantastische Elemente auf, und Brosnan hat seine Sprache seit Goldeneye deutlich verschärft, was gut ist. Das passt zu ihm. Judi Dench in der Rolle der M hat sich definitiv bewährt, die Chemie mit der weiblichen Chefnutte ist großartig und der neue "Q" (eigentlich R) John Cleese ist ebenfalls mehr als vielversprechend. Außerdem ist der Titelsong "GARBAGE“ wirklich toll! Zusammengefasst und in einen Zusammenhang gebracht: der wahrscheinlich beste Brosnan-Bond-Film. Edit 2012: Apteds Regie ist furchtbar lehrerhaft und langweilig - klar, aber die langsamen und langwierigen Kamerafahrten und die Verwendung des Schuss-Gegenschuss-Schemas in der frenetischen Action verraten einen Regisseur der alten Schule. Darüber hinaus enthält das Drehbuch, das Bond in Richtung Melodram zieht, eine übermäßige Menge an pathetischer Watte. Im Nachhinein finde ich es ein bisschen schade, dass M, die sich ursprünglich als zielstrebige und rücksichtslose Kommandantin profiliert hat, hier ein bisschen zu einer lustigen Großmutter ohne Sporen avanciert. Es gibt einige interessante Versuche, Bonds Vorliebe für Frauen und den Hauptbösewicht miteinander zu verknüpfen, aber es riecht stellenweise einfach nach sehr schlechtem Theater mit ein wenig Bastelei. Ich möchte meinen ersten Eindruck vom Kino nach all den Jahren wiederholen. Im Kontext der Brosnan-Filme ist es nicht die schwächste Leistung, aber der Titel des stärksten Films gehört einen Film weiter. Das hier ist nicht gut genug.

Als ich diesen Film das letzte Mal sah, war ich ein kleiner Junge, der Cowboys liebte, und ich fand den Klassiker von Sergio Leone unweigerlich seltsam, langatmig, nicht sehr "dramatisch"... Es hat nur ein paar Jahre gedauert, bis mir klar wurde, dass Spiel mir das Lied vom Tod viel mehr ist als ein Western, nämlich ein absolut fesselndes Beispiel für ein Drama, bei dem die Genre-Anleihen des Wilden Westens nur als Kulisse dienen. Leone konzentriert den Schwerpunkt der Erzählperspektive auf die Details und Halbdetails der exquisit komponierten Kinematographie von Tonino Delli Colli; es ist fast unglaublich, dass sich vielleicht die Hälfte des Films auf die Gesichter der Schauspieler konzentriert. Das Gewicht, das auf der Mimik ruht, ist unglaublich, und ebenso unglaublich ist die Anmut, mit der die Schauspieler sie tragen. Die fast expressionistische Betonung der Augen wird sowohl von Bronson als auch von Fonda mit einer statuenhaften Starrheit gehandhabt, die einem den Atem raubt, während Claudia Cardinales sexy Kuckuck einen zeitlosen Charme hat - Zerbrechlichkeit, Verrat, Verführungskraft. Leone liefert die archetypische Geschichte eines Rächers mit so viel Persönlichkeit, Fokus und Gefühl, dass man sich schwer tun würde, einen stärkeren Film zu finden. Außerdem verstärkt der brillante Soundtrack von Ennio Morricone alle Emotionen um das Zehnfache. Was macht Spiel mir das Lied vom Tod besser als alle anderen Western? Es ist nicht die Geschichte weder Spektakel der Schießereien... es ist das, was ein klassischer Philosoph die filmische Qualität des Films nennen würde. Spiel mir das Lied vom Tod ist einer der filmischsten Filme, die ich je gesehen habe.

Aller guten Dinge sind drei. Nach dem völlig flachen Streifen Einzelgänger und der leeren Blase Whisper gelang es Ondříček, das Ziel zufriedenstellend zu treffen. Schlicht und einfach, weil er aufgehört hat, mehr zu sein als ein Panoptikum kurioser, verrückter und unrealistischer Figuren. Dass er eine schräge und nicht sehr tiefgründige Komödie gedreht hat, in der es im Grunde um den braunen Unduft geht, die aber hervorragend gespielt ist (Ivan Trojans Leistung ist tadellos, mehr als tadellos! und Jan Tříska ist unwiderstehlich gruselig), er ist dynamisch gedreht, originell humorvoll und irgendwie liebenswert, urkomisch liebenswert. Ondříček hat sich zwar auf Bewährtes verlassen, das schon vorher zuverlässig funktioniert hat, aber er hat es in einem Film verkörpert, der nicht wie etwas wirkt, das aus unserer Zeit spricht... und vielleicht ist das der Grund, warum One Hand Can’t Clap zumindest teilweise einen Aussagewert hat. Wirklich nur ein kleines bisschen. Eigentlich ist es nur eine Ansammlung schwarzen Humors. Ein Qualitätsprodukt. Und das ist es, worum es vor allem geht. ***1/2

Ivan Reitmans etwas gequälter Versuch, an den Erfolg und die spielerische Natur von Ghostbusters - Die Geisterjäger anzuknüpfen... Es gibt nur wenige wirklich humorvolle Momente in dem Film, und insgesamt fehlt es ihm an Stil und Abstufung der Geistergeschichten. David Duchovny macht den Eindruck eines verbitterten Amateurs, der sich auf keinen Fall lächerlich machen will, und so wird die schauspielerische Leistung vor allem von Julianne Moore (ich liebe dieses Mädchen einfach :o)) und dem sympathisch bissigen Clown Orlando Jones gerettet. Eine gewisse Distanziertheit, die Reitmans Werk eigen ist, kommt jedoch an einigen Stellen durch, und Evolution macht in diesen Momenten wirklich Spaß. Wenn ich den Film als Ganzes zusammenfasse, spüre ich keine Bitterkeit, nur diesen faden Beigeschmack, den man bekommt, wenn man Zeuge einer verpassten Gelegenheit wird. Evolution hätte eine exzellente Science-Fiction-Action-Komödie werden können, aber am Ende ist es nur ein anständiger Film.

Ich verstehe, dass dies eine Legende für Nostalgiker und Veteranen von Vehayes ist, aber nüchtern betrachtet bietet Bloodsport überhaupt nichts Interessantes (außer vielleicht die Demonstration einiger exotischer Kampfstile). Die Story ist belanglos, die Schauspielerei unerträglich (vor allem Jean-Claudes Versuche, großen Emotionen Luft zu machen, regen die Darmperistaltik auf donnernde Weise an), die Kämpfe sind irgendwie statisch, uninteressant... Ich weiß nicht, Van Dammes Stil sagt mir nicht zu. Das einzige stärkere Gefühl war ein unangenehmes Zusammenziehen der empfindlichen männlichen Körperteile, als der Hauptdarsteller einen Spagat machte. Ästhetischer Eindruck - absolut keiner. Und wenn er schon schüchtern am Fenster gekratzt hat, wird er garantiert vom 80er-Jahre-Synthesizer-Soundtrack mitgerissen. Nein, das brauche ich wirklich nicht...

Ich bin kein Martial-Arts-Kenner, aber das Talent von Tony Jaa muss selbst ein eingefleischter Pazifist im Ruhestand anerkennen. Es gibt mehrere Gründe, warum dieser fliegende Thailänder eine solche Offenbarung ist - erstens versteht er sein Handwerk und fügt der technischen Ausführung im Gegensatz zu europäischen Überbleibseln wie Jean Claude van Damme diesen unvergleichlichen asiatischen künstlerischen Touch hinzu. Seine entspannten, dynamischen Bewegungen sind ein ästhetisches Erlebnis, vergleichbar mit einer hervorragenden schauspielerischen Leistung. Wenn man dann noch bedenkt, dass es sich um einen Vollkontaktfilm ohne Drähte und ohne großen technischen Schnickschnack handelt (die Rohheit mancher Aufnahmen ist deutlich sichtbar!), fällt es schwer, bei den verrückten Szenen der Hauptdarsteller Luft zu holen. Zweitens: Tony Jaa ist ein sehr interessanter visueller Typ... eine Mischung aus Inder und Asiate mit jungenhaftem Charme. Drittens: Tony Jaa kann vielleicht nicht spielen, aber er kann auf eine Weise spielen, die nicht beleidigend ist. Ong-Bak ist ein Film, der sich ganz und gar den Fähigkeiten der Hauptfigur unterordnet, die Geschichte läuft fröhlich nebenher, der Drehbuchautor stützt sich auf maximale Archetypen, um Platz für den Hauptdarsteller zu schaffen. Sie genießt ihn wie ein wahrer Gourmet. Wirbelnde Tritte, Ohrfeigen, zappelige Schlitzaugen fliegen durch die Luft und irgendwie ist es egal, dass es nirgendwo hinführt und der Sinn des Films ein einziger großer Bullshit mit einem B so groß wie Indien ist. Ong-bak ist göttliche Action-Unterhaltung, ein entspannender Film, der mit perfekten Actionszenen beeindruckt, mit Prachya Pinkaews unbeholfenen Versuchen einer modernen Regie unterhält und die Tür zur Welt der thailändischen Popmusik und des Hip Hop öffnet. Das Ergebnis sind 105 Minuten adrenalingeladener Spaß und unvergessliche Erlebnisse...