Marigold

Ich lasse mich nicht beirren, der filmische Harry Potter wird für mich auch im vierten Anlauf nur ein leicht überdurchschnittliches Fantasy-Spektakel mit einem fetten Budget bleiben. Ich habe kein Wunder von Mike Newell erwartet (wenn selbst ein starker Autor vom Typ Cuarón es nicht schafft, was kann man dann von einem konservativen Engländer erwarten?) und ich habe keins bekommen. Der erste Teil des Films ist eine langweilige Aneinanderreihung von nichtssagenden Episoden und Gesprächen, die die Unsicherheit des Regisseurs und seine Unkenntnis der Fantasiewelt von J. K. Rowling widerspiegeln. Der vierte Potter springt, wenig überraschend, mit einer Ballszene herein, die zu Newells sentimental-komödiantischer Art passt und mit britischem Charme und humorvoller Leichtigkeit umgesetzt wird. Positiv ist auch der zweite Teil des Films nach dem Intermezzo, in dem es Newell besser gelingt, die viel beschworene düstere Atmosphäre zu erzeugen. Er mag sich ständig verzweifelt mit garantierten Requisiten behelfen (Déjà-vu, Nebel, Wasserspeier), aber selbst ein Zuschauer, der mit dem Buch nicht vertraut ist, hat die Chance, in den dynamischeren Sequenzen von Meister Potters magischen Tiraden (das Labyrinth, die Unterwasserszene) ein paar lohnende Stellen zu finden. Wenn man es wieder zusammensetzt, ist es ein leicht zusammenhangloser Splitter, dem eine stärkere Motivation und eine stärkere Geschichte fehlen, um ihm ein Gerüst zu geben. Außerdem ist die Logik des Buches (wie von mir verlangt) sehr lückenhaft und der Film rechnet stellenweise nicht mit dem uneingeweihten Zuschauer. Das Ende deutet darauf hin, dass vielleicht sogar wir Potter-Liebhaber beim nächsten Mal endlich etwas anderes als die endlosen 90210-Hogwartsserien sehen werden. Fazit: Filmisch bleibt der vierte Potter weit hinter den Qualitäten von Cuaróns Vorgänger zurück; er ist wieder kindischer, stärker, weniger zivil, altmodisch, aber vor allem viel mehr von Requisiten getragen. Die schauspielerische Leistung ist wieder mittelmäßig (aber Hermine bestätigt, dass sie in jeder Hinsicht wächst, was schön anzusehen ist). Technisch ist es wunderbar, spektakulär, ausgefeilt. Leider fällt es mir etwas schwer, drei Stunden lang schöne bunte Bilder anzustarren, wenn keine tieferen Gefühle dahinter stecken. Aber das ist nur mein Problem.

Kassovitz ist zweifellos ein talentierter Filmemacher, und er hat Gothika mit großem Einfühlungsvermögen und Anmut inszeniert, aber wie bei Geisterfilmen üblich, wird die sorgfältig aufgebaute Atmosphäre des größten Teils der Handlung durch das routinemäßige und weit hergeholte Finale völlig zunichte gemacht. Solange das Unbekannte in erschreckenden Visionen, Andeutungen und exquisit gefilmten "Sneaks" auf den Protagonisten zusteuert, ist die Atmosphäre von Gothika dicht, elektrisierend und dunkel. Solange die faszinierend anmutende Handlung, die die subjektive Erzählung der Psychologin Miranda und die Stimme eines objektiven Erzählers vage miteinander verwebt, dem Mystery-Thema treu bleibt, ist alles in Ordnung. Der Zuschauer zweifelt an der Wahrheit und ist selbst am Rande des Zweifels, ob sie nicht eine wirklich verrückte Ärztin ist. Leider bietet das Ende ein konventionelles blutiges Finale, in dem alle Mystik im Thriller-Naturalismus verblasst. Es ist schwer zu sagen, ob man aus kommerziellen Geistergeschichten mehr machen kann als The Sixth Sense gezeigt hat, aber Gothika ist ein Beispiel für einen Film, der 2/3 seiner Laufzeit vielversprechend aussieht, nur um dann als besseres Hollywood-Rip-off zu enden. Schade. Aber die Regie, die Kameraführung, der Schnitt, die Musik, Halle Berry und die daraus resultierende Atmosphäre machen den Film sehenswert... Ein ähnlicher Verlauf und ein ähnliches Ergebnis wie bei Zemeckis' Thriller Schatten der Wahrheit. Das Potenzial wird zu kaum 70 % genutzt.

Bohdan Sláma hat mich mit seinem ersten Film nicht beeindruckt, und außerdem hat mich sein roher Dokumentarstil zu Tode gelangweilt. Ich hatte also keine Erwartungen an Die Jahreszeit des Glücks, und der Beginn des Films entsprach genau Slámas scheinbar uninteressantem und unbearbeitetem Stil, der einen anti-illusionistischen und nicht-agierenden Eindruck vermittelt. Doch anders als bei Wilde Bienen stellt sich nach einiger Zeit eine hohe Identifikation mit den Figuren ein und bald auch eine Faszination für die subtile und beiläufige, aber dafür umso suggestivere Geschichte. Die Umgebungsstudie ist perfekt und chirurgisch detailliert, die unwirtliche Region Most bildet eine harmonische Kulisse für das tragische Leben der Hauptfiguren, was das Gefühl der Entwurzelung, der Verlassenheit und der hoffnungslosen Perspektive nur noch verstärkt. Slámas Film zeichnet sich durch hervorragende schauspielerische Leistungen aus, wobei das Trio Geislerová, Vilhelmová, Liška unter den präzise gezeichneten Figuren brilliert. Letzterer warf schließlich die unbeholfene Maske eines idiotischen Clowns ab und schuf meiner Meinung nach einen der eindrucksvollsten Männertypen des postrevolutionären Kinos. Die Jahreszeit des Glücks ist ein kalter und kühler Film, naturalistisch und ungekämmt, nur ergänzt durch ein minimalistisches Spaniel-Motiv, das wie ein Refrain inmitten einer unwirtlichen Handlung auftaucht, aus der das Glück, nicht das dümmlich-sentimentale, sondern das echte, mit der Zeit zaghaft erblüht. Sláma ist es gelungen, das ungestylte Leben auf Zelluloid zu bannen, und sein Film zählt dank seiner außergewöhnlichen Intensität zu den besten Filmen, die nach 1989 entstanden sind. Bohdan Sláma reift heran, und es ist eine Freude, ihm dabei zuzusehen.

Helgeland ist eine ziemlich gute Mischung aus einem harten Kerl à la Lethal Weapon - Zwei stahlharte Profis und einer Tarantinoesken Gangsterpoesie gelungen, in der Brutalität auf eine tänzerische, humorvolle und unverbindliche Art und Weise dargestellt wird. Payback ist kein Regie-Magnum-Opus, sondern ein eher routinierter Film, der seine großen Momente vor allem dem Drehbuch und dem hervorragenden Mel Gibson verdankt, der seine jahrelange Erfahrung in der Haut von Detective Riggs ausspielt, der gerade auf der anderen Seite der Barrikade steht. Sie macht den unglaublich sturen Dieb Porter zu einer fast humorvoll gefährlichen Figur, die mit bockigem Eigensinn wegen einer völligen Lappalie durch eine Stahlbetonbarrikade läuft. Die Figur ist der zentrale Wert von Payback, ansonsten gibt es nichts besonders Originelles oder Erinnerungswürdiges, alles funktioniert zugunsten des Ganzen und das Ergebnis ist ein Qualitäts-Gangsterfilm der düsteren Schule, der auch mit einem gut ausgearbeiteten Schluss erfreut.

Eine wunderschön dargestellte Faszination durch den Tod, den Burton selbst als eines der großen Themen seines Werks bezeichnet. Corpse Bride - Hochzeit mit einer Leiche ist ein dekadentes Märchen, das einer Baudelaire'schen Ästhetik des Ekels entsprungen zu sein scheint und gleichzeitig mit der für Burton typischen Sensibilität und Empathie gesegnet ist. Das Ergebnis ist ein visuell außerordentlich ausgereifter Film, mit einer enormen Leistung von Danny Elfmans fabelhafter Filmmusik, hervorragenden Schauspielern, die den Charakteren Seele verleihen, und natürlich einer passend legendären Geschichte, die Burton auf seine eigene Weise interpretiert hat - ein fast kabarettistisches Jonglieren mit verschiedenen Genres. Es mag ein wenig unfair sein, Mike Johnson zu verunglimpfen, aber Corpse Bride - Hochzeit mit einer Leiche ist Burtons Wegbegleiter ins Grab, der aus jedem Detail, aus jedem präzisen verbalen und visuellen Gag, aus der Idiotie der Schauplätze, aus der typischen Nachbarschaft der Welt von Rationalität und Irrationalität atmet, an deren Grenze der Held sein wahres Ich findet. Es ist ein poetischer, eindringlicher, schöner Film... Und er hat keine Schwachstelle, wenn man das etwas konvexe Ende akzeptiert.

Obwohl die Thematik an Gilliam zu erinnern schien, wurde alles, was über den ersten Plan hinausgehen könnte, in ein abgenutztes und uninteressantes Drehbuch mit außergewöhnlicher Konsequenz gefiltert. Was für Gilliam übrig bleibt, ist eine visuell fesselnde, aber verzweifelt inhaltslose Geschichte über zwei Brüder, die falsche Geister jagen, bis sie eines Tages mit dem echten Übernatürlichen konfrontiert werden. Die Regie macht zwar keinen völlig verwerflichen Mist, aber trotzdem bietet Grimm nicht viel mehr als aufwendige Kulissen, dezente Gimmicks, uninteressante Musik, mittelmäßige Leistungen der Hauptdarsteller und gute Leistungen einiger Nebenfiguren (die erfahrenen Gilliam-Darsteller Stormare und Pryce, eine großartige Bellucci). Statt eines Rummelplatzes irgendwo an der Grenze zwischen Rationalität und Irrationalität, statt der schillernden Phantasie und der filmischen Magie, die Gilliam wie kaum ein anderer beherrscht, bleibt ein typisches Hollywood-Kino mit einem fadenscheinigen Drehbuch, bunten Kulissen und ein paar guten (aber für Gilliams Verhältnisse schwachen) Gags. Ich kann verstehen, warum Terry die schlechtesten Dreharbeiten seiner Karriere hatte... denn sie führten zu seinem schlechtesten Film. Drei Sterne für den unermesslichen und vergeblichen Versuch, einen Furz in eine Kugel zu verwandeln.

Ich bezeichne diesen intimen Thriller des umstrittenen kanadischen Irren auf dem Regiestuhl als eine der angenehmsten Überraschungen dieses Jahres. Ich hätte nicht erwartet, dass David Cronenberg nach Naked Lunch ein so meisterhaftes Stück hochkarätiger, aber äußerst stilvoller Filmkunst abliefert. Natürlich mache ich keinen Hehl daraus, dass ich seine letzten Schritte nicht befolgt habe, was A History of Violence wie eine echte Ohrfeige erscheinen lässt. Dieser Film kann nicht auf ein Podest der Exzellenz gestellt werden, aber er ist tatsächlich ein sehr konservativer Thriller über einen Mann, der in einer lebensbedrohlichen Situation unnatürlich kaltblütig reagiert und ein Karussell von Fragen, Ausrufezeichen und dunklen Orten in Gang setzt, die seine Identität bedrohen. Tom Stall, brillant gespielt von Jacksons gutem Kerl Viggo Mortensen, ist die treibende Kraft des Films - der archetypische Held "mit dem Fragezeichen". Der geschickt platzierte Erzähler fällt diesmal nicht aus dem Rahmen, er ist "nur" gut ausgearbeitet und hält die grundsätzliche Frage "Wer ist die Hauptfigur?" ausreichend offen. Das familiäre Umfeld, das Tom mit aller Kraft verteidigt und das Cronenberg im ersten Teil des Films verdächtig harmonisch darstellt, funktioniert sehr gut. Neben den schauspielerischen Leistungen des gesamten Ensembles und dem gut geschriebenen Drehbuch ist der unaufdringliche, aber einfühlsame Soundtrack von Howard Shore zu erwähnen und natürlich die perfekte Regie, die keine Starallüren an den Tag legt, sondern sensibel der Geschichte folgt, den Zuschauer sanft in sie hineinzieht und mit unglaublicher Leichtigkeit die intime Ebene mit einer fast naturalistischen Brutalität tauscht, in der man Cronenberg hundertfach wiedererkennt. Es gibt keine Spur von Ziellosigkeit, Pathos, Heldentum... das finale Duell mit einer Cronenberg’schen Leichtigkeit bringt eine spektakuläre schwarzhumorige Aktion zu den intimen Tönen, um die ein Tarantino seinen älteren Kollegen nur still beneiden kann... Das Ende des Films findet ohne Worte statt, nur mit Gesten, Andeutungen, und ertönt in der Stille wie ein Schrei, auf den der Zuschauer selbst antworten muss. Wird Tom noch eine Chance bekommen, oder wird sein Handeln ihn zerstören? Wären da nicht die langatmigen Details und der leichte Verlust der Abstufung am Ende, wäre es ein fast makelloser Film gewesen. Doch auch in dieser Fassung ist A History of Violence ein reifes und inspirierendes Beispiel für einen Psychothriller, der zwar keine tiefgründigen Fragen nach dem Sinn des Daseins aufwirft, aber dennoch fesselt, mitreißt und unterhält. Ohne Schwanzwedeln.

Wirklich ein Superfilm. Man koche etwa 40 meist mittelmäßige Actionfilme auf, engagiere einen dilettantischen Model-Club, der seine Zugsammlung durchwühlt und Tricks unterhalb des Niveaus der Stummfilmzeit vorbereitet, frage einen Schauspieler, der seinen Zenit um einige Lichtjahre überschritten hat, und lasse das Ganze zu einem schrecklichen Borschtsch eines Regie-Hottentotten verrühren. Dazu kommt ein Soundtrack, der einen Amateurporno in den Schatten stellt, und vor allem ein Schnitt, der an einen epileptischen Anfall oder eine Tour durch eine Fotosammlung nach dem Konsum einer Flasche Absinth erinnert. Und was entsteht? Ein Film für Trash-TV und einen Abend, an dem man sogar einer so philosophisch tiefgründigen Tätigkeit wie dem Nasebohren überdrüssig ist.

Ich mag Ben Affleck nicht, und Comicverfilmungen, die ständig ein Gebräu aus Burtons Batman variieren, gehen mir auf die Nerven... weshalb ich auch nicht wirklich verstehe, warum mir Daredevil so gut gefallen hat. Vielleicht liegt es daran, dass der blinde Held eine sympathische Figur ist, dass Farrell der Tradition treu bleibt, dass die Musik hörenswert ist, dass die Choreografie Standard ist (wenn auch manchmal chaotisch) und dass die Atmosphäre durch die Tragödie am Ende des Films subtil verdunkelt wird. Es ist nicht zu übersehen, dass Regisseur Johnson kaum Durchschnitt ist und uns keine großen visuellen Leckerbissen bietet, selbst die Gabe der Hauptfigur setzt er eher uninspiriert ein. Trotzdem ist Daredevil ein sehr unterhaltsamer und leicht verdaulicher Film, der zwar nicht mit den Top-Comicverfilmungen mithalten kann, aber in seiner Gewichtsklasse ausreichend ist.

Michael Bay hat es geschafft!!! Ich wusste nicht, dass es einen Film gibt, der Emmerichs Mega-Blockbuster Independence Day mit seiner einfältigen Pathetik übertrumpfen kann. Bay traf jedoch so vehement, dass er das Netz durchbrach und die Zuschauer auf der Hintertortribüne erschlug. Die ersten Minuten deuten allerdings nicht auf eine extravagante Leistung hin, sondern sparen alles für einen anständigen Actionfilm mit guten Schauspielern und einer gewissen sarkastischen Abgeklärtheit auf, spätestens aber, wenn der US-Präsident seine messianische Masche auspackt und eine anonyme Mutter eine der für mich persönlich dümmsten Zeilen der Kinogeschichte ausspricht: "Das ist kein Verkäufer, das ist dein Vater!", kommt Armageddon so richtig in Fahrt. Danach gibt es allerdings eine etwas schwächere Passage, in der der Film Action hat, alles kracht, bricht, repariert... bis es zu einem etwas langweiligen Feuerwerk wird. Aber es gibt auch ein exzellentes Ende, an dem wir endlich einige schöne Kompositionen mit amerikanischen Flaggen (die Schauspieler tragen sie wahrscheinlich sogar in ihren Shorts) und Wortperlen wie "Du warst der Beste, Harry!" zu hören bekommen. Bay explodiert förmlich in einem Orgasmus aus Pathos, Kitsch und Dummheit, der keine Grenzen kennt. Es ist ein Orgasmus, so mächtig wie eine Asteroiden-Explosion, unterstützt durch berühmt inszenierte Aufnahmen und vor allem (zum wievielten Mal?) ein exzellentes Drehbuch, das eine solche verbale und stilistische Kraft hat, dass es mir Kopfschmerzen bereitet hat. Seien Sie nicht böse auf mich wegen des vergebenen Trashs. Es ist Gourmet-Trash, die Art von Trash, die ich wahrscheinlich bis zu meinem persönlichen Armageddon in meinem Herzen tragen werde. Ich bete nur, dass er nicht von etwas anderem besiegt wird. Was hast du da in deiner Tasche, Roland?