Filmmaniak

David Attenborough erzählt von seinem Leben und liefert einen übersichtlichen und verständlichen Appell zum Thema Umweltschutz im Zusammenhang mit den Veränderungen, die in den letzten Jahrzehnten auf der Erde stattgefunden haben. Der Film dient daher nicht nur als perfekte Zusammenfassung der Karriere dieses berühmten Dokumentarfilmemachers, sondern auch als wichtige Botschaft über den Zustand der Umwelt, in dem jedoch anstatt nach Schuldigen konstruktive Vorschläge und Visionen vorgestellt werden.

Der doppelte Liebhaber erzählt von den psychologischen Wurzeln sexueller Fantasien einer psychisch komplizierten jungen Frau und ist gleichzeitig eine raffinierte Hommage an die Schwestern Brian De Palmas, Cronenbergs zu vollkommener Gestalt und Rosemary's Baby von Roman Polanski, voller Anspielungen und doppelter Bedeutungen. Im Zusammenhang mit dem Motiv der Zwillinge scheint Ozon auch die Aufteilung des Bildes, achsensymmetrische Aufnahmen und vor allem Spiegel zu mögen, die er in jede dritte Aufnahme einfügt, um auf das illusionäre Spiel mit dem Zuschauer aufmerksam zu machen, das er von Anfang an begeht. Er spielt mit der Grenze zwischen Realität und Fantasie, durchdringt die inneren Abläufe im Geist der Hauptfigur und wirft Requisiten und hastige Wendungen aus dem Ärmel, die in einigen Fällen leicht interpretiert werden können, andere erfordern jedoch Aufmerksamkeit und Nachdenken und verwirren wahrscheinlich nur. Letztendlich scheitert Ozon jedoch in der Erzählung des letzten Drittels, das überkomplex und chaotisch wirkt, in dem die Spannung zwischen den Charakteren verschwindet und der Schlusspunkt die psychologische Ebene nur noch komplizierter macht. Die B-Movie-Prämisse des ursprünglichen Thrillers mit erotischen Elementen hat es dem Regisseur zwar gelungen, in ein künstlerisch-europäisches psychologisches Drama umzuwandeln, das wie Fifty Shades of Grey in einer Version für anspruchsvolle und nachdenkliche Zuschauer aussieht, aber selbst diesen wird eine einzige Aufnahme sofort in Erinnerung bleiben - und das gleich zu Beginn des Films.

Wenn ein King-Fan zum Film geht und eine Adaption seiner Lieblingsbuchreihe erwartet, wird er ein wahrhaft höllisches Erlebnis haben. Der Dunkle Turm ist jedoch keine Adaption, sondern eine alternative Variation des ersten Teils von Kings Werk, die seine Schöpfer noch dazu als eine gewisse Art von kanonischer Fortsetzung dieser Bücher ausgeben (und ja, das ergibt sogar ziemlich viel Sinn, es ist nur etwas völlig anderes als das, was die meisten Menschen erwarten würden). Das Ergebnis erweckt den Eindruck eines zusammenhangslosen Potpourris aus Motiven aus den übernommenen Büchern, zu einem hastig und extrem verdichteten Durcheinander verflochten, das furchtbar verkürzt und unverständlich wirkt und am meisten an diverse kürzlich erfolgte Verfilmungen von Fantasy-Romanen für Jugendliche erinnert, vom "Giver" bis zur "City of Bones". Im Vergleich zu diesen Filmen ist der Dunkle Turm zwar nicht schlechter, aber angesichts der Qualität, Bedeutung und Ausdehnung von Kings Vorlage ist dies eine wirklich schreckliche Entwertung. Eine ausführlichere Rezension finden Sie HIER.

Film, der aus Ausschnitten anderer Filme zusammengesetzt ist, die in San Francisco spielen. Im Wesentlichen handelt es sich um einen Versuch, die Geschichte von Hitchcocks Vertigo durch eine narrativ und experimentell geschnittene Videomontage zu erzählen, die jedoch eine zusammenhängende Handlung nur innerhalb kurzer und isolierter mehrminütiger Segmente hat und nicht über den gesamten Film hinweg, wobei der Vertigo nur sehr entfernt ähnelt. Diese Segmente sind in der Regel Szenen mit drei Männern, die den Film schneiden und dabei verschiedene Passagen abspielen, was eine ziemlich witzige meta-lösung ist, um dieser seltsamen Form einen Rahmen zu geben, jedoch etwas billig. Ansonsten sind die meisten Dialoge aus den meisten anderen Szenen herausgeschnitten und in einigen Aufnahmen gibt es trickreiches Grünnebel, grünen Schimmer oder andere grüne Raucheffekte, aber nur sporadisch und nicht, dass es einen tieferen Sinn ergibt. Einige Sequenzen sind sehr gut und einfallsreich geschnitten, andere sind überraschend inkonsistent (ein Streit zwischen einem Mann und einer Frau, der auch aus Szenen zusammengesetzt ist, in denen die Protagonisten sich nicht streiten) und insgesamt kann diese Stunde irgendwie als visuelle Kuriosität überlebt werden.

In Bezug auf die technische Seite wieder stark auf einem hohen Niveau, aber inhaltlich stark hinterherhinkend. Viele Szenen wirken seltsam verkürzt (als wären eine halbe Stunde Aufnahmen aus dem Film herausgeschnitten worden), andere fehlen wiederum an Spannung, ausreichend Dramatik oder emotionaler Tiefe. Die Action- und Kampfsequenzen sind unglaublich übertrieben und absurd unrealistisch, da sie die Gesetze der Physik, Logik und Wahrscheinlichkeit offensichtlich ignorieren. Viele von ihnen erinnern mit ihrer wahnsinnigen manischen Stilisierung eher an Groteske und passen überhaupt nicht zu einer ernsthaft konzipierten epischen Fantasy wie Der Herr der Ringe und erwecken unbeabsichtigt Lachen. Dies in Kombination mit den müden Dialogen über Liebe, Freundschaft und Ehre macht den letzten Teil des Hobbits spielend zum dümmsten Teil der Trilogie. Leider enttäuscht die Hauptarmee-Schlacht damit, dass die Orks überhaupt nicht furchterregend sind und selbst das Aufgebot einer mit Waffen stark ausgerüsteten Hunderttausend-Armee keinen Eindruck einer gefährlichen Bedrohung erweckt - sie erfüllen eher die Funktion halb-komischer Figuren, die umfallen, wenn man gegen sie stößt. Und der labile Handlanger des Bürgermeisters als komische Figur ist zum Abschuss freigegeben. Im Ergebnis also eher eine Enttäuschung - kein "Wow" findet diesmal statt und stattdessen ein Absturz ins Durchschnittliche. Dennoch muss ich zugeben, dass ich mich amüsiert habe, nur bedeutend anders als bei den beiden vorherigen Teilen oder beim Herrn der Ringe, aber ich hatte keinen Spaß daran. Nach der Rückkehr des Königs rief ich dreimal "Sieg!", aber mir fehlt jetzt ein überzeugender Grund dazu.

Grundsätzlich habe ich enorme Vorbehalte gegenüber dem Hobbit, aber dennoch muss ich zugeben, dass es bei Jackson funktioniert, wenn auch nicht immer nach Wunsch. Die Aufteilung in drei Teile ist eine schreckliche Lösung für den geringen Inhalt der Vorlage und der Film tötet sich selbst. Dem trockenen Handlungsstrang wurden viele zusätzliche Motive, Unterhandlungen und Verbindungen hinzugefügt, die meist völlig unnötig sind und die Laufzeit nur verlängern. Im Vergleich zu irgendeinem Teil des Herr der Ringe kann der Hobbit nicht mithalten, innerhalb der sonstigen üblichen Produktion ist es jedoch keine solche Tragödie. Der Film erinnert eher an ein Abenteuermärchen für jüngeres Publikum als an eine epische Fantasy. Eine diätische Version des Herr der Ringe ohne Größe und Schicksalhaftigkeit. 60%

It was said that The Wind Rises would most likely be Miyazaki’s last film, but that turned out not to be the case. And The Boy and the Heron will not necessarily be the final chapter of his career either, though it is possible to see from it a bit of creative repetition as he looks back to his own work and passes the torch to the younger generation in the end, which is also presented in the story. In any case, the master of animation and film narrative has not eased up in terms of the number of ideas, the diversity of his visions and the depth of the ideas presented; his film looks beautiful and overflows with the magical, dreamlike, fairy-tale elements that can be alternately cruel and tender. The introduction of the film is uncomplicated and practically devoid of the supernatural, but as soon as the titular heron smiles and begins speaking with a human voice and the main (unfortunately not very interesting) protagonist falls into the fantasy world, in which he must come to terms with the loss of his mother and with feelings of pain, loneliness, anger and sadness, Miyazaki’s powers of imagination and playfulness kick into high gear. However, the effort to say as much as possible in the space of two hours leads to the fact that the film is very dense in places and doesn’t let some of the scenes fade out properly. At the same time, Miyazaki returns to his tried-and-try story formulas (he most noticeably draws from his own Spirited Away) and frequently used trademarks. The Boy and the Heron is practically a catalogue of everything that can be associated with Miyazaki’s films, but it doesn’t reach the level of his best works.

Ein Thriller mit Horror-Elementen über einen jungen Mann, dessen imaginärer Freund aus seiner Kindheit erscheint und ihn zu schlechten Taten ermutigt und nach und nach die Kontrolle über seine Handlungen und seinen Körper übernimmt. In diesem standardmäßigen Handlungsverlauf, bei dem es um den Umgang mit inneren Dämonen im Stil von Jekyll und Hyde geht, dominieren die beeindruckenden Leistungen unbekannter Schauspieler und eine recht innovative Mythologie der imaginären Freunde und Dämonen, von denen sie kontrolliert werden (wahrscheinlich besser in dem Buch, nach dem der Film gedreht wurde, dargestellt). Die ziemlich routinierte Regie reichte für einige bemerkenswerte Szenen aus, aber das Wesentliche, was den Film wirklich markant machen könnte, kann sie nicht ausreichend nutzen, wodurch der Film trotz einiger interessanter und origineller Ideen etwas vergessen wirkt.

Die AnimatorInnen haben hervorragende Arbeit bei der authentischen Darstellung von lebenden Kreaturen und der Natur geleistet, was die Animation absolut faszinierend macht und viele Aufnahmen wie Szenen aus Naturdokumentationen aussehen lässt. Das Problem ist jedoch, dass der König der Löwen kein Dokumentarfilm aus der afrikanischen Savanne ist, sondern ein Musical von Disney, in dem die Tiere sprechen und singen, was sich nicht wirklich gut mit der fotorealistischen Animation verträgt. Um größtmögliche Glaubwürdigkeit zu erreichen, wurde den tierischen Helden auch jegliche "menschliche" Mimik genommen, so dass die einzige Quelle der Emotionen in ihren Dialogen die Stimme der Synchronsprecher ist, die jedoch alleine ohne Unterstützung in den tierischen Gesichtern nicht ausreicht. Die Geschichte (im Wesentlichen Hamlet) unterscheidet sich kaum von der animierten Version (nur um eine halbe Stunde länger) und ist immer noch großartig, aber sie hat nicht viel zu bieten, wenn man den ursprünglichen König der Löwen bereits gesehen hat. Der neue König der Löwen ist daher nur eine technologisch perfekte, aber ansonsten etwas geistlose Kopie seines viel besseren Vorgängers.

Visuell, schauspielerisch und handwerklich fesselnd und unglaublich beeindruckendes psychologisches Drama mit Horror-Elementen, inspiriert von Seemannsgeschichten, Herman Melvilles Werk und antiker Mythologie. Man kann seine erdrückende klaustrophobische Atmosphäre, sorgfältig gestaltete Szenerie, unglaubliche Kameraarbeit, Arbeit mit Ton und symbolischer Beleuchtung sowie die schauspielerische Leistung beider Protagonisten bewundern, denen das Drehbuch gerecht angemessenen Raum gibt (abgesehen von einigen markanten gemeinsamen Szenen glänzen sie auch in ihrem eigenen langen Monolog). Realistisches, schonungslos autorschaftliches Werk, in dem überraschenderweise auch Humor einen Platz hat, zeichnet sich durch visuelle Anziehungskraft und maximale Regiepräzision aus und wirkt im Gegensatz zur Hexe zum Glück auch nicht im geringsten schwerfällig, übertrieben oder ungewollt lächerlich.